PEOPLE’S CHOICE AWARD

7-Eleven, una de las cadenas de tiendas de conveniencia más importantes de México, buscaba posicionarse como líder en la categoría de alimentos preparados, superando los códigos tradicionales de “precio y promoción.” Para ello, desarrollamos el concepto “Bienvenida tu hambre,” un mensaje claro e inclusivo que transformó la percepción de los alimentos preparados, presentándolos como soluciones rápidas, ricas y recién hechas, disponibles a cualquier hora del día. La estrategia incluyó un sistema visual que conectó momentos de consumo específicos (desayuno, comida y cena) con productos ideales, reforzando la conexión emocional con el consumidor. Además de un despliegue robusto en medios exteriores (OOH) se utilizó las tiendas como lienzos publicitarios, maximizando visibilidad y tráfico. Esta propuesta integral permitió a 7-Eleven destacarse como el destino favorito de alimentos preparados, redefiniendo su rol en la vida cotidiana de los mexicanos.

En México, las tiendas de conveniencia son parte del día a día, pero los alimentos preparados enfrentaban una percepción limitada por comunicación tradicional enfocada en “precio y promoción.” Esto dificultaba conectar emocionalmente con el consumidor y destacar en momentos clave de consumo. Además, las tiendas presentaban un entorno saturado de mensajes visuales, sin un enfoque estratégico que posicionara la categoría como una opción deliciosa, práctica y confiable. Culturalmente, el hambre no solo es una necesidad, sino un momento cargado de emociones, presente en diferentes horarios y ocasiones. Esto planteó el reto de convertir esa necesidad en una oportunidad para atraer a los consumidores y ofrecerles soluciones rápidas y de calidad que se alinearan con sus momentos cotidianos de desayuno, comida y cena. El desafío era transformar 7-Eleven en un referente confiable de alimentos preparados, superando la percepción tradicional de conveniencia básica.

El concepto “Bienvenida tu hambre” mostró que en 7-Eleven hay opciones rápidas, ricas y recién hechas para cualquier momento del día. Este enfoque inclusivo destacó productos específicos en horarios clave: café por la mañana, pizzas al mediodía o snacks para la noche. El diseño visual integró personas, productos y momentos del día, creando piezas relevantes y aspiracionales. La estrategia se ejecutó con un despliegue robusto en medios exteriores, donde además de estar en numerosos sitios, las tiendas mismas fueron lienzos publicitarios que maximizaban visibilidad y tráfico. Los mensajes anclados a los atributos del producto (frescura y calidad) ayudaron a reposicionar la categoría, rompiendo con los códigos tradicionales. Esta solución permitió a 7-Eleven liderar en alimentos preparados y conectar emocionalmente con sus consumidores.

Mercado Livre, la plataforma de comercio electrónico más grande de América Latina, tiene el servicio de entrega más rápido, una ventaja competitiva fundamental que aún no ha sido ampliamente reconocida. Recientemente, el panorama del comercio electrónico se ha vuelto más competitivo con la entrada de nuevos actores en el mercado, todos luchando por ofrecer el mejor surtido, los mejores precios y velocidades de envío. Entre los activos de Mercado Livre se encuentra su importante plataforma de patrocinio de fútbol, de amplia repercusión debido a la importancia cultural y el atractivo de este deporte en la región. El brief estratégico era aprovechar esta plataforma no solo para crear conexiones emocionales, sino también para destacar de manera efectiva su principal beneficio funcional: la entrega rápida.

Mercado Livre es la plataforma de comercio electrónico líder en Brasil. A pesar de su popularidad, la marca no se asociaba comúnmente con la entrega rápida, un atributo esencial para su categoría y una verdadera fortaleza para la marca, ya que ofrece la entrega más rápida del país. El fútbol, profundamente arraigado en la cultura brasileña, atrae la atención masiva con sus numerosos campeonatos y equipos queridos. Reconociendo esto, Mercado Livre ha invertido ampliamente en el fútbol, incluyendo patrocinios en varios niveles e incluso adquiriendo los derechos de nombre del estadio más emblemático de São Paulo, el Pacaembu. Estar más cerca del fútbol es importante para Mercado Livre por su conocimiento y conexión con su público objetivo. Uno de los eventos clave en este deporte es el Campeonato Carioca, que presenta equipos prominentes, como Flamengo, el equipo más grande y popular de Brasil, con una vasta base de fanáticos en todo el país. Las finales del campeonato, celebradas en el Estadio Maracanã, fueron presenciadas por más de 120.000 espectadores y transmitidas tanto por televisión como por plataformas de streaming, asegurando una amplia audiencia.

Los Ballboards de Mercado Livre revolucionan la publicidad exterior al transformar las vallas publicitarias estáticas anticuadas en elementos dinámicos e interactivos de un partido de fútbol. Colocadas estratégicamente a pie de campo, estas vallas publicitarias cuentan con cañones de balones integrados que participan activamente en el juego, entregando automática y rápidamente los balones a los jugadores durante los saques de esquina, lo que refleja la eficiencia del servicio de Mercado Livre para millones de clientes en América Latina. Los Ballboards son una forma innovadora de reforzar la promesa de marca de Mercado Livre y establecerse como la próxima innovación tecnológica en el fútbol. Alcanzamos a más de 120.782 fanáticos que estaban viendo los dos partidos finales en el estadio y cautivamos a 15 millones de personas a través de la transmisión en vivo. Se convirtió en un éxito instantáneo, con 40 millones de vistas orgánicas en las primeras 48 horas, 10 veces más que los momentos destacados de los partidos, marcando la primera ocasión en que una iniciativa publicitaria generó más revuelo que el partido en sí. El alcance de la idea de los Ballboards no se limitó solo a Brasil y atrajo la atención internacional, siendo notado en 26 canales de más de 20 países diferentes. Además, la campaña logró impactantes 1.600 millones de impresiones en todo el mundo. Y, finalmente, el éxito en la final en el Maracaná sentó un precedente, lo que llevó a la implementación de los Ballboards en torneos posteriores, como la Conmebol Libertadores, además de otros aún en negociación.

Las tarjetas de crédito son parte integral de la vida diaria: las llevamos a todas partes y las usamos en diferentes momentos para diversas necesidades. A pesar de su presencia constante, a menudo pasan desapercibidas y carecen de una conexión significativa con los usuarios.

Para el Banco de Bogotá, este desapego representó una oportunidad significativa. El desafío era transformar su portafolio de tarjetas de crédito de una simple herramienta transaccional a un puente que fomente una conexión más profunda entre el banco y sus clientes. El objetivo era lograr que cada tarjeta no solo fuera funcional, sino también un reflejo de la etapa de vida y las aspiraciones de cada cliente.

Introdujimos el concepto de “una tarjeta para cada momento de la vida”, creando un portafolio de 43 tarjetas de crédito diseñadas para apoyar a los clientes en etapas clave como comenzar, ahorrar y alcanzar estabilidad. El sistema de diseño tenía dos capas: una capa de identidad para garantizar claridad y coherencia de marca, y una capa de significado para humanizar la marca a través de narrativas, fomentando conexiones más profundas. Este enfoque transformó las tarjetas de herramientas funcionales a compañeras personales, fortaleciendo el vínculo emocional entre los clientes y el Banco de Bogotá, y reforzando su papel como un aliado financiero que evoluciona junto con sus usuarios.

La historia del Sport Club do Recife comenzó en 1905, cuando Guilherme de Aquino, al regresar de sus estudios en Inglaterra, fundó el equipo. A pesar de su origen inspirado en las tradiciones inglesas, el equipo evolucionó con la raza, la ginga y el alma brasileña. 119 años después, el Sport Club y Umbro decidieron crear sus nuevos uniformes con el tema "Orígenes", en homenaje a estas herencias. Y para el lanzamiento de los uniformes, el Sport Club do Recife decidió darle un toque brasileño a una costumbre muy famosa de la Tierra de la Reina: el té de las cinco. Se crearon dos tés hechos con la misma hierba del estadio Ilha do Retiro, hogar del club. Uno es estimulante, para dar más fuerza a la hinchada leona. El otro es relajante, para dejar a todos tranquilos después de un partido tan intenso.

Todo recifense siente un gran orgullo por su ciudad y tiene una cierta manía de grandeza. De ser el mejor en todo o de tener en la ciudad la avenida más larga y recta de América Latina, por ejemplo. Y el hincha del Sport no es diferente. Por eso, a pesar de que los orígenes del club tengan referencias inglesas, la propuesta de la campaña fue subvertir esos valores, trayendo una reinterpretación de una de las costumbres más tradicionales de Inglaterra, el té de la tarde. Así, la cultura local y del club toma el protagonismo.

Para el lanzamiento de la campaña, se creó un video principal, presentando el contexto del origen del club y mostrando los tés asociados al lanzamiento del uniforme. También se creó un presskit especial que fue enviado a periodistas e influencers deportivos, lo que generó una gran repercusión nacional. Todo esto generó mucho compromiso entre los hinchas y un gran movimiento en las tiendas, ya que los primeros 1000 hinchas en comprar el uniforme recibían los tés como regalo. Las tiendas agotaron sus existencias en menos de 24 horas.

Para el Día de la Mujer 2024, creamos el concepto "Dar vida a quienes inspiran la vida" para nuestro cliente Hapvida NotreDame Intermédica, el mayor operador de salud de América Latina. La campaña contó con la participación de la artista urbana Soberana Ziza, quien fue invitada a crear un homenaje a Maria Odília Teixeira, la primera médica negra de Brasil. Fuimos más allá de transformar una pared gris en un espacio público vibrante, ubicado frente al Hospital Salvalus. El mural no solo celebra el papel fundamental de esta mujer en la historia de la salud del país, sino que también resalta la inspiración que todas las mujeres representan, tanto para los que las rodean como para otras mujeres.

En marzo de 2024, Hapvida NotreDame Intermédica lanzó la campaña "Dar vida a quien inspira la vida" para conmemorar el Mes Internacional de la Mujer. Esta iniciativa buscó homenajear a las mujeres que cuidan y son cuidadas, que acogen y son acogidas, destacando figuras inspiradoras que contribuyen a cumplir el propósito de la compañía. Un elemento central de la campaña fue un mural de grafiti creado por la multiartista negra e investigadora Soberana Ziza, que retrata a Maria Odília Teixeira, nacida en 1884 y reconocida como la primera médica negra de Brasil. Esta acción no solo rindió homenaje a una mujer pionera en la medicina, sino que también reforzó el compromiso de la empresa con la diversidad y la inclusión. Dentro de Hapvida NotreDame Intermédica, las mujeres constituyen el 70% de los 66.000 empleados, con un 69% en posiciones de liderazgo. La campaña también enfatizó las políticas de la empresa contra la violencia, el acoso y la discriminación, destacando la creación del "Canal de la Mujer" en colaboración con la ONG As Justiceiras, que ofrece apoyo a empleadas y clientas.

La campaña "Dar vida a quienes inspiran la vida" fue creada por la agencia anacouto y ejecutada en marzo de 2024. Su acción central fue la realización de un mural de grafiti por la artista Soberana Ziza, en homenaje a Maria Odília Teixeira, la primera médica negra de Brasil. El mural, de 31 metros de largo por 3 metros de alto, se pintó en una pared frente al Hospital y Maternidad Salvalus, en São Paulo, una ubicación estratégica frecuentada diariamente por muchas mujeres, simbolizando cuidado y acogida. La campaña buscó revitalizar el espacio público y celebrar la fuerza y resiliencia de las mujeres, alineándose con los valores de diversidad e inclusión de la empresa. Asimismo, reforzó las políticas internas para el avance profesional de las mujeres y la lucha contra la violencia y la discriminación, destacando el "Canal de Mujeres" creado en colaboración con la ONG As Justiceiras. Para documentar el proceso, se produjo una serie de tres videos para redes sociales. El primer video presenta a Soberana Ziza, quien expone su trayectoria artística y su compromiso con la representación de las mujeres negras en espacios públicos, alineando la invitación de Hapvida con su misión de devolverles visibilidad. Los videos siguientes muestran la creación del mural, con Ziza explicando las técnicas utilizadas y el significado de cada elemento. El último video, lanzado el Día Internacional de la Mujer (8 de marzo), revela el mural completo y muestra las reacciones del público y el personal del hospital, destacando su impacto positivo en la comunidad. La campaña no solo revitalizó un espacio público, sino que también celebró el legado de Teixeira y la inspiración que todas las mujeres representan a los demás, todos los días.

Desde El Lector, la librería más importante del país, nos dimos cuenta de que hay personas que compran libros que solo sirven para decorar “libros” hermosos por fuera pero vacíos por dentro. En respuesta a ese comportamiento, El lector se convirtió en una tienda de decoración para invitar a más personas a comprar libros.

En paraguay las personas leen un promedio de 0,25 libros al año, y además muchas personas compran libros pero como elementos de decoración que muchas veces valen lo mismo o más que un libro de verdad.

Transformamos la sucursal más icónica de El Lector en una tienda de diseño de interiores, creando 10 tapas inspiradas en 5 tendencias: Boho, Minimalista, Clásico Moderno, Ecléctico Contemporáneo y Glamour Chic, fusionando así el diseño con la literatura. Distribuimos los libros según estilos decorativos: la literatura nacional con el Clásico Moderno, novelas contemporáneas con el Ecléctico Contemporáneo, fantasía con el Glamour Chic, exploración y aventura con el Boho, y minimalista con títulos de reflejan la sencillez. De este modo, las personas podían elegir tanto el libro como la tapa que más les gustara. We transformed the most iconic branch of El Lector into an interior design store, creating 10 covers inspired by 5 trends: Boho, Minimalist, Modern Classic, Contemporary Eclectic, and Glamour Chic, thus merging design with literature. We distributed the books according to decorative styles: national literature with Modern Classic, contemporary novels with Contemporary Eclectic, fantasy with Glamour Chic, exploration and adventure with Boho, and minimalist with titles that reflect simplicity. In this way, people could choose both the book and the cover they liked best.

Pilsen, la marca de cerveza emblema de Paraguay buscó a los paraguayos que viven en lugares donde no hay otros compatriotas y les llevó un mensaje especial: un cartel con la principal característica que llena de orgullo a la nación, el idioma guaraní.

Pilsen buscaba reforzar el sentimiento de identidad y pertenencia de los paraguayos, recordándoles la riqueza cultural que los hace únicos. Para celebrar el orgullo nacional y generar sentimientos positivos durante las fechas patrias en Paraguay. Llevó al frente una de las características más valiosas del Paraguay: el idioma guaraní, un tesoro cultural que solo los paraguayos pueden entender y sentir realmente.

Viajamos a estos lugares donde vivia solo un paraguayo y los hicimos sentir únicos en el día de nuestra independencia, con mensajes en su idioma Con solo 3 carteles y compartiendo las historias de estos paraguayos hicimos que millones de compatriotas sientan lo mismo que ellos, orgullo de pertenecer a la tierra Guarani.

Itaú y Villa Maria Hotel buscaban generar experiencias con atractivo turístico para ciudad de San Bernardino (la ciudad del verano) para hacerlo creamos una instalación con la forma de la ilustración más famosa del principito en el punto exacto donde el autor pudo haberse inspirado.

Cuentan que el autor de El Principito, Antoine de Saint Exupéry, visitó San Bernardino y que se inspiró en la silueta del Cerro Patiño para crear la ilustración de la boa digiriendo un elefante.

Creamos una instalación de arte interactiva con la forma de la ilustración en el punto exacto donde el autor pudo haberse inspirado. La obra, vista en perspectiva, se funde con el contorno del cerro al otro lado del lago. “Mi Primer Dibujo” es una invitación a descubrir una historia única de Sanber y un recordatorio de que la inspiración puede estar en cualquier lugar.

Itaú y Villa Maria Hotel buscaban generar experiencias con atractivo turístico para ciudad de San Bernardino (la ciudad del verano) para hacerlo creamos una instalación con la forma de la ilustración más famosa del principito en el punto exacto donde el autor pudo haberse inspirado.

Cuentan que el autor de El Principito, Antoine de Saint Exupéry, visitó San Bernardino y que se inspiró en la silueta del Cerro Patiño para crear la ilustración de la boa digiriendo un elefante.

Creamos una instalación de arte interactiva con la forma de la ilustración en el punto exacto donde el autor pudo haberse inspirado. La obra, vista en perspectiva, se funde con el contorno del cerro al otro lado del lago. “Mi Primer Dibujo” es una invitación a descubrir una historia única de Sanber y un recordatorio de que la inspiración puede estar en cualquier lugar.

Techo buscaba generar impacto y conciencia acerca de la realidad que viven miles de familias en los asentamientos de Paraguay. Para hacerlo convocamos al prestigioso fotoperiodista de guerra Rodrigo Abd, dos veces ganador del premio Pulitzer para retratar esta realidad y exponerla a la vista de todos.

Paraguay es uno de los países más desiguales del mundo y hace casi un siglo que está en paz, aún así, las condiciones en las que viven miles de familias siguen pareciendo las ruinas de una guerra.

Una campaña gráfica basada en la visión de un fotógrafo de guerra que muestra la dura realidad que viven miles de personas en paraguay, llevada a múltiples medios y formatos, digitales, impresos, ooh, tv

Techo buscaba generar impacto y conciencia acerca de la realidad que viven miles de familias en los asentamientos de Paraguay. Para hacerlo convocamos al prestigioso fotoperiodista de guerra Rodrigo Abd, dos veces ganador del premio Pulitzer para retratar esta realidad y exponerla a la vista de todos.

Paraguay es uno de los países más desiguales del mundo y hace casi un siglo que está en paz, aún así, las condiciones en las que viven miles de familias siguen pareciendo las ruinas de una guerra.

Una campaña gráfica basada en la visión de un fotógrafo de guerra que muestra la dura realidad que viven miles de personas en paraguay, llevada a múltiples medios y formatos, digitales, impresos, ooh, tv

Techo buscaba generar impacto y conciencia acerca de la realidad que viven miles de familias en los asentamientos de Paraguay. Para hacerlo convocamos al prestigioso fotoperiodista de guerra Rodrigo Abd, dos veces ganador del premio Pulitzer para retratar esta realidad y exponerla a la vista de todos.

Paraguay es uno de los países más desiguales del mundo y hace casi un siglo que está en paz, aún así, las condiciones en las que viven miles de familias siguen pareciendo las ruinas de una guerra.

Una campaña gráfica basada en la visión de un fotógrafo de guerra que muestra la dura realidad que viven miles de personas en paraguay, llevada a múltiples medios y formatos, digitales, impresos, ooh, tv

Vult, marca hermana de O Boticário, busca empoderar a las mujeres de clase media y baja, en particular a personas negras, con productos para el cuidado del cabello que contemplan la diversidad. La marca representa el orgullo propio y el cambio social, celebrando el origen, la raza y clase social de las mujeres brasileñas, mejorando la autoestima individual e inspirando a las personas. En 2024, Vult se propuso alcanzar a las estudiantes universitarias, un grupo demográfico clave para su crecimiento, y decidió ir más allá de una campaña típica de champú, buscando profundizar las conexiones con las necesidades de las consumidoras y narrativas diversas. El objetivo era solidificar la presencia de Vult, sin dejar de lado su misión de transformación social mediante la inclusión y el empoderamiento de las mujeres. Al crear modelos inclusivos de birretes de graduación para cabello afro, la marca reforzó su compromiso de celebrar la diversidad.

A pesar de que más del 56% de su población es negra, Brasil es un país marcado por contradicciones y exclusión. Como la última nación en las Américas en abolir la esclavitud, la igualdad racial y el acceso a oportunidades siguen siendo esquivos. Sin embargo, los esfuerzos recientes para mejorar la accesibilidad educativa a través de cuotas y programas de ayuda financiera han arrojado resultados prometedores. Por primera vez en la historia de Brasil, los estudiantes negros son la mayoría en las universidades, lo que marca un hito importante en la disminución de la brecha racial en la educación. Sin embargo, la sensación de inclusión genuina aún no se alcanzó. A pesar de la creciente presencia de estudiantes negros en las universidades brasileñas, persisten disparidades significativas, particularmente evidentes durante un momento clave: la ceremonia de graduación. El birrete de graduación tradicional, que simboliza el logro académico, fue diseñado originalmente para cabello lacio, típico de los descendientes de europeos, lo que pone de relieve la continua desigualdad racial. Lo que debería ser una ocasión emotiva a menudo sirve como un recordatorio de las barreras sistémicas que enfrentan las personas negras, ya que no pueden usar el birrete como todos los demás. Reconociendo la necesidad de un cambio, Vult, una marca de belleza brasileña comprometida con la transformación social, se asoció con Dendezeiro, una marca de moda negra, para abordar este problema. Juntas, rediseñaron los birretes de graduación, creando cuatro modelos distintos adaptados específicamente para el cabello afro, celebrando sus características únicas. A través de esta iniciativa, Vult pretendía crear conciencia sobre la violencia silenciosa perpetuada durante las ceremonias de graduación y ofreció una solución para ese momento simbólico.

Vult se asoció con el dúo de moda negra Dendezeiro para crear diferentes modelos de birretes de graduación para mujeres negras: uno para cabello con rastas o trenzado, adaptable con un pañuelo; uno para turbantes, con una abertura superior; uno para cabello voluminoso o rizado, con una tiara interior para un ajuste seguro; y uno con peinetas de horquilla, en honor al icono que ha adornado las coronas del poder negro durante décadas. Se lanzó con un minidocumental protagonizado por la Dra. Joana Angélica, la primera decana universitaria negra de Brasil, y graduadas anteriores que recrearon sus fotos de graduación, ahora usando los birretes. La colección se convirtió en un punto destacado en la Semana de la Moda de São Paulo, atrayendo la atención de los medios, generando conversaciones en las redes sociales e incluso inspirando una ley. Adoptada por las principales universidades brasileñas, permitió a las graduadas negras expresar su identidad y fortalecer su sentido de pertenencia en las ceremonias, transformando un símbolo de sesgo racial en un icono del orgullo negro.

Inspirada en una cocina industrial con toques de pastelería francesa, Hering, una de las marcas más icónicas de Brasil, celebró la temporada navideña con una activación única: el Pop-Up de Navidad, un proyecto que rindió homenaje a los íconos brasileños y al espíritu festivo de la fecha. La tienda temporal, inaugurada en Pinheiros, São Paulo, reforzó la tradición de Hering como una marca presente en las celebraciones navideñas. Desde 1880, ha sido reconocida como “el esencial de la familia brasileña”, y esta experiencia inmersiva fortaleció aún más su conexión con el público, fusionando moda y gastronomía de manera lúdica e interactiva.

Más que un espacio de compras, el Pop-Up de Navidad se convirtió en un punto de encuentro entre diferentes tradiciones navideñas, materializando el intercambio cultural que inspiró el proyecto. La activación contó con la presencia de Cédric Grolet, uno de los pasteleros más reconocidos del mundo, quien preparó un panettone de chocolate exclusivo para la inauguración. La elección de este dulce como protagonista gastronómico no fue casual: aunque de origen europeo, el panettone se ha convertido en un símbolo absoluto de las fiestas de fin de año en Brasil. Esta fusión entre la sofisticación de la alta pastelería francesa y el sabor afectivo de la Navidad brasileña aportó un carácter elegante y, al mismo tiempo, familiar a la experiencia. La activación fue un éxito rotundo, atrayendo a un público entusiasta por sumergirse en esta atmósfera única. El evento de apertura también contó con la presencia de Bruna Marquezine y Sabrina Sato, celebridades que representan diferentes facetas de la cultura brasileña y refuerzan el posicionamiento de Hering como una marca atemporal y plural, profundamente arraigada en el imaginario nacional.

El acero inoxidable predominó en el diseño del espacio, aportando una estética industrial a la barra de preparación, los exhibidores de productos y el horno de camisetas, donde los visitantes podían personalizar sus prendas con la inicial de su nombre y llevarse una pieza exclusiva de Hering. Diseñada para ser sensorial y envolvente, la activación combinó luces, texturas y elementos inesperados para despertar la curiosidad y el deseo. Galletas con el logo de la marca se exhibieron sobre una pared revestida de guayaba, un espejo convexo distorsionaba los reflejos y generaba selfies divertidas, y un juego de escalas y colores creó un escenario visualmente impactante, invitando a los visitantes a compartir la experiencia de manera espontánea. Reforzando el compromiso de la marca con su herencia y su fuerte identidad, el icónico pez de Hering estuvo presente en toda la identidad del pop-up: estampado en azulejos, paredes, galletas, rótulos y prendas de vestir. La comunicación adoptó un tono ligero y divertido, reflejando la personalidad de la marca a través de expresiones en portugués y un universo gráfico lleno de carácter. Cada detalle fue pensado para estrechar la conexión emocional con el público: con cada compra, los clientes recibían un cupón para un café, canjeable en un encantador tuk-tuk estacionado afuera de la pop-up. Cada taza de café llevaba la firma de la marca en la espuma, un detalle sutil pero memorable que amplificaba el impacto del branding y extendía la experiencia más allá de la tienda.

Durante Maio Amarelo, EST.31 creó una activación innovadora para Justos, aseguradora digital brasileña que recompensa la conducción responsable. Basados en datos reales de comportamiento vial obtenidos por la aplicación de Justos, diseñamos trajes personalizados al estilo Fórmula 1 de los años 90 para tres clientes que mejoraron sustancialmente en seguridad al volante. Cada traje incorporaba parches que visualizaban claramente logros específicos en conducción segura, como respetar límites de velocidad y evitar frenadas bruscas. Esta iniciativa se lanzó con un video viral que alcanzó más de 1.5 millones de visualizaciones orgánicas en 48 horas, fortaleciendo el mensaje de conducción consciente.

Brasil presenta serios desafíos viales con altos índices de accidentes provocados por conductas inseguras y tráfico intenso. Justos enfrenta esta problemática recompensando directamente a quienes conducen de forma responsable mediante beneficios concretos. Durante Maio Amarelo, era esencial comunicar visualmente cómo los datos de conducción responsable pueden convertirse en símbolos de orgullo, incentivando a más personas a adoptar hábitos viales más conscientes y seguros.

EST.31 desarrolló una activación única, creando desde cero tres trajes exclusivos inspirados en los icónicos macacões de Fórmula 1 de los años 90 junto a una destacada diseñadora brasileña. Estos trajes fueron personalizados para tres clientes destacados, basándose en datos precisos obtenidos por la aplicación de Justos, que mostraron mejoras superiores al 110% en conducción segura. Cada traje llevaba parches específicos que simbolizaban claramente logros reales como respeto a límites de velocidad y conducción sin distracciones, transformando datos reales en reconocimientos visuales. El lanzamiento mediante un video viral generó un gran impacto social, promoviendo eficazmente un tránsito más seguro.

Durante Maio Amarelo, EST.31 creó una activación original para Justos, aseguradora digital brasileña que recompensa la conducción segura. Utilizando datos reales recogidos a través del app de Justos, que mide hábitos responsables de conducción como respetar límites de velocidad, evitar frenadas bruscas y distracciones, identificamos clientes que mostraron mejoras notables en su comportamiento vial. Aunque estos conductores no participaron en carreras reales, sus logros fueron celebrados con trajes personalizados inspirados en la Fórmula 1 de los años 90. Cada traje incluía insignias específicas (patches) que visualizaban y honraban claramente sus avances en seguridad vial, transformando datos responsables en símbolos tangibles y motivadores.

Brasil enfrenta un tráfico altamente congestionado y peligroso, con elevados índices de accidentes viales. Ante esta problemática, Justos impulsa comportamientos viales responsables ofreciendo beneficios reales a los conductores seguros. En el marco del movimiento Maio Amarelo, el objetivo era reforzar este compromiso y celebrar a quienes hacen del tránsito brasileño un lugar más seguro, destacando ejemplos positivos para fomentar una cultura vial más consciente y responsable.

EST.31 creó desde cero una activación original y altamente personalizada en colaboración con una diseñadora de moda brasileña. Inspirados en los trajes icónicos de la Fórmula 1 de los años 90, desarrollamos tres macacões exclusivos y hechos a medida para clientes destacados de Justos. Estos clientes fueron seleccionados porque presentaron mejoras excepcionales en seguridad vial, con avances superiores al 110% en aspectos clave como respetar límites de velocidad, conducción sin distracciones y frenadas suaves, según datos reales recogidos por la aplicación de Justos. Cada traje incluyó parches diseñados especialmente para visualizar y celebrar estos logros específicos, transformando métricas de conducción segura en símbolos tangibles de orgullo. La campaña fue lanzada a través de un video que generó más de 1.5 millones de vistas orgánicas en 48 horas, destacando exitosamente la importancia de una conducción consciente y motivando a otros conductores a seguir estos ejemplos positivos.

La Mente es Imparable es un cortometraje emocionante que resalta la determinación y la fortaleza mental de los atletas paralímpicos. La animación sigue el viaje de una pequeña pelota enfrentando desafíos diarios, simbolizando la mente incansable de un atleta paralímpico. Al final, descubrimos que la pelota representa la mente del atleta paralímpico Gabriel Araújo, transmitiendo el mensaje de que, a pesar de las dificultades, la mente es capaz de superar cualquier obstáculo. El cortometraje es un homenaje inspirador a los atletas paralímpicos patrocinados por PRIO, quienes se están preparando para representar a Brasil en los Juegos Olímpicos de París 2024. Una hermosa manera de reconocer la resiliencia y la determinación de estos atletas extraordinarios.

Únete a nosotros para celebrar el espíritu imparable del equipo paralímpico brasileño mientras se preparan para los Juegos Paralímpicos de París 2024. Prio se enorgullece de patrocinar a este increíble equipo de atletas que han superado la adversidad y desafiado todas las probabilidades para destacarse en sus respectivos deportes. Creemos que la mente es realmente imparable, y estos atletas son la prueba de ello. Han demostrado una determinación, resiliencia y fortaleza increíbles, y queremos invitarte a conocerlos y a inspirarte con sus historias. Nuestra campaña tiene como objetivo generar conciencia sobre los logros extraordinarios de estos atletas y alentar a las personas a apoyarlos en su camino hacia los Juegos Paralímpicos. Queremos mostrar el poder del espíritu humano y el potencial ilimitado de la mente, sin importar las limitaciones físicas. El equipo paralímpico brasileño está compuesto por los mejores atletas del país y está listo para brillar en el escenario mundial en París. Queremos invitarte a unirte a nosotros para alentarlos, mientras demuestran su inquebrantable determinación y pasión por el deporte. Así que prepárate para inspirarte, prepárate para sorprenderte y prepárate para animar al equipo paralímpico brasileño. La mente es verdaderamente imparable, y estos atletas son la prueba viviente de ello. Unámonos para apoyarlos y celebrar sus increíbles logros. Únete a nosotros para alentar el espíritu imparable del equipo paralímpico brasileño.

El método que elegimos para el desarrollo de la tesis principal fue una entrevista exploratoria con Daniel Dias, el 14º atleta paralímpico más premiado de la historia, poseedor de récords mundiales y único atleta paralímpico brasileño ganador del Premio Laureus. A partir del entendimiento de lo que más lo motivaba a competir, creamos el concepto "La Mente es Imparable", que sintetiza el súper poder de los atletas paralímpicos: puede haber barreras físicas o limitaciones de accesibilidad, pero la mente, la voluntad de vencer y el ímpetu de competir hacen que cualquier atleta paralímpico sea imparable.

MEXCLA Spotify fue un festival en vivo programado para el 2 y 3 de noviembre de 2024 en la Ciudad de México, cuyo propósito principal consistió en celebrar la música y la cultura mexicana de forma vibrante y auténtica. Inspirado en los palenques y ferias tradicionales mexicanas, el evento buscó estrechar la relación entre artistas y fans mediante un escenario casi circular que fomentaba la cercanía. Para lograrlo, se incorporaron elementos propios de las fiestas populares, como juegos, gastronomía típica y espacios emblemáticos, entre los que destacaron la cantina y la capilla. Además, su cartel se caracterizó por ser completamente mexicano, representando géneros tan diversos como la banda, el norteño, los corridos tumbados y el electro corrido así como el reggaeton y el rap. Con esta estrategia, MEXCLA Spotify promovió la diversidad cultural en un ambiente festivo, conectando a artistas consolidados y emergentes con su público de una manera única.

En un entorno donde los festivales de música tendían a repetir fórmulas y géneros, MEXCLA Spotify surgió para ofrecer un evento que reflejara la diversidad musical y cultural de México. El país cuenta con una tradición arraigada de ferias y palenques, donde la comunidad se congrega en torno a la música y la convivencia festiva. Sin embargo, la mayoría de los grandes eventos musicales no siempre integraban estos elementos populares de forma genuina, excluyendo un abanico importante de expresiones sonoras. Spotify, con su amplia presencia en el ámbito digital, identificó la oportunidad de unir estas tradiciones con un formato presencial que incluyera géneros como la banda, el norteño y los corridos tumbados, entre otros. De esta forma, el festival pretendió revitalizar la escena local y brindar una experiencia inclusiva que hiciera honor al espíritu de las fiestas populares mexicanas.

El diseño de la identidad visual para MEXCLA Spotify se inspiró en la forma circular del escenario, enfatizando la cercanía entre artistas y asistentes. Se partió de la tipografía corporativa de Spotify, a la cual se le deformaron ciertos trazos para evocar el gesto del escenario. La paleta de colores está inspirada en las flores de temporada de las festividades de noviembre, con contrastes cromáticos sobre una base oscura que permite que nuestra propuesta y acabados destaquen y brillen. MEXCLA representa la fusión de elementos en torno a la celebración y la diversión, ofreciendo una interpretación moderna de una festividad clásica. Como recursos gráficos, se desarrollaron grecas inspiradas en hebillas y símbolos característicos de la cultura popular, que se aplicaron tanto en carteles como en soportes digitales. Además, se añadieron efectos 3D con acabado metálico, reforzando la estética característica de las ferias y fiestas populares. Esta combinación de elementos logró transmitir la esencia del evento, situándolo en un punto de convergencia entre tradición y modernidad.

Mizuno Sportstyle explora un nuevo territorio con el Mizuno Listening Store, una experiencia pop-up inmersiva diseñada para fortalecer sus credenciales en el mundo lifestyle y ampliar su presencia cultural. Al redefinir el retail a través del storytelling, la relevancia cultural y la interacción con la marca, el proyecto ofrece una nueva perspectiva a la cultura sneaker, integrando el diseño, la tecnología y la herencia japonesa con el atractivo del vinilo y experiencias musicales curadas. Ubicado en el centro de São Paulo, este listening bar estilo speakeasy está oculto detrás de una pop-up store de Mizuno, fusionando retail, cultura y engagement. Desde una estrategia de locación planificada hasta una selección musical curada, cada detalle posiciona a Mizuno como un facilitador de autoexpresión, nostalgia y estilo urbano. ¿El resultado? Una activación que eleva la percepción de la marca y ofrece una experiencia inmersiva donde sonido, estilo y sneaker culture convergen.

En el competitivo mundo del streetwear, donde la diferenciación va más allá del producto, Mizuno Sportstyle necesitaba fortalecer sus credenciales en el universo lifestyle y consolidar su presencia cultural. Con un legado basado en el diseño, la tecnología y la herencia japonesa, la marca era reconocida por su autenticidad, pero necesitaba profundizar su conexión con consumidores que buscan experiencias más significativas y nuevas formas de autoexpresión. El desafío era crear un proyecto que elevara a Mizuno más allá de las zapatillas, posicionándola como un catalizador de tendencias y un facilitador de la cultura urbana. El mercado ya señalaba el camino: grandes marcas estaban invirtiendo en experiencias inmersivas e interactivas dentro de tiendas y espacios culturales, creando nuevos puntos de contacto con sus audiencias. Además, la música se había consolidado como una poderosa plataforma de expresión y construcción de identidad, influyendo en estilos, narrativas y movimientos culturales. Este contexto dio origen al Mizuno Listening Store, un concepto innovador que une retail, música y experiencia sensorial. La idea era transformar una pop-up store en un speakeasy oculto, escondido detrás de una fachada comercial. Ubicado en São Paulo, en el corazón de uno de los distritos más vibrantes de la ciudad, el espacio fue diseñado para materializar el universo Mizuno a través de un ambiente cuidadosamente planeado, curaduría musical exclusiva y elementos de storytelling visual. La conexión entre Mizuno y el movimiento de los listening bars va más allá del lifestyle—es un puente cultural. Nacidos en Japón, estos bares priorizan la experiencia sonora y la curaduría musical, reflejando la misma obsesión japonesa por la precisión, la estética y el detalle que define a Mizuno. Al traer este concepto a Brasil, la marca refuerza su herencia y autenticidad, integrando esta tradición en el streetwear contemporáneo.

Para fortalecer la presencia y credibilidad cultural de Mizuno Sportstyle, nos propusimos crear algo más que una activación de marca: diseñamos una experiencia auténtica. El reto era posicionar a Mizuno no solo como una marca de sneakers, sino como un símbolo de estilo de vida inmerso en el pulso cultural de su audiencia. Nuestra estrategia se basó en metodologías de investigación cultural y análisis de tendencias globales, enfocándonos en Millennials y la Generación Z. Analizamos cómo estas generaciones usan la moda, la música y los espacios sociales como formas de autoexpresión. Destacamos dos tendencias clave: la música como herramienta de storytelling y la creciente demanda de experiencias inmersivas en retail. El resultado fue un listening bar oculto detrás de una pop-up store de Mizuno, un speakeasy donde la moda, la nostalgia y el sonido convergen. Inspirado en quienes ven la música y la estética como extensiones de su identidad, este concepto crea un punto de encuentro donde la relevancia cultural se une con la autenticidad de marca, generando social currency. Ubicado estratégicamente en el epicentro cultural de São Paulo, el espacio refleja la fusión del legado japonés de Mizuno con el estilo de vida urbano contemporáneo. En su interior, sesiones musicales curadas, lanzamientos exclusivos y una estética envolvente crean una experiencia multisensorial. Incluso los cócteles y la ambientación reflejan el ADN de Mizuno, reforzando su posición como referente de moda y cultura. Este proyecto va más allá de la visibilidad: busca generar resonancia cultural. Al insertar Mizuno en el flujo natural de la cultura juvenil, aseguramos que la marca no solo sea vista, sino vivida, consolidándose como un catalizador de autoexpresión y comunidad.

El Día del Niño en Paraguay se conmemora el 16 de agosto, porque ese día se libró la Batalla de Acosta Ñu, una de las batallas de la Guerra de la Triple Alianza que enfrentó a Paraguay ante una alianza de tres países entre Brasil, Argentina y Uruguay. Durante esa batalla y ante el exterminio de los adultos a esa altura de la guerra, alrededor de 4.000 niños de entre 11 a 15 años cayeron en el campo de batalla. Esta fecha que debería ser de reflexión, se volvió casi totalmente comercial, donde los regalos para los niños cobraron mayor protagonismo que la historia sangrienta de ese día. Ñande Soldaditos fue la respuesta de Pici, representante de la jugeutería Eurekakids, para volver a poner ese tema sobre la mesa, hablando de la historia y de la actualidad de los niños en el país.

La problemática se basa en que además de que la hisotria de esa sangrienta batalla no se recuerda como debería, la niñez en Paraguay sigue en guerra. Pero no en las que se libran en campos de batalla con armas y trincheras, sino que se encuentra en guerra contra problemas que atentan contra la niñez, como la falta de acceso a la salud, educación básica, el trabajo infantil, entre muchas otras.

Este proyecto se basó en tomar los famosos soldaditos de plástico con los que todos jugamos cuando fuimos niños y transformarlos en los soldaditos niños que lucharon en la Batalla de Acosta Ñu, elaborando de esa manera un juguete nuevo que fue lanzado como marketing directo a líderes de opinión, periodistas, escritores, maestros e historiadores, generando contenido que inmediatamente se hizo viral y puso nuevamente la historia como tema de conversación. Esto ayudó a reflexionar sobre el lugar en el que se pone a la niñez hoy en día en Paraguay.

El Día del Niño en Paraguay se conmemora el 16 de agosto, porque ese día se libró la Batalla de Acosta Ñu, una de las batallas de la Guerra de la Triple Alianza que enfrentó a Paraguay ante una alianza de tres países entre Brasil, Argentina y Uruguay. Durante esa batalla y ante el exterminio de los adultos a esa altura de la guerra, alrededor de 4.000 niños de entre 11 a 15 años cayeron en el campo de batalla. Esta fecha que debería ser de reflexión, se volvió casi totalmente comercial, donde los regalos para los niños cobraron mayor protagonismo que la historia sangrienta de ese día. Ñande Soldaditos fue la respuesta de Pici, representante de la jugeutería Eurekakids, para volver a poner ese tema sobre la mesa, hablando de la historia y de la actualidad de los niños en el país.

La problemática se basa en que además de que la hisotria de esa sangrienta batalla no se recuerda como debería, la niñez en Paraguay sigue en guerra. Pero no en las que se libran en campos de batalla con armas y trincheras, sino que se encuentra en guerra contra problemas que atentan contra la niñez, como la falta de acceso a la salud, educación básica, el trabajo infantil, entre muchas otras.

Este proyecto se basó en tomar los famosos soldaditos de plástico con los que todos jugamos cuando fuimos niños y transformarlos en los soldaditos niños que lucharon en la Batalla de Acosta Ñu, elaborando de esa manera un juguete nuevo que fue lanzado como marketing directo a líderes de opinión, periodistas, escritores, maestros e historiadores, generando contenido que inmediatamente se hizo viral y puso nuevamente la historia como tema de conversación. Esto ayudó a reflexionar sobre el lugar en el que se pone a la niñez hoy en día en Paraguay.

El nepotismo es una constante en cada gobierno del Paraguay y con el cambio de gobierno aparecieron varios casos en el congreso y otras instituciones del Estado. Sin embargo, aun publicando noticias al respecto la opinión pública seguía sin ejercer presión contra estas familias beneficiadas con jugosos salarios. Para que la mayoría de la población pueda entender de manera sencilla a qué se refiere el nepotismo y así se pueda generar conversación al respecto, esta campaña se basó en tomar el recurso de las muñecas rusas "Matrioshkas" con ilustraciones de los principales cabecillas políticos y sus familiares y amigos que se escondían detrás de ellos. De esta manera y con este recurso fácil de comprender, la gente respondió al estímulo interesándose más en informarse y ejercer presión en las redes para que las autoridades tomen cartas en el asunto.

Paraguay vive en un contexto de corrupción constante, que se expresa de diferentes maneras, con el nepotismo como una de las principales. En ese sentido el propósito del proyecto fue hacer entender a la población de manera sencilla de qué se trata el nepotismo, utilizando la campaña como un vehículo que dirigió a los lectores del periódico ABC Color a los artículos de investigación donde se denunciaban estos hechos. El principal desafío a abordar fue encontrar ese recurso sencillo que logre plasmar el nepotismo en pocos segundos.

El proyecto se realizó primeramente en digital, con una campaña gráfica que inundó las redes del periódico, que posteriormente vivió de manera impresa en las páginas del mismo y por último, fue acompañado por un marketing directo físico, donde se llevó al mundo palpable estas muñecas ilustradas a mano.

El nepotismo es una constante en cada gobierno del Paraguay y con el cambio de gobierno aparecieron varios casos en el congreso y otras instituciones del Estado. Sin embargo, aun publicando noticias al respecto la opinión pública seguía sin ejercer presión contra estas familias beneficiadas con jugosos salarios. Para que la mayoría de la población pueda entender de manera sencilla a qué se refiere el nepotismo y así se pueda generar conversación al respecto, esta campaña se basó en tomar el recurso de las muñecas rusas "Matrioshkas" con ilustraciones de los principales cabecillas políticos y sus familiares y amigos que se escondían detrás de ellos. De esta manera y con este recurso fácil de comprender, la gente respondió al estímulo interesándose más en informarse y ejercer presión en las redes para que las autoridades tomen cartas en el asunto.

Paraguay vive en un contexto de corrupción constante, que se expresa de diferentes maneras, con el nepotismo como una de las principales. En ese sentido el propósito del proyecto fue hacer entender a la población de manera sencilla de qué se trata el nepotismo, utilizando la campaña como un vehículo que dirigió a los lectores del periódico ABC Color a los artículos de investigación donde se denunciaban estos hechos. El principal desafío a abordar fue encontrar ese recurso sencillo que logre plasmar el nepotismo en pocos segundos.

El proyecto se realizó primeramente en digital, con una campaña gráfica que inundó las redes del periódico, que posteriormente vivió de manera impresa en las páginas del mismo y por último, fue acompañado por un marketing directo físico, donde se llevó al mundo palpable estas muñecas ilustradas a mano.

The Pizza Table Collection reimaginó la clásica “mesita” de Pizza Hut como una pieza de diseño coleccionable. En colaboración con Sueñolar, se lanzaron miniaturas inspiradas en sus mesas de autor. Cada caja de pizza incluyó una de estas mini-mesas con un código QR que dirigía a una plataforma interactiva con descuentos exclusivos. La campaña logró fusionar branding, diseño y tecnología en una experiencia única, integrando lo físico y lo digital para generar engagement. Lo que empezó como un simple accesorio se convirtió en un puente entre marcas y consumidores.

The Pizza Table Collection reimaginó la clásica “mesita” de Pizza Hut como una pieza de diseño coleccionable. En colaboración con Sueñolar, se lanzaron miniaturas inspiradas en sus mesas de autor. Cada caja de pizza incluyó una de estas mini-mesas con un código QR que dirigía a una plataforma interactiva con descuentos exclusivos. La campaña logró fusionar branding, diseño y tecnología en una experiencia única, integrando lo físico y lo digital para generar engagement. Lo que empezó como un simple accesorio se convirtió en un puente entre marcas y consumidores.

La campaña conectó el fast food con el diseño a través de una experiencia física y digital integrada. Las miniaturas coleccionables incluidas en las cajas de pizza no solo reforzaron el branding, sino que también impulsaron la interacción online. Cada mesita tenía un código QR que desbloqueaba descuentos para próximas compras y ofertas en las mesas de Sueñolar. Así, un objeto cotidiano se transformó en una herramienta publicitaria innovadora, fusionando lo tangible con lo digital y generando impacto medible en ventas, engagement y reconocimiento de marca.

The Pizza Table Collection reimaginó la clásica “mesita” de Pizza Hut como una pieza de diseño coleccionable. En colaboración con Sueñolar, se lanzaron miniaturas inspiradas en sus mesas de autor. Cada caja de pizza incluyó una de estas mini-mesas con un código QR que dirigía a una plataforma interactiva con descuentos exclusivos. La campaña logró fusionar branding, diseño y tecnología en una experiencia única, integrando lo físico y lo digital para generar engagement. Lo que empezó como un simple accesorio se convirtió en un puente entre marcas y consumidores.

The Pizza Table Collection reimaginó la clásica “mesita” de Pizza Hut como una pieza de diseño coleccionable. En colaboración con Sueñolar, se lanzaron miniaturas inspiradas en sus mesas de autor. Cada caja de pizza incluyó una de estas mini-mesas con un código QR que dirigía a una plataforma interactiva con descuentos exclusivos. La campaña logró fusionar branding, diseño y tecnología en una experiencia única, integrando lo físico y lo digital para generar engagement. Lo que empezó como un simple accesorio se convirtió en un puente entre marcas y consumidores.

La campaña conectó el fast food con el diseño a través de una experiencia física y digital integrada. Las miniaturas coleccionables incluidas en las cajas de pizza no solo reforzaron el branding, sino que también impulsaron la interacción online. Cada mesita tenía un código QR que desbloqueaba descuentos para próximas compras y ofertas en las mesas de Sueñolar. Así, un objeto cotidiano se transformó en una herramienta publicitaria innovadora, fusionando lo tangible con lo digital y generando impacto medible en ventas, engagement y reconocimiento de marca.

En Paraguay como en la mayor parte del mundo el fútbol es el deporte rey, que atrae a miles y miles de hinchas. Igual que todos los demás, los hinchas con discapacidad visual sienten la misma pasión por el fútbol, por sus camisetas y el sentimiento que les transmiten sus colores. Pero a diferencia de los demás, ellos lastimosamente no los pueden ver. A través del “Sistema Constanz”, un código en relieves que ayudan a identificar los colores a través del tacto, se intervino la camiseta oficial de la Selección Paraguaya de Fútbol, para que aun sin tener la posibilidad de ver sus colores, los hinchas con discapacidad visual los puedan sentir. Esta campaña se lanzó el 15 de octubre en la previa al partido entre Paraguay vs Venezuela, por las Eliminatorias Sudamericanas rumbo al mundial, coincidiendo con el Día Internacional del Bastón Blanco.

Paraguay es un país que todavía no promueve acciones inclusivas con la fuerza que debería hacerse. En ese sentido, las personas con discapacidad visual se encuentran ante una realidad donde la mayoría de los lugares y de las experiencias no están adaptadas a ellas. El mayor desafío de este proyecto fue lograr que sea realmente útil y funcional para esos hinchas, abriéndoles la puerta al mundo del color para que experimenten algo nuevo, o que no vivían hace mucho tiempo. Este proyecto incluyó una etapa previa de capacitación para ese grupo de hinchas, donde en primera instancia aprendieron el sistema de relieves, similar al braille pero más sencillo de entender y aplicar.

El equipo de trabajo tuvo un hallazgo, el Sistema Constanz. Un código de colores en relieve que permite identificarlos a través del tacto. Lo aplicamos a las camisetas de la Selección Nacional de Fútbol en cada uno de los puntos donde era necesario para que la persona con discapacidad visual pueda identificar el diseño de la misma.
De esa manera les facilita identificar la camiseta Albirroja cuando deseen ponérsela, y sobre todo hacerse la imagen de cómo se ve al pasar la mano por toda la superficie. En una primera instancia se realizó una experiencia de capacitación al grupo de hinchas, donde en solo un par de horas recibieron la información teórica y práctica para entender este sistema de relieves. En lugar de un diploma se les entregó algo más representativo: la camiseta Albirroja.

En Paraguay como en la mayor parte del mundo el fútbol es el deporte rey, que atrae a miles y miles de hinchas. Igual que todos los demás, los hinchas con discapacidad visual sienten la misma pasión por el fútbol, por sus camisetas y el sentimiento que les transmiten sus colores. Pero a diferencia de los demás, ellos lastimosamente no los pueden ver. A través del “Sistema Constanz”, un código en relieves que ayudan a identificar los colores a través del tacto, se intervino la camiseta oficial de la Selección Paraguaya de Fútbol, para que aun sin tener la posibilidad de ver sus colores, los hinchas con discapacidad visual los puedan sentir. Esta campaña se lanzó el 15 de octubre en la previa al partido entre Paraguay vs Venezuela, por las Eliminatorias Sudamericanas rumbo al mundial, coincidiendo con el Día Internacional del Bastón Blanco.

Paraguay es un país que todavía no promueve acciones inclusivas con la fuerza que debería hacerse. En ese sentido, las personas con discapacidad visual se encuentran ante una realidad donde la mayoría de los lugares y de las experiencias no están adaptadas a ellas. El mayor desafío de este proyecto fue lograr que sea realmente útil y funcional para esos hinchas, abriéndoles la puerta al mundo del color para que experimenten algo nuevo, o que no vivían hace mucho tiempo. Este proyecto incluyó una etapa previa de capacitación para ese grupo de hinchas, donde en primera instancia aprendieron el sistema de relieves, similar al braille pero más sencillo de entender y aplicar.

El equipo de trabajo tuvo un hallazgo, el Sistema Constanz. Un código de colores en relieve que permite identificarlos a través del tacto. Lo aplicamos a las camisetas de la Selección Nacional de Fútbol en cada uno de los puntos donde era necesario para que la persona con discapacidad visual pueda identificar el diseño de la misma.
De esa manera les facilita identificar la camiseta Albirroja cuando deseen ponérsela, y sobre todo hacerse la imagen de cómo se ve al pasar la mano por toda la superficie. En una primera instancia se realizó una experiencia de capacitación al grupo de hinchas, donde en solo un par de horas recibieron la información teórica y práctica para entender este sistema de relieves. En lugar de un diploma se les entregó algo más representativo: la camiseta Albirroja.

En Paraguay como en la mayor parte del mundo el fútbol es el deporte rey, que atrae a miles y miles de hinchas. Igual que todos los demás, los hinchas con discapacidad visual sienten la misma pasión por el fútbol, por sus camisetas y el sentimiento que les transmiten sus colores. Pero a diferencia de los demás, ellos lastimosamente no los pueden ver. A través del “Sistema Constanz”, un código en relieves que ayudan a identificar los colores a través del tacto, se intervino la camiseta oficial de la Selección Paraguaya de Fútbol, para que aun sin tener la posibilidad de ver sus colores, los hinchas con discapacidad visual los puedan sentir. Esta campaña se lanzó el 15 de octubre en la previa al partido entre Paraguay vs Venezuela, por las Eliminatorias Sudamericanas rumbo al mundial, coincidiendo con el Día Internacional del Bastón Blanco.

Paraguay es un país que todavía no promueve acciones inclusivas con la fuerza que debería hacerse. En ese sentido, las personas con discapacidad visual se encuentran ante una realidad donde la mayoría de los lugares y de las experiencias no están adaptadas a ellas. El mayor desafío de este proyecto fue lograr que sea realmente útil y funcional para esos hinchas, abriéndoles la puerta al mundo del color para que experimenten algo nuevo, o que no vivían hace mucho tiempo. Este proyecto incluyó una etapa previa de capacitación para ese grupo de hinchas, donde en primera instancia aprendieron el sistema de relieves, similar al braille pero más sencillo de entender y aplicar.

El equipo de trabajo tuvo un hallazgo, el Sistema Constanz. Un código de colores en relieve que permite identificarlos a través del tacto. Lo aplicamos a las camisetas de la Selección Nacional de Fútbol en cada uno de los puntos donde era necesario para que la persona con discapacidad visual pueda identificar el diseño de la misma.
De esa manera les facilita identificar la camiseta Albirroja cuando deseen ponérsela, y sobre todo hacerse la imagen de cómo se ve al pasar la mano por toda la superficie. En una primera instancia se realizó una experiencia de capacitación al grupo de hinchas, donde en solo un par de horas recibieron la información teórica y práctica para entender este sistema de relieves. En lugar de un diploma se les entregó algo más representativo: la camiseta Albirroja. Toda esa experiencia fue registrada y grabada, lo que permitió producir un audiovisual que inmediatamente capturó la atención del público.

La desigualdad de género sigue siendo un desafío para las mujeres en el deporte, y el tenis no es la excepción. El premio en efectivo es considerablemente más bajo para las jugadoras, además de la falta de visibilidad, menor inversión y prejuicio estructural. En abril de 2024, durante la Billie Jean King Cup en Brasil, ENGIE, patrocinador del equipo nacional de tenis de Brasil, quiso denunciar esta disparidad. Se analizaron datos sobre patrocinios, premios, tiempo de transmisión en televisión y comentarios en redes sociales, revelando que el camino de una atleta femenina es, en promedio, 20 veces más difícil que el de un hombre. Para representar esta desigualdad, se creó una raqueta 20 veces más pesada que lo normal, presentada al público y a las jugadoras del equipo nacional en São Paulo, simbolizando la carga de la desigualdad en el deporte.

La desigualdad de género sigue siendo un desafío para las mujeres en el deporte, y el tenis no es una excepción. Los premios para los hombres son mucho mayores, además de la falta de visibilidad, la baja inversión y el prejuicio estructural contra las jugadoras. En abril de 2024, durante la Billie Jean King Cup en Brasil, ENGIE, patrocinador de la Selección Brasileña de Tenis, vio la oportunidad de posicionarse contra esta desigualdad.

Para representar la desigualdad en el tenis, se construyó una raqueta 20 veces más pesada de lo normal. La "raqueta más pesada del mundo" fue presentada al público y a las jugadoras de la Selección Brasileña en São Paulo, durante el torneo en honor a Billie Jean King, un ícono de la lucha por la equidad en el deporte. En lugar de los 300g habituales, la raqueta pesa 6kg, simbolizando los desafíos de las mujeres en el deporte. Además, esta desigualdad se representó visualmente de manera impactante. El diseño aplicado en los carteles refleja cuánto deben esforzarse las mujeres para superar la disparidad de género, haciendo el mensaje aún más fuerte.

TikTok México presentó el TikTok Creative Fest, un festival B2B de un día diseñado para reunir a creadores de contenido, marcas y agencias de publicidad, creatividad y marketing. El principal objetivo fue crear un espacio de conexión e intercambio de ideas que fomentara nuevas sinergias en la industria creativa. Este evento se planteó como un punto de encuentro dinámico y estratégico, donde las tendencias publicitarias y el potencial de TikTok México como plataforma líder cobraron protagonismo. A través del TikTok Creative Fest, se buscó inspirar, promover conversaciones significativas y posicionar a TikTok México como la herramienta clave en la transformación y vanguardia de la comunicación digital.

En un contexto donde el consumo de contenido y la publicidad en redes sociales han alcanzado niveles abrumadores, TikTok México reconoció la necesidad de replantear el panorama publicitario actual. En un entorno sobresaturado, marcas, agencias y creadores requieren un espacio que funcione como puente para conectar ideas y fomentar colaboraciones efectivas. El TikTok Creative Fest se concibió como una pausa estratégica para analizar tendencias, replantear la publicidad y demostrar el liderazgo de TikTok México en la comunicación digital. Este festival no solo impulsa ideas innovadoras, sino que también posiciona a TikTok México como el punto de encuentro que une empresas líderes, agencias vanguardistas y talentos digitales, redefiniendo el futuro de la publicidad.

La identidad gráfica del TikTok Creative Fest fue diseñada para ser versátil, vibrante y alineada con la esencia de TikTok. Se desarrolló un sistema visual adaptable a diversas plataformas y formatos, incluidos motion graphics. Basado en la tipografía TikTok Sans y en la paleta de colores característica de la marca, el diseño evolucionó mediante composiciones tipográficas y cromáticas que dieron lugar a layouts frescos y expresivos. Un elemento central fue la creación de íconos transformados en lentes que amplifican y potencian todo lo que tocan, integrándose con textos, imágenes e información para simbolizar la nueva perspectiva en la comunicación digital. Además, la identidad cobró vida en los espacios físicos del evento, generando un ambiente inmersivo y festivo que refleja los valores de innovación y originalidad de TikTok México.

El Carmen de Viboral, es un pueblo ubicado al oriente de Medellín, Colombia, reconocido por su tradición ceramista de más de 120 años. En 2024, esta práctica artesanal fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de Colombia, lo que impulsó al municipio a resaltar su riqueza cultural mediante una intervención sin precedentes en el Metro de Medellín. Por primera vez, tres vagones fueron transformados en una galería móvil, donde ventanas, fuelles, puertas y superficies externas fueron intervenidos con gráficos inspirados en las pintas tradicionales de la cerámica local, así como en sus calles, montañas y legado artesanal. Esta iniciativa no solo promovió el arte popular, sino que también llevó la identidad de El Carmen de Viboral a millones de ciudadanos. Cada mes, 450.000 pasajeros viajan en estos vagones, alcanzando más de cuatro millones de personas durante los ocho meses de exhibición. Este proyecto es un símbolo de orgullo y apropiación cultural.

Al oriente de Medellín, Colombia, se encuentra El Carmen de Viboral, un pueblo con una riqueza cultural inigualable. Su tradición ceramista, desarrollada por más de 120 años, es un pilar de su identidad y un referente del arte y la artesanía. En 2024, esta práctica fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de Colombia, lo que generó la responsabilidad de visibilizar y fortalecer su impacto en la sociedad. Para resaltar su herencia, se impulsó una intervención visual en el Metro de Medellín, transformando tres vagones en una galería móvil. El objetivo era crear una identidad visual clara y orgánica, capaz de captar la atención en un espacio tan dinámico como el transporte masivo. El reto era intervenir más de 103 espacios de exhibición, dentro y fuera de los vagones, equilibrando diseño y comunicación visual. Uno de los principales desafíos fue transmitir la historia y esencia de la cerámica carmelitana en los artes internos sin sobrecargar la información. En un entorno de movimiento constante, era clave un diseño equilibrado entre texto, imagen y composición para garantizar una experiencia estética y educativa efectiva. Los artes externos debían ser impactantes y visibles a la distancia, ya que el metro recorre la ciudad de extremo a extremo. Con 44 ventanas, 8 fuelles, 2 fondos, 48 puertas y 3 espacios externos, se tenía un lienzo inmenso para expresar la esencia de El Carmen de Viboral de manera armónica y contundente. Esta intervención no solo promovió su legado artesanal, sino que también representó un desafío creativo sin precedentes, llevando el arte cerámico a miles de personas diariamente.

Para visibilizar la tradición ceramista de El Carmen de Viboral en el Metro de Medellín, se desarrolló una estrategia visual basada en un diseño orgánico, claro y minimalista, equilibrando información y estética para captar la atención del público. En los artes internos, se apostó por el minimalismo, con figuras simples pero elaboradas con la rigurosidad de la cerámica carmelitana. El diseño partió de los triángulos de una fachada de una casa del pueblo, un concepto orgánico y concreto que guió la creación de las piezas. Se usó una paleta de colores inspirada en la cerámica tradicional, tipografías legibles y una distribución estratégica del texto para facilitar su lectura en un entorno dinámico. Para los artes externos, se utilizó el collage como expresión cultural del municipio, integrando elementos gráficos repetitivos en un estilo psicodélico, logrando un efecto llamativo e hipnótico que captara la atención del transeúnte citadino. Esta identidad visual reforzó el impacto del proyecto en el paisaje urbano de Medellín. La producción e instalación requirió una planificación detallada, asegurando que cada uno de los 103 espacios intervenidos tuviera una aplicación precisa y efectiva. La intervención no solo transformó tres vagones en una galería en movimiento, sino que también permitió difundir y fortalecer el reconocimiento del legado ceramista de El Carmen de Viboral, conectando su historia con miles de pasajeros diariamente.

El Carmen de Viboral, es un pueblo ubicado al oriente de Medellín, Colombia, reconocido por su tradición ceramista de más de 120 años. En 2024, esta práctica artesanal fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de Colombia, lo que impulsó al municipio a resaltar su riqueza cultural mediante una intervención sin precedentes en el Metro de Medellín. Por primera vez, tres vagones fueron transformados en una galería móvil, donde ventanas, fuelles, puertas y superficies externas fueron intervenidos con gráficos inspirados en las pintas tradicionales de la cerámica local, así como en sus calles, montañas y legado artesanal. Esta iniciativa no solo promovió el arte popular, sino que también llevó la identidad de El Carmen de Viboral a millones de ciudadanos. Cada mes, 450.000 pasajeros viajan en estos vagones, alcanzando más de cuatro millones de personas durante los ocho meses de exhibición. Este proyecto es un símbolo de orgullo y apropiación cultural.

Al oriente de Medellín, Colombia, se encuentra El Carmen de Viboral, un pueblo con una riqueza cultural inigualable. Su tradición ceramista, desarrollada por más de 120 años, es un pilar de su identidad y un referente del arte y la artesanía. En 2024, esta práctica fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de Colombia, lo que generó la responsabilidad de visibilizar y fortalecer su impacto en la sociedad. Para resaltar su herencia, se impulsó una intervención visual en el Metro de Medellín, transformando tres vagones en una galería móvil. El objetivo era crear una identidad visual clara y orgánica, capaz de captar la atención en un espacio tan dinámico como el transporte masivo. El reto era intervenir más de 103 espacios de exhibición, dentro y fuera de los vagones, equilibrando diseño y comunicación visual. Uno de los principales desafíos fue transmitir la historia y esencia de la cerámica carmelitana en los artes internos sin sobrecargar la información. En un entorno de movimiento constante, era clave un diseño equilibrado entre texto, imagen y composición para garantizar una experiencia estética y educativa efectiva. Los artes externos debían ser impactantes y visibles a la distancia, ya que el metro recorre la ciudad de extremo a extremo. Con 44 ventanas, 8 fuelles, 2 fondos, 48 puertas y 3 espacios externos, se tenía un lienzo inmenso para expresar la esencia de El Carmen de Viboral de manera armónica y contundente. Esta intervención no solo promovió su legado artesanal, sino que también representó un desafío creativo sin precedentes, llevando el arte cerámico a miles de personas diariamente.

Para visibilizar la tradición ceramista de El Carmen de Viboral en el Metro de Medellín, se desarrolló una estrategia visual basada en un diseño orgánico, claro y minimalista, equilibrando información y estética para captar la atención del público. En los artes internos, se apostó por el minimalismo, con figuras simples pero elaboradas con la rigurosidad de la cerámica carmelitana. El diseño partió de los triángulos de una fachada de una casa del pueblo, un concepto orgánico y concreto que guió la creación de las piezas. Se usó una paleta de colores inspirada en la cerámica tradicional, tipografías legibles y una distribución estratégica del texto para facilitar su lectura en un entorno dinámico. Para los artes externos, se utilizó el collage como expresión cultural del municipio, integrando elementos gráficos repetitivos en un estilo psicodélico, logrando un efecto llamativo e hipnótico que captara la atención del transeúnte citadino. Esta identidad visual reforzó el impacto del proyecto en el paisaje urbano de Medellín. La producción e instalación requirió una planificación detallada, asegurando que cada uno de los 103 espacios intervenidos tuviera una aplicación precisa y efectiva. La intervención no solo transformó tres vagones en una galería en movimiento, sino que también permitió difundir y fortalecer el reconocimiento del legado ceramista de El Carmen de Viboral, conectando su historia con miles de pasajeros diariamente.

Por tercer año consecutivo, Hering formó parte del Festival Turá, celebrado en São Paulo y Porto Alegre, fortaleciendo su conexión con el público y la cultura brasileña. Estudio Biabum, en colaboración con Renata Gaia Arquitectura, construyó la identidad visual y el universo gráfico de la activación, creando un stand que combinaba diseño contemporáneo, interactividad y elementos hechos a mano.

Con un enfoque "compartible", cada detalle fue diseñado para generar impacto y compromiso, fortaleciendo la asociación de Hering con la cultura nacional. La activación no solo aumentó la conciencia de la marca, sino que también reforzó la posición de Hering como una marca atemporal y cómoda que sigue siendo un elemento básico en la vida cotidiana de los brasileños. Su presencia en Turá, un festival profundamente arraigado en la identidad brasileña, profundizó esta conexión, fusionando auténticamente moda, gastronomía, arte y música a través de una experiencia inmersiva.

Nuestro desafío fue traducir visualmente la esencia de Hering y su relación con Brasil de una manera sutil pero impactante. Desarrollamos un espacio inmersivo que representaba de forma lúdica el ciclo de producción de la camiseta, desde el cultivo del algodón hasta el producto final. Este concepto se materializó en la estructura arquitectónica que cubría el exterior del stand, simbolizando el tejido de punto, un elemento característico de las prendas de la marca. Tonos sofisticados y apagados, inspirados en la paleta otoño-invierno, se alinearon con la identidad institucional de Hering y la estética del festival. La tipografía de la marca jugó un papel clave en la comunicación visual, garantizando una sensación de claridad y contemporaneidad. Más allá de la experiencia visual, los visitantes participaron en actividades y juegos interactivos que acercaron a Hering a la diversidad cultural de Brasil. Exploraron la gama de camisetas de la marca de una manera innovadora, reforzando la versatilidad y atemporalidad de la prenda más icónica de Hering.

La nueva campaña global de Cornetto, produzida por PICT Estúdio junto al equipo creativo de LOLA MULLENLOWE Madrid, celebra el icónico ritual de abrir el helado rasgando su envoltura. Con un enfoque artesanal y un fuerte trabajo de craft, la propuesta visual combina collages hechos a mano con fragmentos del empaque, creando un diseño dinámico y elegante. Para resaltar la identidad de la marca y su conexión con el verano, PICT Estúdio produjo un sistema gráfico de 10 pósteres y más de 40 assets, adaptables a múltiples plataformas. La composición equilibra espacios negativos y texturas, destacando el Cornetto de manera impactante. Cada detalle fue cuidadosamente trabajado, desde la selección de materiales hasta la disposición de los recortes, reforzando el concepto de craft en toda la campaña. Con presencia en diversos mercados globales, esta iniciativa reafirma el compromiso de Cornetto con la creatividad y la innovación visual.

Cada verano es único, y cada persona lo vive de una manera especial. En esta campaña global, compuesta por un sistema visual de 10 pósteres, invitamos a las personas a descubrir lo mejor de la temporada: experiencias inolvidables que crean recuerdos especiales. Para ello, utilizamos collages hechos a mano con fragmentos del empaque, transmitiendo nuestro concepto de "desenvolver la alegría" con Cornetto a través de una estética impactante.

Para transmitir el sentimiento y la sensación de abrir un Cornetto, la principal identidad del producto, el trabajo de craft del estudio fue esencial para representar visualmente el unwrap de los productos de Cornetto de manera auténtica y envolvente. A través de una producción 100% manual, exploramos recortes, pliegues y texturas del empaque para construir un sistema gráfico único. Cada detalle, desde la disposición de los fragmentos hasta el equilibrio entre espacio negativo y color, fue cuidadosamente trabajado para transmitir la emoción de abrir un Cornetto. La combinación de collages hechos a mano con una composición elegante y dinámica reforzó la identidad de la marca y su conexión con el verano. Este meticuloso proceso artesanal no solo dio vida a una campaña visualmente impactante, sino que también elevó el concepto de desenvolver la alegría, transformando un gesto cotidiano en una expresión estética poderosa y memorable.

La nueva campaña global de Cornetto, produzida por PICT Estúdio junto al equipo creativo de LOLA MULLENLOWE Madrid, celebra el icónico ritual de abrir el helado rasgando su envoltura. Con un enfoque artesanal y un fuerte trabajo de craft, la propuesta visual combina collages hechos a mano con fragmentos del empaque, creando un diseño dinámico y elegante. Para resaltar la identidad de la marca y su conexión con el verano, PICT Estúdio produjo un sistema gráfico de 10 pósteres y más de 40 assets, adaptables a múltiples plataformas. La composición equilibra espacios negativos y texturas, destacando el Cornetto de manera impactante. Cada detalle fue cuidadosamente trabajado, desde la selección de materiales hasta la disposición de los recortes, reforzando el concepto de craft en toda la campaña. Con presencia en diversos mercados globales, esta iniciativa reafirma el compromiso de Cornetto con la creatividad y la innovación visual.

Cada verano es único, y cada persona lo vive de una manera especial. En esta campaña global, compuesta por un sistema visual de 10 pósteres, invitamos a las personas a descubrir lo mejor de la temporada: experiencias inolvidables que crean recuerdos especiales. Para ello, utilizamos collages hechos a mano con fragmentos del empaque, transmitiendo nuestro concepto de "desenvolver la alegría" con Cornetto a través de una estética impactante.

Para transmitir el sentimiento y la sensación de abrir un Cornetto, la principal identidad del producto, el trabajo de craft del estudio fue esencial para representar visualmente el unwrap de los productos de Cornetto de manera auténtica y envolvente. A través de una producción 100% manual, exploramos recortes, pliegues y texturas del empaque para construir un sistema gráfico único. Cada detalle, desde la disposición de los fragmentos hasta el equilibrio entre espacio negativo y color, fue cuidadosamente trabajado para transmitir la emoción de abrir un Cornetto. La combinación de collages hechos a mano con una composición elegante y dinámica reforzó la identidad de la marca y su conexión con el verano. Este meticuloso proceso artesanal no solo dio vida a una campaña visualmente impactante, sino que también elevó el concepto de desenvolver la alegría, transformando un gesto cotidiano en una expresión estética poderosa y memorable.

El Festival Internacional de Cine Al Este necesitaba una identidad de movimiento que fortaleciera su presencia en entornos digitales y audiovisuales. Para lograrlo, se desarrolló un sistema de animación dinámico y estructurado, basado en el principio de "frame stepping", una técnica que genera transiciones fluidas y progresivas. La inclinación de 45 grados, aplicada a títulos y contenido informativo, evoca el desplazamiento del cine y la exploración de nuevas perspectivas. El sistema integra movimientos diagonales y desplazamientos escalonados, combinando imágenes, videos y tipografía en una narrativa visual envolvente. Esta solución garantiza una identidad coherente en trailers, créditos, interludios y material promocional, asegurando una experiencia visual unificada en todos los puntos de contacto. Con este enfoque, Al Este refuerza su identidad visual y su impacto, manteniéndose reconocible dentro y fuera del festival.

Tras 15 años de trayectoria, Al Este carecía de una identidad de movimiento, lo que limitaba su capacidad de adaptarse a los múltiples formatos y plataformas en los que el festival se proyecta. Sin un sistema de animación definido, la marca se veía restringida a piezas estáticas, perdiendo presencia en entornos digitales, proyecciones, material promocional en pantalla y otros medios audiovisuales clave. Esta falta de cohesión visual dificultaba su reconocimiento fuera del período del festival y en interacciones con stakeholders y auspiciadores.

La identidad visual de Al Este se expande a la animación a través de un sistema tipográfico dinámico y estructurado. Su movimiento se basa en el principio de "frame stepping”, una técnica que genera repeticiones fluidas y progresivas, reforzando la continuidad visual del festival. Esta dinámica se complementa con la inclinación de 45 grados, aplicada a títulos de películas, sinopsis e información general, evocando el desplazamiento del cine y la exploración de nuevas perspectivas. El sistema de animación integra movimientos diagonales y desplazamientos escalonados entre imágenes, videos y tipografías de distintas jerarquías. Esta interacción genera una narrativa visual envolvente, permitiendo que cada elemento transite con ritmo y coherencia en trailers, créditos, interludios y material promocional. Gracias a esta flexibilidad, la identidad de Al Este se mantiene sólida y reconocible, asegurando una experiencia visual integrada en cada punto de contacto, dentro y fuera del festival.

El Festival Internacional de Cine Al Este ha acercado al público a cinematografías diversas con un presupuesto reducido, optimizando recursos a través de alianzas estratégicas y espacios alternativos. Sin embargo, tras 15 años, carecía de una identidad en movimiento que le permitiera adaptarse a múltiples plataformas y fortalecer su presencia digital. Para resolver esto, se desarrolló un sistema de animación accesible y flexible, basado en el principio de "frame stepping", que permite transiciones fluidas y progresivas sin depender de producciones externas costosas. Este sistema incorpora movimientos diagonales y desplazamientos escalonados, evocando el dinamismo del cine y facilitando su implementación por el equipo interno del festival. Con esta estrategia innovadora, Al Este refuerza su identidad visual en proyecciones, redes sociales y material promocional, asegurando una presencia sólida y coherente sin grandes inversiones.

Tras 15 años de trayectoria, Al Este no contaba con los recursos para desarrollar una identidad en movimiento, lo que limitaba su capacidad de adaptarse a los múltiples formatos y plataformas en los que el festival se proyecta. La ausencia de un sistema de animación definido restringía la marca a piezas estáticas, reduciendo su impacto en entornos digitales, proyecciones y material promocional en pantalla. Para solucionar esto con un presupuesto reducido, se desarrolló un sistema de movimiento simple y accesible, diseñado para ser ejecutado internamente por el equipo del festival. Este enfoque les permite mantener coherencia visual y adaptar su identidad de manera flexible a diversas plataformas de comunicación sin depender de producciones externas costosas.

Para incorporar la animación en la identidad visual de Al Este sin necesidad de grandes recursos, se desarrolló un sistema tipográfico dinámico y estructurado, fácil de implementar internamente. Su movimiento se basa en el principio de "frame stepping", una técnica simple pero efectiva que crea repeticiones fluidas y progresivas, reforzando la continuidad visual del festival sin requerir software o producción compleja. El sistema de animación incorpora movimientos diagonales y desplazamientos escalonados, aplicados a títulos, sinopsis e información general con una inclinación de 45 grados. Esta solución no solo evoca el desplazamiento del cine y la exploración de nuevas perspectivas, sino que también permite generar piezas animadas con un flujo visual atractivo y coherente. Gracias a su flexibilidad y accesibilidad, el equipo del festival puede adaptar la identidad a múltiples plataformas sin depender de costosas producciones externas, asegurando una experiencia visual sólida en cada punto de contacto.

Clint Studio ha reinventado su identidad visual para celebrar la madurez de la empresa y un nuevo momento estratégico centrado en el mercado internacional. La nueva identidad también se adapta a la realidad de las marcas centradas en sistemas de movimiento, una tendencia actual que exige un sistema maduro, robusto pero también flexible y con un alto refinamiento gráfico. El sistema animado se aplicó al modelado 3D, las texturas y los cultivos, siempre enfocados al mejor rendimiento en cada una de las plataformas de la marca, incluidas las redes sociales. El resultado es una identidad visual contemporánea, vibrante y de alto impacto que mezcla color, tipografía, 3D y movimiento con la personalidad de Clint Studio.

Históricamente, Clint Studio siempre ha tenido una identidad visual atrevida, con tipografía expresiva junto a modelado 3D. En 2023, las aplicaciones empezaron a parecer algo limitadas y repetitivas, por lo que era necesario rediseñar la marca. El nuevo momento también requería un sistema de motion organizado, ya que la mayoría de las aplicaciones son digitales. Además de que el motion design es un servicio que ofrece el estudio (es decir, las aplicaciones también sirven de escaparate), creemos que las piezas animadas hacen que las experiencias de contacto con la marca sean más agradables e incluso sorprendentes. El resultado fue un sistema que funciona de forma dinámica y se adapta a múltiples plataformas, atrayendo la atención de usuarios y clientes de forma atractiva y coherente.

La solución gráfica encontrada cumplía los requisitos de actualizar la marca Clint manteniendo su personalidad y ampliando su sistema de movimiento. El sistema conseguido es modular y muy dinámico, y se adapta a todos los formatos y plataformas en los que está presente la marca Clint. La solución se sistematizó en carpetas de activos disponibles y estandarizados, lo que facilita el trabajo diario del equipo y ocupa poco tiempo en la producción de materiales. Los renders finales también se han optimizado para que el sistema de movimiento garantice la calidad en la ejecución sin perder velocidad. En conjunto, la nueva identidad conserva y amplía la personalidad de Clint, al tiempo que ajusta el sistema de aplicaciones animadas a los tiempos actuales, con calidad y gran expresividad visual.

“Curta Brasília 2024” es la secuencia de apertura del Festival Curta Brasília, un Festival Internacional de Cortometrajes que se lleva a cabo en la ciudad modernista de Brasília, Brasil, diseñada por Lucio Costa y Oscar Niemeyer. La 12ª edición se centró en el tema del ‘tiempo’, desafiando el diseño a representar visualmente este concepto universal mientras celebraba la cultura local y la identidad de Brasília. La secuencia se inspira en representaciones simbólicas y mitológicas del tiempo, materializadas en personajes divinos, los guardianes del tiempo.

El proyecto fue concebido para el Curta Brasília - Festival Internacional de Cortometrajes, cuya edición de 2024 giró en torno al concepto del tiempo. El principal desafío fue traducir este tema universal pero intangible en una secuencia de apertura visualmente impactante, al mismo tiempo que celebraba la cultura e identidad local. Realizado en Brasília, un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO reconocido por su urbanismo y arquitectura modernista, la identidad del festival buscó honrar el legado de Lucio Costa y Oscar Niemeyer. Igualmente importante fue reflejar el mosaico cultural diverso formado por personas de todos los rincones de Brasil que contribuyeron al carácter único de Brasília. El concepto fue diseñado para trascender su medio inicial, la secuencia de apertura, adaptándose sin problemas a carteles, camisetas, trofeos y proyecciones mapping. Anclada en el arte de contar historias a través de cortometrajes, la identidad del festival reflejaba las limitaciones y la belleza de capturar momentos dentro de duraciones limitadas, un eco de la naturaleza efímera del tiempo. El filme se inspiró en representaciones mitológicas y simbólicas del tiempo, centrándose en guardianes divinos del tiempo. Basándose en la mitología griega, Chronos, la personificación del tiempo, recordaba su dualidad: el poder de crear y destruir. Además, el diseño incorporó la simbología del número 12, un motivo recurrente en la historia humana. Desde los 12 meses del año y los signos del zodiaco hasta la escala cromática de 12 tonos y referencias religiosas como los apóstoles, el número sirvió como un marco narrativo sutil a lo largo del filme, invitando al público a descubrir conexiones entre los detalles visuales y reforzando la celebración de la 12ª edición del evento.

Las soluciones de diseño para el filme se centraron en traducir conceptos universales del tiempo en una narrativa visual y sonora impactante. La historia comienza en un paisaje profundo del cosmos, cuando de repente un cometa o una chispa de vida invade la escena, seguido por una ola multicolor que anuncia el viaje a través del espacio y el tiempo. En el centro de la narrativa y guiando este viaje están los personajes divinos, los Guardianes del Tiempo. Portan artefactos como relojes de arena, metrónomos y sistemas planetarios; sus movimientos ilustran mecánicas celestiales como rotación, traslación y patrones cíclicos, encarnando las infinitas facetas del tiempo. Su estética también se inspiró en el diseño modernista de Brasília, su materialidad y máscaras tradicionales. La simplicidad y el orden de los personajes, así como el uso de la simetría y las formas geométricas, anclaron el proyecto en el patrimonio cultural local. Otro elemento clave del diseño fue el paisaje sonoro, que combinó sonidos etéreos y atmosféricos, evocando lo divino e infinito, con elementos de forró, un ritmo tradicional brasileño. Esta fusión no solo conectó las visuales con el contexto cultural de Brasília, sino que también reforzó la dualidad del proyecto, tanto global como local. Los ritmos sincopados del forró añadieron un ritmo cíclico que reflejaba los temas de repetición y movimiento, mientras que los tonos etéreos transmitieron una sensación de intemporalidad, enriqueciendo la profundidad de la narrativa. El proyecto capturó la esencia del festival a través de diseño en movimiento, referencias simbólicas y un paisaje sonoro único. Fusionó narrativas globales con la identidad local, creando una campaña multiplataforma que exploró la grandeza y la intimidad del tiempo, preparando el escenario para una rica exploración del arte de contar historias a través de cortometrajes.

Deadcat es un cantante, compositor y productor musical. Originario de Brasil, pasó 10 años en Europa, donde desarrolló su identidad musical. En 2023, lanzó su álbum debut, DEADCAT, logrando más de 1 millón de reproducciones en Spotify con la canción "Scarlett". Para este lanzamiento, desarrollamos toda la identidad visual del artista, desde el logotipo hasta la dirección creativa de su primer videoclip musical. Un estilo visual único y distintivo.

El desafío era crear una atmósfera completa y única para el artista en todos los puntos visuales de contacto con su público. Desde el material de merchandising, la portada del álbum hasta el vestuario del espectáculo. Algo que representara visualmente sus referencias y sus creencias musicales: Electro-rock con influencias de la música dance de los años 70, Radiohead, Leonard Cohen y David Bowie. Su entorno era nocturno y marginal.

La inspiración de todo el proyecto surgió a partir de una historia de infancia y del surgimiento del apodo DEADCAT. Cuando era niño, en un restaurante, jugando con plastilina, el artista moldeó un cenicero con la cara de un gato y los ojos marcados con "X O". Cuando le preguntaron qué era eso, él respondió: Dead Cat. Así nació el apodo y el espíritu que acompaña al artista musical. Para comenzar el proyecto, también abrimos un tarro de plastilina y fuimos dando vida al logotipo y todo lo demás. Comenzando con el gato, combinando fanzines punk, algo visualmente de las calles, con un atractivo glamuroso. Lujo y basura representados en el arte manual. Filmamos en película, utilizamos mixed media para los visualizadores, tipologías imperfectas, urbanas y manuales. Xerox, escaneo, collages digitales e ilustraciones. 2D y 3D. Oro, plata y porcelana representan el lujo. Todo mezclado como en una lata.

"Eco-ilógico" es un cortometraje animado musical creado por SEO/BirdLife para visibilizar una paradoja ambiental: las energías renovables, mal planificadas, pueden dañar la biodiversidad que buscan proteger. Con un enfoque sarcástico y una estética inspirada en la animación clásica rubber hose, el corto denuncia la muerte de más de 6 millones de aves al año debido a infraestructuras como aerogeneradores y tendidos eléctricos. El objetivo principal del proyecto era generar conciencia y debate sobre la importancia de una transición energética verdaderamente sostenible. Para ello, se combinó animación, humor e ironía con una canción protesta interpretada por artistas como Eva Amaral, El Canijo de Jerez y Albertucho. Sin apenas inversión en medios, la campaña logró 250,000 visualizaciones en 72 horas, 74 apariciones en medios y 15 millones de impactos, logrando que el sector energético respondiera al mensaje en menos de 24 horas.

El proyecto "Eco-ilógico" surge como una iniciativa de SEO/BirdLife, la ONG ambiental más antigua de España, con más de 70 años de trayectoria en la protección de la biodiversidad y los hábitats naturales. La organización apoya la transición hacia energías renovables, pero busca exponer una problemática poco conocida: la mortalidad masiva de aves (más de 6 millones al año) debido a la mala planificación de infraestructuras como aerogeneradores y tendidos eléctricos. Este problema no solo afecta la biodiversidad, sino que también pone en entredicho el verdadero impacto de las energías limpias si no son implementadas de manera responsable. El desafío principal era hacer visible este problema técnico y científico, que generalmente es ignorado por la sociedad y por sectores clave como el energético y las administraciones públicas. Dado que se trataba de un tema complejo, SEO/BirdLife necesitaba una estrategia que generara empatía y conexión emocional con el público, además de provocar debate e impacto mediático. Con un presupuesto muy limitado, el reto fue amplificar el mensaje sin grandes inversiones en publicidad.

Para abordar este desafío, se diseñó una estrategia creativa y disruptiva basada en el concepto "Eco-ilógico", que expone las contradicciones en el comportamiento ambiental de las personas y empresas. La solución consistió en la producción de un cortometraje animado musical con un enfoque irónico y sarcástico. Se creó un universo visual inspirado en la animación clásica de los años 30 (rubber hose), pero con elementos gore y satíricos para reforzar la contradicción del mensaje. Los protagonistas del cortometraje son aves en peligro de extinción, convertidas en fantasmas que narran, mediante una canción protesta, cómo murieron a causa de la mala planificación de las energías renovables. La música fue compuesta junto a Naked Family, con influencias del rock hippie de los 60, y la canción fue interpretada por artistas reconocidos como Eva Amaral, El Canijo de Jerez y Albertucho, lo que permitió que el mensaje trascendiera los círculos ambientales y llegara a audiencias más amplias. Para la difusión, se priorizó el impacto orgánico y mediático, logrando más de 250,000 visualizaciones en las primeras 72 horas, 74 apariciones en medios de comunicación y 15 millones de impactos sin apenas inversión publicitaria. Además, la campaña provocó reacciones inmediatas en el sector energético, incluyendo una respuesta de la Asociación Empresarial Eólica en menos de 24 horas y el interés de una gran empresa española para trabajar en la elaboración de una propuesta de Real Decreto sobre la planificación de tendidos eléctricos. En resumen, el proyecto logró convertir un problema técnico en un mensaje accesible y movilizador, utilizando una estrategia basada en el humor, la ironía y la música para generar conciencia e impacto real.

Colaboramos con Estafeta en su más reciente campaña para mostrar que detrás de cada una de sus cajas, existe una cadena logística eficiente y coordinada.

El objetivo del proyecto fue transformar momentos logísticos comunes y visualmente aburridos en una experiencia divertida y memorable, mientras se reforzaba el posicionamiento de su mascota, Estafeto.

Al cabo de un mes, y usando la paleta de colores de la marca como inspiración, desarrollamos un universo vibrante que dio vida a los procesos logísticos de Estafeta. La combinación de elementos reales e imaginarios en nuestros mundos expandió el portafolio de recursos visuales de la marca para futuras campañas.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, el marketplace más grande del mundo. Unificando su ecosistema global y transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

Google Play es el marketplace más grande del mundo, con una oferta inigualable de aplicaciones, juegos y entretenimiento. Sin embargo, en un contexto donde los consumidores tienen más opciones que nunca, la marca no lograba comunicar el motivo para elegir “Play”: se percibía como pasiva, desconectada y meramente transaccional. Necesitábamos demostrar que Google Play era más que una tienda (súper grande), que podía ayudarte a jugar.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, unificando su ecosistema global en todas sus propiedades y formas de interacción con los usuarios. Transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Gira y rota, ayudando a los usuarios a abrirse camino entre un mar de aplicaciones para llegar directamente a lo que aman. El movimiento introduce nuevas perspectivas y dimensiones, complementadas por un conjunto diverso de formas secundarias, tipografía flexible y una paleta de colores adaptable a nivel global, manteniendo siempre la esencia de Play. Esa energía también se refleja en una voz que invita a todos a jugar a su manera. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

El cortometraje "Impossible Journey" denuncia las profundas desigualdades raciales en el sistema de salud materna de EE. UU., donde las mujeres negras enfrentan un riesgo tres veces mayor de mortalidad en comparación con las mujeres blancas. La película, que cuenta con 3200 fotogramas pintados a mano, fue completamente producida por profesionales brasileños, y compara la jornada contrastante de madres negras y blancas a través de una narrativa visual alegórica, rica en simbolismos. Buscando sensibilizar al público y presionar a los legisladores para aprobar el Black Maternal Health Momnibus Act en el Congreso, es una invitación a reflexionar sobre la relevancia de la igualdad racial y la urgencia de la necesidad de cambios.

La campaña "Impossible Journey" nació de la colaboración entre Aster, una startup de tecnología en salud, Ashé Birthing Services, una organización comunitaria centrada en la atención materna, y la productora The Youth. Lanzada en 2024, la iniciativa tenía como objetivo denunciar las profundas desigualdades raciales en el sistema de salud materna de EE. UU., donde las mujeres negras enfrentan un riesgo tres veces mayor de mortalidad por complicaciones durante el embarazo en comparación con las mujeres blancas. Con el Black Maternal Health Momnibus Act estancado en el Congreso, el objetivo era aumentar la conciencia y movilizar apoyo para la aprobación de esta legislación crucial, utilizando una narrativa visual impactante para sensibilizar a los legisladores y al público en general.

"Impossible Journey" es una alegoría en formato de cortometraje animado. Representa las disparidades raciales del sistema de salud materna estadounidense, la indiferencia de los políticos y el silencio de la población. A pesar del cliente y el contexto internacionales, la producción del video fue completamente realizada por profesionales brasileños, desde el guion hasta la postproducción. Concebido a partir de los tristes testimonios de familias negras que perdieron a sus madres por complicaciones durante el embarazo, la narrativa compara las maternidades de madres negras y blancas y el trato recibido por cada una de ellas por parte del sistema de salud. El filme, que cuenta con la sensibilidad de la dirección de arte y la producción, narra visualmente la historia de dos cigüeñas en vuelos contrastantes. La primera sigue decididamente su viaje a través de caminos densos, espinosos y tormentosos de violencia hasta sucumbir, mientras que la segunda recorre un camino suave y fluido, siguiendo intacta para acoger a su bebé. Utilizando extensos simbolismos, los conceptos de stop-motion fueron pintados a mano en más de 3200 fotogramas por los talentosos artistas del Atelier 39 con técnica en pintura acrílica y tiza. Con trazos delicados y dinámicos, las pinturas fueron articuladas en una paleta que tensa colores cálidos y fríos, evocando, a veces, urgencia y miedo, y otras, tranquilidad y confort. Las escenas exploran ángulos de cámara variados y transiciones que guían la mirada, y en armonía con la banda sonora, aportan dinamismo y ritmo a la narrativa, creando momentos de suspenso y expectativa. "Impossible Journey" no es solo una narrativa, sino una invitación a ver las disparidades silenciosas, a comprender el dolor latente y a despertar para la urgencia de un cambio necesario.

TGL es una liga deportiva innovadora creada por Tiger Woods y Rory McIlroy en colaboración con la PGA. El objetivo principal del proyecto fue presentar esta nueva propuesta de manera dinámica y emocionante, conectando con el público tanto en el estadio como en redes sociales. Clubcamping desarrolló piezas visuales impactantes y dinámicas buscando representar la experiencia en vivo dentro de un estadio tecnológico. Con nuevas reglas, un espacio que se transforma entre hoyos y los mejores jugadores de la PGA representando equipos de todo el país, TGL busca redefinir el golf tradicional. Este proyecto destacó por su creatividad y energía, sentando las bases para el esperado lanzamiento en ESPN en 2025.

Este proyecto nos presentó algunos desafíos. Teníamos que hacer tres teasers súper visuales y con una animación 2D muy dinámica, pero con poca información sobre esta nueva liga de golf, ya que las reglas todavía estaban en desarrollo. Además, en la segunda pieza, un explainer en motion, la idea era explicar de qué se trata la liga, pero sin perder el humor y presentando a los personajes principales de una forma que les permitiera conectarse entre sí. Todo esto con un deadline bastante apretado, lo que nos obligó a ser súper ágiles y creativos. Fue un reto encontrar el equilibrio entre creatividad, claridad y diversión, mientras nos adaptábamos a la información cambiante. Al final, usamos nuestra experiencia para crear algo atractivo y original, logrando que cada pieza llamara la atención y generara interés en esta nueva propuesta de golf.

Desde el principio, trabajamos de manera abierta y cercana con el cliente, lo que nos dio mucha libertad para explorar y crear. El guion fue diseñado de forma flexible para que pudiéramos experimentar y encontrar las mejores ideas y recursos visuales para el proyecto. El resultado fue una campaña fresca y dinámica que reflejaba perfectamente la esencia de la nueva liga. Usamos diferentes técnicas de animación y formamos diferentes equipos conectados por la misma dirección creativa, lo que nos permitió mantener la unidad y coherencia en todas las piezas.

La Mente es Imparable es un cortometraje emocionante que resalta la determinación y la fortaleza mental de los atletas paralímpicos. La animación sigue el viaje de una pequeña pelota enfrentando desafíos diarios, simbolizando la mente incansable de un atleta paralímpico. Al final, descubrimos que la pelota representa la mente del atleta paralímpico Gabriel Araújo, transmitiendo el mensaje de que, a pesar de las dificultades, la mente es capaz de superar cualquier obstáculo. El cortometraje es un homenaje inspirador a los atletas paralímpicos patrocinados por PRIO, quienes se están preparando para representar a Brasil en los Juegos Olímpicos de París 2024. Una hermosa manera de reconocer la resiliencia y la determinación de estos atletas extraordinarios.

Únete a nosotros para celebrar el espíritu imparable del equipo paralímpico brasileño mientras se preparan para los Juegos Paralímpicos de París 2024. Prio se enorgullece de patrocinar a este increíble equipo de atletas que han superado la adversidad y desafiado todas las probabilidades para destacarse en sus respectivos deportes. Creemos que la mente es realmente imparable, y estos atletas son la prueba de ello. Han demostrado una determinación, resiliencia y fortaleza increíbles, y queremos invitarte a conocerlos y a inspirarte con sus historias. Nuestra campaña tiene como objetivo generar conciencia sobre los logros extraordinarios de estos atletas y alentar a las personas a apoyarlos en su camino hacia los Juegos Paralímpicos. Queremos mostrar el poder del espíritu humano y el potencial ilimitado de la mente, sin importar las limitaciones físicas. El equipo paralímpico brasileño está compuesto por los mejores atletas del país y está listo para brillar en el escenario mundial en París. Queremos invitarte a unirte a nosotros para alentarlos, mientras demuestran su inquebrantable determinación y pasión por el deporte. Así que prepárate para inspirarte, prepárate para sorprenderte y prepárate para animar al equipo paralímpico brasileño. La mente es verdaderamente imparable, y estos atletas son la prueba viviente de ello. Unámonos para apoyarlos y celebrar sus increíbles logros. Únete a nosotros para alentar el espíritu imparable del equipo paralímpico brasileño.

El método que elegimos para el desarrollo de la tesis principal fue una entrevista exploratoria con Daniel Dias, el 14º atleta paralímpico más premiado de la historia, poseedor de récords mundiales y único atleta paralímpico brasileño ganador del Premio Laureus. A partir del entendimiento de lo que más lo motivaba a competir, creamos el concepto "La Mente es Imparable", que sintetiza el súper poder de los atletas paralímpicos: puede haber barreras físicas o limitaciones de accesibilidad, pero la mente, la voluntad de vencer y el ímpetu de competir hacen que cualquier atleta paralímpico sea imparable.

La Mente es Imparable es un cortometraje emocionante que resalta la determinación y la fortaleza mental de los atletas paralímpicos. La animación sigue el viaje de una pequeña pelota enfrentando desafíos diarios, simbolizando la mente incansable de un atleta paralímpico. Al final, descubrimos que la pelota representa la mente del atleta paralímpico Gabriel Araújo, transmitiendo el mensaje de que, a pesar de las dificultades, la mente es capaz de superar cualquier obstáculo. El cortometraje es un homenaje inspirador a los atletas paralímpicos patrocinados por PRIO, quienes se están preparando para representar a Brasil en los Juegos Olímpicos de París 2024. Una hermosa manera de reconocer la resiliencia y la determinación de estos atletas extraordinarios.

El equipo paralímpico brasileño está compuesto por los mejores atletas del país y está listo para brillar en el escenario mundial en París. Queremos invitarte a unirte a nosotros para alentarlos, mientras demuestran su inquebrantable determinación y pasión por el deporte. Así que prepárate para inspirarte, prepárate para sorprenderte y prepárate para animar al equipo paralímpico brasileño. La mente es verdaderamente imparable, y estos atletas son la prueba viviente de ello. Unámonos para apoyarlos y celebrar sus increíbles logros. Únete a nosotros para alentar el espíritu imparable del equipo paralímpico brasileño.

El método que elegimos para el desarrollo de la tesis principal fue una entrevista exploratoria con Daniel Dias, el 14º atleta paralímpico más premiado de la historia, poseedor de récords mundiales y único atleta paralímpico brasileño ganador del Premio Laureus. A partir del entendimiento de lo que más lo motivaba a competir, creamos el concepto "La Mente es Imparable", que sintetiza el súper poder de los atletas paralímpicos: puede haber barreras físicas o limitaciones de accesibilidad, pero la mente, la voluntad de vencer y el ímpetu de competir hacen que cualquier atleta paralímpico sea imparable.

Prio, la mayor empresa independiente de petróleo y gas de Brasil, lanzó la campaña "La mente es imparable" para celebrar su patrocinio a los atletas paralímpicos. Fuimos invitados a dirigir un cortometraje animado que explora de manera sensible los recorridos de estos atletas. La película utiliza stop motion y animación para mostrar una bolita de plastilina superando desafíos, simbolizando la mente adaptable de las personas con discapacidad. Combinamos conceptos de física y 3D para crear una narrativa visual envolvente, alternando perspectivas para fomentar la empatía y resaltar la superación de manera creativa y emocional. Como resultado del trabajo y la ejecución impecables, la película obtuvo reconocimiento internacional.

PRIO, la mayor empresa independiente de petróleo y gas de Brasil, patrocinó a varios atletas en los Juegos Paralímpicos de 2024. Con un año restante para el inicio de la competencia, la marca lanzó la campaña "La mente es imparable", un homenaje a los recorridos de los atletas hacia París. La campaña contó con un cortometraje animado que retrata la realidad de las personas con discapacidad, destacando los desafíos cotidianos que enfrentan. Nuestro papel fue aportar una perspectiva de dirección creativa a la producción, ampliando la percepción del público sobre sus vivencias y logros. El mayor desafío fue abordar este tema con sensibilidad y emoción, sin perder la fuerza de una narrativa cautivadora que resalta la grandeza de los atletas paralímpicos.

El cortometraje sigue a una bolita de plastilina que representa la mente de las personas con discapacidad y su capacidad de adaptación. A medida que enfrenta diferentes obstáculos, el personaje cambia de forma para superarlos, simbolizando los desafíos diarios que enfrentan las personas con discapacidad, incluso en las tareas más simples. Para transmitir esta realidad, utilizamos un elemento universal: las leyes de la física. Aunque son las mismas para todos, los desafíos son únicos para cada persona. Nuestra visión creativa guió las elecciones estéticas del filme para generar emoción, empatía y conexión con el público, retratando la superación de manera artística y envolvente. Optamos por stop motion y animación para dar vida a la narrativa. Aplicamos conceptos de física al cotidiano, explorando el equilibrio, la gravedad y las escalas de cámara para amplificar los desafíos enfrentados. La alternancia de planos a lo largo del cortometraje cambia la perspectiva del espectador, creando un flujo narrativo que refuerza la empatía y el impacto emocional. El filme fue desarrollado en 3D, garantizando un alto nivel de detalle, visible tanto en la bolita de plastilina como en los atletas paralímpicos. A partir de un universo abstracto, "La mente es imparable" emociona, sensibiliza y establece conexiones profundas de manera icónica y creativa.

Tarrare combina dos pasiones: el terror y los gatos. Nombrado así por la grotesca historia de un soldado francés del siglo XVIII con hambre insaciable (y cero límites), este corto es un combo de climas inquietantes, cámaras dinámicas y transformaciones grotescas. De la mente de nuestro director de animación Franco Pelliciaro, fue producido íntegramente por el equipo de Clubcamping como un experimento para explorar nuevas técnicas de animación y fortalecer lazos mientras hablábamos de escenas repugnantes y monstruos. Un tráiler de algo más grande? Tal vez. Una pesadilla animada? Definitivamente.

Tarrare nació como una forma de volver a nuestras raíces creativas en un momento de baja actividad en la industria. Queríamos enfrentarnos a nuevos desafíos internos y, al mismo tiempo, fortalecer el trabajo en equipo en un entorno más íntimo y colaborativo. Este proyecto nos dio la libertad de explorar ideas que, por ser tan únicas, rara vez encuentran lugar en el mundo comercial. Fue una experiencia intensa pero gratificante: trabajamos con un equipo reducido y logramos completarlo en 2 meses. Más allá del resultado que nos encantó, fue una oportunidad para divertirnos, aprender y recordar por qué amamos hacer lo que hacemos.

A diferencia de cómo solemos trabajar, que siempre empezamos con el guion y el storyboard, esta vez nos desafiamos a crear la historia partiendo de una sola ilustración al storyboard. Seguimos fieles a nuestra esencia del storytelling, pero este enfoque nos llevó por un camino más visual y experimental. Fue también una oportunidad para probar nuevas maneras de animar, tanto desde el lado creativo como el de producción, y ver qué funciona mejor para aplicarlo después en proyectos comerciales. También unificamos el uso del software en todo el equipo, dando capacitación para que todos estuvieran alineados, y le pusimos más foco a la preproducción, dejando el material súper claro para los animadores. Al final, fue un proceso diferente y divertido que nos ayudó a crecer y mejorar como equipo.

Fundada en 1922 por Nat Fleischer, The Ring es una de las publicaciones más icónicas del boxeo, conocida como "La Biblia del Boxeo". La revista fue clave en la popularización del deporte al crear clasificaciones independientes de los boxeadores e introducir el Cinturón de Campeonato de The Ring, otorgado a los campeones lineales. A lo largo de los años, ha cubierto peleas históricas con leyendas como Muhammad Ali, Joe Frazier, Mike Tyson y Sugar Ray Leonard, ofreciendo análisis, entrevistas y fotografías impactantes. Hoy, la revista sigue vigente con sus ediciones digitales e impresas, adaptándose a las nuevas demandas del público. The Ring vuelve a estar en el centro de atención con un rebranding para celebrar sus 102 años, explorando una colección de 1,230 ediciones y más de 10,000 artículos que reflejan su legado y su influencia en el mundo del boxeo.

The Ring Magazine es uno de los grandes nombres del periodismo dentro del mundo del boxeo. Con más de 102 años de historia, ha estado presente en momentos clave y, en muchas ocasiones, ha coronado a grandes boxeadores como los reyes de sus respectivas épocas. La revista ha seguido el deporte de cerca con pasión y dedicación, pero su final parecía inevitable en la era digital. En 2022, la marca entró en una larga pausa, pero ahora, en 2024, regresa con un nuevo formato, adoptando lo digital pero manteniéndose fiel a la versión impresa. El nuevo logotipo está diseñado para reflejar toda esta historia: una marca centenaria que ha pasado por múltiples cambios, pero que, en esencia, sigue siendo la misma. Proveniente directamente del ring, sus colores también evocan su esencia.

Para contar el nuevo capítulo de The Ring Magazine, profundizamos en sus 102 años de historia, explorando más de 1,230 ediciones, recorriendo las peleas más gloriosas y sus respectivas estrellas, abriendo espacio para nuevos nombres y, sobre todo, preparando el escenario para una nueva era. Tras un largo paréntesis, la marca regresa con un gran proyecto de rebranding y una campaña de relanzamiento que presentó una nueva identidad. Por eso, trajimos un enfoque dinámico, rítmico y acelerado, como puños que se cierran y golpean. Sus colores remiten a una era majestuosa y nostálgica. Su tipografía combina pesos pluma y pesos pesados, logrando un estilo impactante y contemporáneo. Además, una gama de elementos como collages, ilustraciones, animaciones y texturas digitales enriquecen el universo del deporte, un mundo que desborda emociones, pasión y pura determinación.

PRIMER ACTO Todos protagonizamos nuestra propia obra, pero la visión cambia cuando somos conscientes de que también somos el director. Está en nuestra mano hacer que esos momentos de cotidianidad sean elevados y celebrados. Debemos hacer de nuestra vida un acto poderoso, uno que nos conmueva y que merezca la pena compartir con los demás. Al fin y al cabo, el simple hecho de estar vivo ya es toda una trama, ahora sólo tenemos que hacerlo extraordinario.

El aumento acelerado del turismo en Medellín va de la mano con la consolidación de espacios y actividades con un enfoque genérico y estandarizado de lo que es una visita a la ciudad. Pero, este pensamiento despertó en nosotros el sentido de que cada persona es diferente y por tanto cada viaje, experiencia y al mismo tiempo la forma de vivir nuestra ciudad debería serlo también.

Vemos en Medellín un escenario en el que cada visitante debe crear su propio viaje, encontrar esos momentos únicos que se convierten en historia y no un checklist de cosas por hacer. Para ellos está BOH las tras bambalinas del teatro donde descansan, experimentan, interactúan y les recuerda que ellos son los protagonistas y que cada vez que salen de nuestro hotel, la obra empieza.

HYBE Music es la empresa discográfica coreana más relevante hoy en día y uno de los primeros arquitectos que pavimentaron el camino para el fenómeno de K-pop a nivel global. Su visión se basa en crear superfans más que oyentes y en generar experiencias inmersivas más allá de la música y en fortalecer la relación de fans con sus artistas favoritos, de una manera cercana e íntima. Con esta visión buscaban capitalizar los mismos aprendizajes en el mercado latino y fue así como nació 12mil Music, un sello discográfico que busca poner a sonar el talento latino en todo el mundo.

Los latinos se han caracterizado por su pasión por la vida y por todo lo que hacen. En la música esta pasión es más evidente que en otros aspectos. Con fans fieles y enérgicos que no sólo sienten la música... sino que la viven con pasión cada día. Son una cultura muy unida que construye relaciones sólidas más rápido que otras. Desde el nuevo compañero de trabajo hasta el tendero de la esquina. Se sienten impulsados a relacionarse estrechamente con los demás. El problema es que la mayoría de los sellos discográficos se han convertido en meros lanzadores y vendedores tradicionales de música. En América Latina, el negocio se rige por clichés y estereotipos, que utilizan modelos anticuados y no resuenan con la esencia latina cercana y los valores de los artistas modernos. Si bien somos latinos y tenemos cosas en común, cada país es diferente y a veces apelar por una cultura latina visual o estética puede ser difícil sin caer en la obviedad o los estereotipos. Si lo pensamos bien, la relación entre los artistas y sus fans es una de las más puras, desinteresadas y estrechas que existen... pero tradicionalmente no es una relación “cara a cara”. La calidez y la cercanía de la cultura latina pueden ser el mejor aliado.

12mil nace como un sello discográfico con raíces latinas y una visión global, que busca aprovechar el fenómeno actual de música latina, pero sin caer en estereotipos o clichés. Una marca que debía poder resonar con la cultura latina, sin profundizar en ningún país específico. Una nueva empresa de música latina que ofrece conexiones holísticas entre artistas y superfans. Conectándolos en la misma realidad sin un pedestal y creando experiencias innovadoras que ponen a los fans en primer lugar y les ofrecen más que música. Se trataba de posicionar a 12mil como el sello de música latina que potencia y fomenta los lazos tradicionalmente latinos pero esta vez estrechos entre los artistas latinos y sus fans. Equilibramos una marca que se debía sentir global pero con aspectos latinos poco obvios como una paleta de color inspirada en el trabajo del arquitecto Luis Barragán y tipografías tomadas del cotidianidad latina para expresar ese espíritu latino. Tomamos como inspiración logos de antiguos sellos discográficos para crear un logo que nos habla de una nostalgia del pasado, pero resignificando y volviendo a las raíces de lo que un sello discográfico debería realmente hacer y es enfocarse en el talento y en los fans más allá de un negocio.

HYBE Music es la empresa discográfica coreana más relevante hoy en día y uno de los primeros arquitectos que pavimentaron el camino para el fenómeno de K-pop a nivel global. Su visión se basa en crear superfans más que oyentes y en generar experiencias inmersivas más allá de la música y en fortalecer la relación de fans con sus artistas favoritos, de una manera cercana e íntima. Con esta visión buscaban capitalizar los mismos aprendizajes en el mercado latino y fue así como nació 12mil Music, un sello discográfico que busca poner a sonar el talento latino en todo el mundo.

Los latinos se han caracterizado por su pasión por la vida y por todo lo que hacen. En la música esta pasión es más evidente que en otros aspectos. Con fans fieles y enérgicos que no sólo sienten la música... sino que la viven con pasión cada día. Son una cultura muy unida que construye relaciones sólidas más rápido que otras. Desde el nuevo compañero de trabajo hasta el tendero de la esquina. Se sienten impulsados a relacionarse estrechamente con los demás. El problema es que la mayoría de los sellos discográficos se han convertido en meros lanzadores y vendedores tradicionales de música. En América Latina, el negocio se rige por clichés y estereotipos, que utilizan modelos anticuados y no resuenan con la esencia latina cercana y los valores de los artistas modernos. Si bien somos latinos y tenemos cosas en común, cada país es diferente y a veces apelar por una cultura latina visual o estética puede ser difícil sin caer en la obviedad o los estereotipos. Si lo pensamos bien, la relación entre los artistas y sus fans es una de las más puras, desinteresadas y estrechas que existen... pero tradicionalmente no es una relación “cara a cara”. La calidez y la cercanía de la cultura latina pueden ser el mejor aliado.

12mil nace como un sello discográfico con raíces latinas y una visión global, que busca aprovechar el fenómeno actual de música latina, pero sin caer en estereotipos o clichés. Una marca que debía poder resonar con la cultura latina, sin profundizar en ningún país específico. Una nueva empresa de música latina que ofrece conexiones holísticas entre artistas y superfans. Conectándolos en la misma realidad sin un pedestal y creando experiencias innovadoras que ponen a los fans en primer lugar y les ofrecen más que música. Se trataba de posicionar a 12mil como el sello de música latina que potencia y fomenta los lazos tradicionalmente latinos pero esta vez estrechos entre los artistas latinos y sus fans. Equilibramos una marca que se debía sentir global pero con aspectos latinos poco obvios como una paleta de color inspirada en el trabajo del arquitecto Luis Barragán y tipografías tomadas del cotidianidad latina para expresar ese espíritu latino. Tomamos como inspiración logos de antiguos sellos discográficos para crear un logo que nos habla de una nostalgia del pasado, pero resignificando y volviendo a las raíces de lo que un sello discográfico debería realmente hacer y es enfocarse en el talento y en los fans más allá de un negocio.

HYBE Music es la empresa discográfica coreana más relevante hoy en día y uno de los primeros arquitectos que pavimentaron el camino para el fenómeno de K-pop a nivel global. Su visión se basa en crear superfans más que oyentes y en generar experiencias inmersivas más allá de la música y en fortalecer la relación de fans con sus artistas favoritos, de una manera cercana e íntima. Con esta visión buscaban capitalizar los mismos aprendizajes en el mercado latino y fue así como nació 12mil Music, un sello discográfico que busca poner a sonar el talento latino en todo el mundo.

Los latinos se han caracterizado por su pasión por la vida y por todo lo que hacen. En la música esta pasión es más evidente que en otros aspectos. Con fans fieles y enérgicos que no sólo sienten la música... sino que la viven con pasión cada día. Son una cultura muy unida que construye relaciones sólidas más rápido que otras. Desde el nuevo compañero de trabajo hasta el tendero de la esquina. Se sienten impulsados a relacionarse estrechamente con los demás. El problema es que la mayoría de los sellos discográficos se han convertido en meros lanzadores y vendedores tradicionales de música. En América Latina, el negocio se rige por clichés y estereotipos, que utilizan modelos anticuados y no resuenan con la esencia latina cercana y los valores de los artistas modernos. Si bien somos latinos y tenemos cosas en común, cada país es diferente y a veces apelar por una cultura latina visual o estética puede ser difícil sin caer en la obviedad o los estereotipos. Si lo pensamos bien, la relación entre los artistas y sus fans es una de las más puras, desinteresadas y estrechas que existen... pero tradicionalmente no es una relación “cara a cara”. La calidez y la cercanía de la cultura latina pueden ser el mejor aliado.

12mil nace como un sello discográfico con raíces latinas y una visión global, que busca aprovechar el fenómeno actual de música latina, pero sin caer en estereotipos o clichés. Una marca que debía poder resonar con la cultura latina, sin profundizar en ningún país específico. Una nueva empresa de música latina que ofrece conexiones holísticas entre artistas y superfans. Conectándolos en la misma realidad sin un pedestal y creando experiencias innovadoras que ponen a los fans en primer lugar y les ofrecen más que música. Se trataba de posicionar a 12mil como el sello de música latina que potencia y fomenta los lazos tradicionalmente latinos pero esta vez estrechos entre los artistas latinos y sus fans. Equilibramos una marca que se debía sentir global pero con aspectos latinos poco obvios como una paleta de color inspirada en el trabajo del arquitecto Luis Barragán y tipografías tomadas del cotidianidad latina para expresar ese espíritu latino. Tomamos como inspiración logos de antiguos sellos discográficos para crear un logo que nos habla de una nostalgia del pasado, pero resignificando y volviendo a las raíces de lo que un sello discográfico debería realmente hacer y es enfocarse en el talento y en los fans más allá de un negocio.

HYBE Music es la empresa discográfica coreana más relevante hoy en día y uno de los primeros arquitectos que pavimentaron el camino para el fenómeno de K-pop a nivel global. Su visión se basa en crear superfans más que oyentes y en generar experiencias inmersivas más allá de la música y en fortalecer la relación de fans con sus artistas favoritos, de una manera cercana e íntima. Con esta visión buscaban capitalizar los mismos aprendizajes en el mercado latino y fue así como nació 12mil Music, un sello discográfico que busca poner a sonar el talento latino en todo el mundo.

Los latinos se han caracterizado por su pasión por la vida y por todo lo que hacen. En la música esta pasión es más evidente que en otros aspectos. Con fans fieles y enérgicos que no sólo sienten la música... sino que la viven con pasión cada día. Son una cultura muy unida que construye relaciones sólidas más rápido que otras. Desde el nuevo compañero de trabajo hasta el tendero de la esquina. Se sienten impulsados a relacionarse estrechamente con los demás. El problema es que la mayoría de los sellos discográficos se han convertido en meros lanzadores y vendedores tradicionales de música. En América Latina, el negocio se rige por clichés y estereotipos, que utilizan modelos anticuados y no resuenan con la esencia latina cercana y los valores de los artistas modernos. Si bien somos latinos y tenemos cosas en común, cada país es diferente y a veces apelar por una cultura latina visual o estética puede ser difícil sin caer en la obviedad o los estereotipos. Si lo pensamos bien, la relación entre los artistas y sus fans es una de las más puras, desinteresadas y estrechas que existen... pero tradicionalmente no es una relación “cara a cara”. La calidez y la cercanía de la cultura latina pueden ser el mejor aliado.

12mil nace como un sello discográfico con raíces latinas y una visión global, que busca aprovechar el fenómeno actual de música latina, pero sin caer en estereotipos o clichés. Una marca que debía poder resonar con la cultura latina, sin profundizar en ningún país específico. Una nueva empresa de música latina que ofrece conexiones holísticas entre artistas y superfans. Conectándolos en la misma realidad sin un pedestal y creando experiencias innovadoras que ponen a los fans en primer lugar y les ofrecen más que música. Se trataba de posicionar a 12mil como el sello de música latina que potencia y fomenta los lazos tradicionalmente latinos pero esta vez estrechos entre los artistas latinos y sus fans. Equilibramos una marca que se debía sentir global pero con aspectos latinos poco obvios como una paleta de color inspirada en el trabajo del arquitecto Luis Barragán y tipografías tomadas del cotidianidad latina para expresar ese espíritu latino. Tomamos como inspiración logos de antiguos sellos discográficos para crear un logo que nos habla de una nostalgia del pasado, pero resignificando y volviendo a las raíces de lo que un sello discográfico debería realmente hacer y es enfocarse en el talento y en los fans más allá de un negocio.

Tras 15 años de trayectoria, el Festival Internacional de Cine Al Este necesitaba una identidad visual renovada que trascendiera cada edición y consolidara su presencia a lo largo del año. Con este objetivo, el proceso de rebranding dotó al festival de un sistema visual flexible y sostenible, asegurando coherencia en su comunicación más allá del evento. La tipografía se convirtió en un eje clave, organizando la información de manera versátil en diversos formatos sin perder identidad. La combinación de fuentes con contrastes marcados aporta un carácter contemporáneo y cinematográfico, equilibrando celebración y trayectoria. Además, la reinterpretación del concepto de «quinceañero» se reflejó en una estética cromática que mantiene el reconocimiento del festival y proyecta su evolución futura. Con esta nueva identidad, Al Este refuerza su presencia en distintos espacios y audiencias, asegurando su crecimiento y relevancia.

Tras 15 años de trayectoria, Al Este precisaba una nueva identidad visual que trascendiera los afiches de cada edición y estableciera una presencia continua a lo largo del año. La falta de un sistema visual adaptable limitaba su reconocimiento fuera del período del festival y en interacciones con stakeholders y auspiciadores. Adicionalmente, con motivo de su edición de aniversario, el festival se propuso reinterpretar el concepto de «quinceañero» mediante un lenguaje visual contemporáneo, integrándolo sin perder su esencia cinematográfica y de exploración cultural.

Una identidad continua y adaptable: El proceso de rebranding ha dotado a Al Este de una identidad flexible y sostenible en el tiempo, consolidando un sistema visual adaptable que unifica su comunicación más allá de cada edición. Uno de los ejes clave del sistema es la tipografía, diseñada para aportar coherencia en distintos formatos bajo un solo lenguaje visual. Se ha establecido una estructura tipográfica versátil que permite jugar con jerarquías visuales sin perder identidad, generando conversación sobre imágenes, vídeos, piezas digitales e impresas. La combinación de fuentes con contrastes marcados aporta un carácter contemporáneo y cinematográfico, equilibrando celebración y trayectoria. El concepto de «quinceañero» se ha traducido en una estética cromática que mantiene el reconocimiento del festival mientras proyecta su evolución futura, asegurando su presencia en nuevos espacios y audiencias.

La identidad visual de Ayla Móveis tradujo la esencia de la marca en forma, color y tipografía. El objetivo principal fue crear una imagen sofisticada y atemporal que reflejara el posicionamiento premium de la empresa. Para ello, se desarrollaron elementos gráficos minimalistas con fuertes contrastes cromáticos. Un logotipo elegante y una paleta vibrante de naranja, negro y tonos neutros resaltan la exclusividad y funcionalidad de los productos. Cada detalle gráfico, incluidas las siluetas estilizadas de los muebles, fue diseñado para transmitir credibilidad y destacar la curaduría especializada de Ayla, dando como resultado una identidad visual clara, memorable e impactante que fortalece el valor y la presencia de la marca en el mercado.

Ayla Móveis surgió en un mercado altamente competitivo y saturado, donde la diferenciación es esencial. El objetivo del proyecto era crear una identidad visual que comunicara inmediatamente el compromiso de la empresa con la calidad, sofisticación y exclusividad. Los desafíos principales implicaban equilibrar un diseño minimalista con un fuerte impacto visual, destacar claramente la funcionalidad de los productos y reflejar el cuidado en la selección y curaduría. También era crucial atender la sensibilidad estética de los consumidores, ofreciendo una imagen atractiva, confiable y elegante, posicionando a Ayla como una marca líder y memorable dentro del segmento premium de muebles y decoración.

Ayla Móveis surgió en un mercado altamente competitivo y saturado, donde la diferenciación es esencial. El objetivo del proyecto era crear una identidad visual que comunicara inmediatamente el compromiso de la empresa con la calidad, sofisticación y exclusividad. Los desafíos principales implicaban equilibrar un diseño minimalista con un fuerte impacto visual, destacar claramente la funcionalidad de los productos y reflejar el cuidado en la selección y curaduría. También era crucial atender la sensibilidad estética de los consumidores, ofreciendo una imagen atractiva, confiable y elegante, posicionando a Ayla como una marca líder y memorable dentro del segmento premium de muebles y decoración.

Amador Produções es una productora de arte fundada por el educador y artista visual Antônio Amador, cuya investigación propone una reflexión crítica sobre el concepto de oficio en el ámbito de las artes, invitándonos a pensar en el rol del artista como trabajador y del trabajador como artista. La propuesta para la identidad visual busca rescatar ese lugar común del oficio, inspirándose en símbolos de marcas pre-digitales, muchas veces burocráticas, que idealizaban la precisión del símbolo como elemento sintetizador de toda una identidad. En este proceso, recuperamos esa estética y la insertamos en el contexto contemporáneo. La identidad visual de Amador Produções utiliza la forma ovalada para evocar globos de pensamiento, simbolizando el intercambio de ideas y el diálogo colaborativo. Este elemento conecta el concepto de oficio con una composición contemporánea, destacando el carácter participativo y reflexivo de la marca en el ámbito de la comunicación y la creación artística

La marca Amador Produções se inserta en un contexto cultural en el que el arte no se ve solo como una expresión estética, sino como un trabajo dentro de un sistema de producción más amplio. Fundada por un artista visual que reflexiona críticamente sobre el concepto de oficio, la marca propone una discusión sobre la valorización del trabajo artístico en el mercado y la autonomía del artista como trabajador. Esta propuesta surge en un momento de deconstrucción de las jerarquías tradicionales en las artes, especialmente respecto a la separación entre el artista y el "trabajo común", desafiando la lógica de la producción industrial y corporativa. Al considerar al artista como trabajador y al trabajador como artista, la marca responde a la mercantilización del arte y al estatus elevado del artista, proponiendo una visión más democrática en la que el arte se concibe como una práctica cotidiana y colaborativa. La estética de la marca, inspirada en símbolos pre-digitales y burocráticos, busca revalorizar una era pre-industrial del arte, asociada al oficio y la habilidad técnica, en lugar de la inspiración o el ego del creador. Este rescate de los símbolos de precisión dialoga con el deseo de recuperar un sentido de integridad y reflexión en el contexto contemporáneo de la producción artística, marcado por nuevas formas de consumo y circulación de ideas. El uso del elemento ovalado, que remite a globos de pensamiento, simboliza el diálogo y la colaboración, conceptos centrales en el trabajo colectivo en el arte contemporáneo. La marca se conecta con la idea de participación activa y intercambio de ideas, elementos clave de la cultura colaborativa y el trabajo artístico como práctica colectiva. Así, la identidad de Amador Producciones refleja la integración de los conceptos de participación, colaboración y una crítica a la jerarquía y especialización del trabajo artístico

La solución para el proyecto gráfico de la marca Amador Produções juega con la idea del símbolo de marca registrada para reflejar el concepto central de la marca: el oficio del artista en el contexto del arte. Al utilizar este símbolo, la marca crea una conexión ligera e irónica con la formalidad e institucionalización del trabajo artístico, sugiriendo que el artista es también un "trabajador" dentro del ámbito creativo. Este enfoque trae una reflexión crítica, manteniendo un tono accesible y relajado. Para actualizar y contextualizar esta idea, la identidad visual se estructura en torno al elemento ovalado, un recurso gráfico recurrente en el sistema visual. El ovalo hace referencia a los globos de pensamiento, una representación simbólica del diálogo y la interacción. De esta manera, la marca busca simular visualmente la idea de comunicación continua y abierta, esencial para el trabajo colaborativo y participativo que la marca promueve. El logotipo y los elementos gráficos, al combinar la estética tradicional asociada a la precisión del oficio con formas fluidas y contemporáneas, actualizan la propuesta para el contexto actual. La flexibilidad y la colaboración se transmiten a través del uso de formas dinámicas, mientras que el diálogo constante y el intercambio de ideas son reforzados visualmente. Así, Amador Producciones se posiciona como un espacio donde el trabajo artístico es colaborativo y crítico, al mismo tiempo que subraya la formalidad y jerarquía del ámbito artístico con un enfoque contemporáneo

Api es una marca de miel artesanal, enfocada en mantener las buenas prácticas ancestrales y sostenibles de cosecha, rindiendo un homenaje visual al “néctar de nuestra tierra”. El diseño se nutre de la magia del Estrecho de Angostura, donde la floración silvestre local da vida a una miel verdaderamente única. En cada elemento se busca diferenciar su carácter, la variación en el grosor de la tipografía busca evocar la irregularidad de la orilla del estrecho de angostura y los ángulos redondeados simulan la viscosidad de la miel . El isotipo es una interpretación de un apiario, construido a partir de las letras "A", "P" e "I", reforzando la conexión entre el nombre de la marca y su propósito. Con Api se busca redefinir lo que el mercado local concibe como miel.

El proyecto se crea con la idea de valorizar un producto que tradicionalmente es vendido a las orillas de las carreteras en envases reutilizados. Api Angostura trabaja directamente con los apicultores, mano a mano con el objetivo de brindarle oportunidades a esos trabajadores que en otras circunstancias no conseguirían, bajo un formato de fair trade. Ofreciédolo a mercados y en volúmenes a los que ellos no tendrían acceso. Uno de los desafíos que nos encontramos al desarrollar este proyecto fue el de poder transmitir el valor que se merece el producto, para buscar llamar la atención y aumentar la rotación en piso de venta, manteniendo siempre el carácter artesanal y sencillo del mismo. El mercado está inundado de mieles de producción masiva, donde no se respeta a las abejas y se rinde con siropes, muy económica y con envases comerciales comprados en plaza. Se necesitaba penetrar el mercado con un producto que es definitivamente distinto y se tiene que poder comunicar esa diferencia a primera vista.

Comenzamos por vectorizar distintas imágenes que realizamos de panales de abeja, con eso conseguimos una figura hexagonal que posteriormente imprimimos en 3D. Aprendimos con esto que los panales originalmente son cilíndricos pero que con el peso y la presión se convierten en hexagonales. Construimos el logotipo de cero, con la plantilla modificamos la estructura de la tipografía y redondeamos los ángulos con la idea de simular la viscosidad de la miel. La tipografía tiene distintos grosores que se van estrechando como la orilla del río Orinoco. Se buscó que el logotipo diera un carácter valioso al producto, sin mostrarlo inaccesible, con esto se consiguió una fórmula ganadora en donde se demuestra la tradición y ancestralidad detrás del proceso de producción de la miel y al mismo tiempo se muestra moderno y alcanzable. El isotipo es una interpretación de un apiario, construido a partir de las letras "A", "P" e "I", reforzando la conexión entre el nombre de la marca y su propósito.

Api Angostura es la primera miel venezolana con trazabilidad, transforma un producto históricamente vendido a las orillas de las carreteras en una marca con identidad y propósito. Su identidad coloca a la naturaleza en el centro de su narrativa, inspirada en el Estrecho de Angostura, donde es cosechada de flores silvestres endémicas, escasamente registradas. El branding redefine la categoría: el logotipo, presenta ángulos redondeados que evocan la viscosidad de la miel. Los colores, dominados por el morado del mastranto, rompe con el amarillo predominante del mercado. Ilustraciones surrealistas posicionan las flores como protagonistas, resaltando la conexión entre origen y producto. Api significa abeja, y en el Estrecho de Angostura, los apicultores cosechan en cada gota el néctar de su tierra. Cada frasco de Api Angostura es el resultado de un trabajo cuidadoso y lleno de respeto, donde la naturaleza y sus manos se unen para crear una miel realmente única

En Venezuela, la miel se ha comercializado históricamente sin trazabilidad, vendida en frascos reutilizados a las orillas de las carreteras, sin información sobre su origen o proceso de obtención. Api Angostura cambia esta realidad, convirtiéndose en una marca que garantiza la procedencia de cada gota. A diferencia de otras mieles en el mercado, trabaja mano a mano con apicultores de manera directa, sin tratar con intermediarios y bajo prácticas de fair trade, asegurando una trazabilidad real y condiciones justas para quienes la cosechan. Su identidad visual rompe con los códigos tradicionales del mercado. Mientras que el amarillo domina la categoría, Api Angostura adopta el morado del mastranto, una de las flores silvestres que crecen en la jungla a las orillas del Río Orinoco y que define las propiedades únicas de su miel. Más que un producto, Api Angostura es una reivindicación del oficio apícola y la biodiversidad venezolana, dando visibilidad a su proceso y al ecosistema del que proviene.

Para construir una marca con trazabilidad real y diferenciación en el mercado venezolano, en Api Angostura se desarrolló un sistema de identidad visual que comunica su origen y compromiso con la apicultura consciente. El isotipo es una interpretación de un apiario, construido a partir de las letras "A", "P" e "I", reforzando la conexión entre el nombre de la marca y su propósito. El logotipo, diseñado desde cero, se basa en una estructura hexagonal inspirada en los panales de abeja, con ángulos redondeados que evocan la viscosidad natural de la miel. La paleta cromática, dominada por el morado del mastranto, se aleja del amarillo predominante en la categoría y refuerza su vínculo con la flora del Estrecho de Angostura. La comunicación visual pone el énfasis en la naturaleza, con ilustraciones surrealistas de flores silvestres, posicionándolas como protagonistas, reflejando que es el ecosistema el verdadero artífice del producto. Además, la etiqueta del producto funciona como un sistema narrativo, donde los laterales cuentan la historia de la marca y la leyenda de la floración silvestre. Más allá de lo visual, el branding de Api Angostura refuerza su trazabilidad real, destacando su modelo de comercio justo y su impacto en la biodiversidad. Cada elemento del diseño contribuye a redefinir la percepción de la miel en Venezuela, elevándola a un producto con identidad, historia y propósito.

Propuesta de identidad corporativa para un concept store enfocado a la venta de mobiliario y diseño de objetos diseñado por el talentoso interiorista mexicano Andrés Gutiérrez. Nuestra propuesta toma como inspiración a Apolo, deidad ligada al arte, la belleza y el orden, representado también por un sol. Dentro de la filosofía de Fredrich Nietzche, Apolo o el Apolíneo es un concepto ligado a la belleza, el orden y el cosmos, con un diseño que remite al futurismo y la estética espacial (La Naranja Mecánica, Odisea 2001) y un personaje vinculándolo con la figura gráfica del sol, e interpretándolo de manera dinámica en ilustraciones a través de la marca, así como el disco solar representado de diferentes formas, logrando una marca dinámica y con movimiento. También se creó un alfabeto tipográfico a partir del logotipo para darle un espíritu joven y vibrante a la marca.

La idea central del cliente era crear una tienda única en su tipo, alejada de la estética de las clásicas tiendas de interiorismo y mobiliaria. Andrés nos compartió la idea central del proyecto que tomaba como referencia a la deidad grecorromana Apolo, así como un interiorismo inspirado en el trabajo del cineasta Stanley kubrick y el futurismo modernista,, pero sin caer con eso en el concepto retro de época. Con base a la propuesta de colorimetría e interiorismo de la tienda, propusimos crear una identidad dinámica y adaptable. La creación del personaje central de la marca, Apolo, fue acompañada con una investigación conceptual que nos mostro información valiosa a tomar en consideración: que Apolo Apolo estaba vinculado al sol, así como a la belleza, las artes y la estética, de ahí la definición del filósofo alemán Friedrich Nietzche sobre lo apolíneo como línea de pensamiento marcada por la búsqueda racional de un orden que delimite la belleza y el cosmos.

Con base a la investigación previamente descrita, elaboramos un isotipo o ícono dinámico para el personaje central de Apolo, así como una serie de ilustraciones para aplicarlas en distintas aplicaciones, tanto impresas (papelería) como de señalética interior de la tienda y digitales (comunicación en redes sociales, web). Se creó un alfabeto tipográfico completo a partir del logotipo central de la marca, inspirados en las formas del mobiliario de Andrés Gutiérrez, y se crearon distintas variables del isotipo central del sol como elemento gráfico central. Logramos crear una marca dinámica, joven, y colorida con una correcta interacción entre tipografía e ilustraciones , así como una marca que interactúa con el diseño desde la creación de personajes hasta la creación de todo un alfabeto tipográfico.

Arrebatos es una marca de patés inspirada en una receta familiar tradicional de Sinaloa, elaborada en las playas de la región. Su creación surge con el objetivo de compartir este alimento con el mundo, ya que hasta ahora era difícil encontrar este producto fuera de su zona de origen. Arrebatos ofrece un paté versátil, perfecto para disfrutar como tentempié, acompañar con pan crujiente o complementar una tabla de quesos y mariscos. Con la intención de ampliar su alcance, la marca se posiciona en supermercados y en sus secciones gourmet, convirtiéndose en la opción ideal para quienes buscan un bocado sofisticado con el auténtico sabor del mar. Además, Arrebatos se distingue por ser un producto responsable, orgánico y de alta calidad, que respeta y preserva la tradición.

En la región de Sinaloa, el paté forma parte de la tradición gastronómica local y se ha comercializado históricamente como un producto regional, sin aspiraciones de llegar a un mercado más amplio. Esta concepción ha llevado a que el producto se perciba como algo modesto y poco sofisticado. Arrebatos propone transformar esta imagen, reposicionando el paté como un producto de alta calidad que, sin renunciar a sus orígenes tradicionales, se proyecta hacia un segmento premium a nivel nacional. La marca busca redefinir el concepto del paté, combinando la autenticidad de una receta familiar con una visión moderna e innovadora. Con esta estrategia, Arrebatos se posiciona como una propuesta exclusiva y refinada, ofreciendo una experiencia culinaria distintiva para aquellos consumidores que valoran tanto la calidad como la originalidad.

Bajo el concepto “Sumergirse en el sabor”, se desarrolló una identidad gráfica que destaca la complejidad de los sabores y texturas marinas del paté, con el objetivo de posicionarlo en el segmento gourmet. La estrategia visual se fundamenta en un logotipo inspirado en los rótulos tradicionales de carretas y puestos de comida callejera en Sinaloa, que comunica de forma elegante la herencia cultural del producto. Este logotipo se complementa con una tipografía sans serif de corte geométrico, aportando modernidad y claridad a la comunicación visual. El ícono, derivado de la letra “t” del logotipo, se reinterpreta como la silueta de un barco en perspectiva, simbolizando el proceso de pesca y la búsqueda de ingredientes marinos. En conjunto, esta solución gráfica integra elementos tradicionales reinterpretados de forma moderna, alineándose con los objetivos de calidad y diferenciación de la marca y posicionando el paté como una experiencia gourmet única que redefine la cocina marina.

El aguardiente en Colombia es una bebida alcohólica hecha a partir de fermentación de la caña de azúcar y durante siglos ha unido tanto a ricos como pobres y ha hecho parte de los momentos más representativos de los colombianos. Por mucho tiempo ha sido un trago barato y sin muchas pretensiones a cargo de las diferentes gobernaciones de cada departamento del país y en donde cada uno le da su sello característico. Por muchos años por leyes retrogradas y monopolísticas, eran las gobernaciones las únicas que podían dentro de sus territorios producir y vender esta bebida que nos pertenece a todos los colombianos, pero esto ha venido cambiando con el tiempo y ha abierto nuevas oportunidades a empresarios y emprendedores para resignificar la historia de esta bebida en el país. Gracias a esto nace Arrebol, un aguardiente de montaña y premium que busca elevar la experiencia.

Nuestra relación con el alcohol evoluciona a medida que envejecemos. Se convierte en una relación de descubrimiento en donde sobresale el sabor, las experiencias y la calidad. Nos alejamos de categorías como el aguardiente por buscar experiencias premium, artesanales o de menos “descontrol”. Y durante muchos años en Colombia vimos a otros países como inspiración y nos convencimos de que solo afuera estaba lo mejor. Con el tiempo esto ha cambiado… Cada vez más estamos creyendo en lo nuestro: nuestra comida, nuestra tierra, nuestra gente y nuestra bebidas. Estamos dejando de ver afuera, para encontrar lo que nos mueve adentro con orgullo, Incluso, a nivel de bebidas alcohólicas estamos teniendo un despertar de lo local y el aguardiente es de los pocos símbolos nacionales cohesivos y transversales a nivel de todo el país. Alejarnos de él, nunca debería ser una opción. Ni por la edad, ni por el tiempo ni por la distancia.

La propiedad de objetos era el punto de entrada definitorio del lujo y lo premium. Una experiencia claramente material, donde el énfasis era "tener", pero el verdadero lujo moderno ya no es lo material, es el tiempo propio, el comfort y el descanso. Hoy en día nuevos parámetros han comenzado a definir lo premium como la artesanía, el carácter distintivo y los orígenes, por encima del maximalismo y el lujo desbordado en logos grandes y la sobre ornamentación innecesaria a nivel visual. Precisamente eso buscamos con Arrebol, crear una marca premium en una categoría que tradicionalmente ha sido considerada barata y con poco gusto, para tomar elementos colombianos tradicionales como sus historias y tradiciones para soportar la promesa de marca premium. Una marca refinada y sutíl que utiliza la mula como protagonista del empaque y celebra este animal que durante siglos ha cargado, no solo la palma de donde proviene el aguardiente, sino ha cimentado las bases y transportado el progreso del campo de todo un país. Creamos una marca cargada de la simbología y el misticismo característico de las montañas y los campos colombianos, que actuan como despensa de todo el país y lo celebramos como un homenaja y una ofrenda la montaña al cielo. Desde un nombre que apela a el rojo intenso que se vive en los atardeceres y que son característicos de San José de Pare, el pueblo en Colombia de donde sale la caña de azúcar, hasta un universo de marca simbólico y fantasioso que se inspira en el realismo mágico colombiano para resignificar la bebida que durante siglos ha definido los mejores momentos en Colombia y siempre alrededor de un aguardiente.

El aguardiente en Colombia es una bebida alcohólica hecha a partir de fermentación de la caña de azúcar y durante siglos ha unido tanto a ricos como pobres y ha hecho parte de los momentos más representativos de los colombianos. Por mucho tiempo ha sido un trago barato y sin muchas pretensiones a cargo de las diferentes gobernaciones de cada departamento del país y en donde cada uno le da su sello característico. Por muchos años por leyes retrogradas y monopolísticas, eran las gobernaciones las únicas que podían dentro de sus territorios producir y vender esta bebida que nos pertenece a todos los colombianos, pero esto ha venido cambiando con el tiempo y ha abierto nuevas oportunidades a empresarios y emprendedores para resignificar la historia de esta bebida en el país. Gracias a esto nace Arrebol, un aguardiente de montaña y premium que busca elevar la experiencia.

Nuestra relación con el alcohol evoluciona a medida que envejecemos. Se convierte en una relación de descubrimiento en donde sobresale el sabor, las experiencias y la calidad. Nos alejamos de categorías como el aguardiente por buscar experiencias premium, artesanales o de menos “descontrol”. Y durante muchos años en Colombia vimos a otros países como inspiración y nos convencimos de que solo afuera estaba lo mejor. Con el tiempo esto ha cambiado… Cada vez más estamos creyendo en lo nuestro: nuestra comida, nuestra tierra, nuestra gente y nuestra bebidas. Estamos dejando de ver afuera, para encontrar lo que nos mueve adentro con orgullo, Incluso, a nivel de bebidas alcohólicas estamos teniendo un despertar de lo local y el aguardiente es de los pocos símbolos nacionales cohesivos y transversales a nivel de todo el país. Alejarnos de él, nunca debería ser una opción. Ni por la edad, ni por el tiempo ni por la distancia.

La propiedad de objetos era el punto de entrada definitorio del lujo y lo premium. Una experiencia claramente material, donde el énfasis era "tener", pero el verdadero lujo moderno ya no es lo material, es el tiempo propio, el comfort y el descanso. Hoy en día nuevos parámetros han comenzado a definir lo premium como la artesanía, el carácter distintivo y los orígenes, por encima del maximalismo y el lujo desbordado en logos grandes y la sobre ornamentación innecesaria a nivel visual. Precisamente eso buscamos con Arrebol, crear una marca premium en una categoría que tradicionalmente ha sido considerada barata y con poco gusto, para tomar elementos colombianos tradicionales como sus historias y tradiciones para soportar la promesa de marca premium. Una marca refinada y sutíl que utiliza la mula como protagonista del empaque y celebra este animal que durante siglos ha cargado, no solo la palma de donde proviene el aguardiente, sino ha cimentado las bases y transportado el progreso del campo de todo un país. Creamos una marca cargada de la simbología y el misticismo característico de las montañas y los campos colombianos, que actuan como despensa de todo el país y lo celebramos como un homenaja y una ofrenda la montaña al cielo. Desde un nombre que apela a el rojo intenso que se vive en los atardeceres y que son característicos de San José de Pare, el pueblo en Colombia de donde sale la caña de azúcar, hasta un universo de marca simbólico y fantasioso que se inspira en el realismo mágico colombiano para resignificar la bebida que durante siglos ha definido los mejores momentos en Colombia y siempre alrededor de un aguardiente.

BALPARAISO es una marca de moda masculina de lujo que fusiona la sofisticación del prêt-à-porter con la autenticidad del streetwear, siempre en diálogo con la herencia latinoamericana. Fundada por dos hermanos gemelos que transformaron su viaje de constancia y ambición en una celebración cultural, la marca actúa como un comentario visual que explora las intersecciones entre la historia personal, las raíces latinoamericanas y la cultura global, evocando los paraísos que inspiran a sus creadores. Su propuesta es una invitación permanente a los individuos a expresar su versión más honesta y sobre todo, honrar sus historias personales, recordando que, como el sol, latinoamérica brilla y es el verdadero PARAISO. 'BALPA' se posiciona como sinónimo de optimismo, ambición y celebración cultural latina, ofreciendo una nueva perspectiva de cara al mundo. Latinoamérica es surreal y por eso la marca tiene una dosis constante de ese 'realismo mágico' en su fiesta visual.

BALPARAISO nace para desafiar la narrativa dominante en la moda masculina de lujo, históricamente influenciada por Europa y Norteamérica, ofreciendo una visión auténtica y contemporánea del lujo latinoamericano. En un mercado globalizado donde la identidad latina suele interpretarse de manera superficial, la marca busca redefinir su presencia con un enfoque que fusiona la sofisticación del prêt-à-porter con la autenticidad del streetwear. ¿Cómo ser interesantes desde lo visual, usando el género narrativo latinoamericano sin caer en elementos obvios? Luchamos por no replicar, por encontrar voz y estilo en nuestra cotidianidad latina. Existimos para que de México a Ushuaia, todos puedan decir en Milan, 'SOY LATINO', con el orgullo y la potencia que nunca debió opacarse. El principal desafío ha sido equilibrar tradición y modernidad sin caer en clichés, logrando una ejecución impecable en diseño y comunicación. En un sector altamente competitivo, BALPARAISO apuesta por una identidad visual fuerte, una dirección artística diferenciadora y una narrativa poderosa que inspira resiliencia y orgullo cultural. Con recursos limitados pero una visión clara, la marca pretende posicionarse como un referente del lujo urbano latinoamericano, construyendo una propuesta que celebra la herencia de la región mientras proyecta una imagen global y vanguardista.

Estratégicamente, narrativa y diseño visual crean un universo propio, auténtico, intersectando lujo, cultura y modernidad. Inspirada SIEMPRE en la riqueza latinoamericana, la marca presenta un punto medio entre el prêt-à-porter y streetwear, generando un constante diálogo y tension visual entre tradición e innovación que alimentan los esfuerzos visuales. A nivel narrativo, BALPARAISO se construye como un comentario visual, evocando lugares, memorias e historias de superación, y adopta una estética aspiracional, con un tono inspirador, sofisticado y cercano, que celebra la ambición y el orgullo cultural sin recurrir a estereotipos ni elementos sobreusados en el mundo de la moda. Por eso tipográficamente, nos alejamos de lo SANS para el logo y elegimos una SERIF con mucha clase pero en armonía con las necesidades actuales de una marca de moda, de nuevo, esa interacción entre herencia y contemporaneidad. La exploración gráfica incorpora patrones y texturas sutiles, evitando el folclore y resaltando la esencia latinoamericana de forma refinada. La dirección fotográfica lleva en si la idea de equilibrar lo editorial y lo documental, generando imágenes evocadoras. El símbolo de la marca evoca una mariposa, símbolo colombiano y homenaje directo a García Márquez, recordatorio de que esta marca nace en Colombia. Representa también la diversidad latinoamericana y ha sido construida a partir de la inicial (B) del apellido de sus fundadores y de la marca misma, en ella se entrelazan sus elementos casi que aleatoriamente, simbolizando esa improvisación mágica de esta parte del mundo. En su indumentaria más gráfica, hemos incorporado ilustraciones a la medida que celebran la década en la que nacieron sus fundadores, un recordatorio constante del origen y una celebración de esos momentos que llevaron a sus fundadores a ser quienes son. Idea que quiere replicarse en la mente y el corazón de cada usuario.

Banquete es una identidad visual creada para un colectivo de música electrónica de Belo Horizonte que ocupa la ciudad con fiestas y manifestaciones culturales, principalmente para la comunidad LGBT. La identidad rompe con los códigos visuales tradicionales del género, alejándose de las estéticas oscuras y futuristas, y explorando un concepto único: la idea del banquete. Inspirada en la comida y las cantinas populares, su estética es vibrante, divertida y apetitosa, reflejando el espíritu acogedor y festivo del evento. El proyecto incluye el desarrollo del nombre, logotipo y lenguaje visual, consolidando la comunicación y la atmósfera de la fiesta. Más que una identidad, Banquete es una experiencia sensorial que despierta el deseo por la música y la celebración, reforzando el propósito del colectivo: resignificar los espacios urbanos a través del baile, la cultura y la ocupación da cidade.

En Belo Horizonte, la escena de fiestas electrónicas ya existía, pero Banquete nació con la intención de diferenciarse y ofrecer una nueva perspectiva. Más que solo un evento, el colectivo buscaba crear un espacio inclusivo, vibrante y accesible, donde la música electrónica no estuviera limitada por estéticas oscuras o códigos visuales convencionales. La fiesta debía invitar a todos a "sentarse a la mesa", en un sentido figurado, y disfrutar sin barreras. Para lograrlo, la identidad visual se convirtió en un pilar fundamental. Su desafío era construir una imagen que no solo comunicara la personalidad irreverente y diversa de la fiesta, sino que también reflejara la versatilidad del coletivo. La identidad debía ser memorable, fácilmente reconocible y capaz de atraer diferentes públicos. Banquete necesitaba un universo gráfico que rompiera con los estándares y se convirtiera en un símbolo de celebración dentro de la ciudad.

Para resolver esta necesidad, el enfoque fue desarrollar una identidad visual que transformara el concepto de un “banquete” en una invitación gráfica abierta y acogedora. En lugar de seguir los códigos tradicionales de la música electrónica —basados en visuales oscuros y minimalistas—, se creó una estética vibrante y divertida, inspirada en la cultura gastronómica y en las cantinas populares. El desarrollo incluyó la creación del nombre, logotipo, tipografía y paleta cromática, consolidando una identidad llena de humor y personalidad. Se diseñó una comunicación gráfica adaptable, permitiendo que la fiesta tuviera una presencia visual fuerte y coherente en diferentes plataformas. Esta estrategia garantizó que la identidad no solo fuera un reflejo de la música y de la atmósfera del evento, sino también un elemento clave para su reconocimiento y consolidación en la escena cultural de Belo Horizonte.

En 2023, Natura&Co enfrentó un desafío transformador: expandir su alcance más allá de los productos e ingresar al universo de los servicios de belleza. Así nació Bluma, una marca creada para redefinir el autocuidado en medio de rutinas aceleradas, haciéndolo más accesible para los clientes y más rentable para los profesionales de la plataforma. El objetivo era desarrollar una identidad visual acogedora y cercana, que transmitiera practicidad con mucha belleza y bienestar. La frescura de los colores refuerza esta sensación, mientras que las fotografías destacan los servicios y las ilustraciones orgánicas capturan la dinámica del día a día, mostrando a clientes combinando momentos de cuidado con otras actividades. Para unir todo, los grafismos inspirados en el propio nombre aportan el toque final, creando una identidad que no solo comunica, sino que abraza, inspira y revitaliza.

En un mundo donde la inmediatez domina la rutina, el autocuidado suele quedar en segundo plano. Bluma surge como una respuesta a esta tensión cotidiana, desafiando la idea de que "todo es urgente, menos nosotros". Concebida como una solución innovadora dentro del universo de la belleza, la marca transforma el acceso a servicios de bienestar, haciéndolos más prácticos, accesibles y seguros para una audiencia cada vez más exigente y conectada. La oportunidad estratégica de Bluma para Natura&Co era multifacética: podía integrarse como un servicio de la marca, convertirse en una identidad independiente o hasta expandir nuevas frentes de negocio dentro del grupo. No solo se trataba de ofrecer un servicio de belleza, sino de redefinir su acceso y experiencia. En lugar de que las personas tuvieran que buscar el momento adecuado para el cuidado personal, Bluma lleva esa oportunidad hasta ellas, permitiendo que la belleza y el bienestar se adapten a sus tiempos y estilos de vida. El gran desafío era ampliar su alcance más allá de los grandes centros urbanos y generar confianza para que más personas abrieran sus puertas a la propuesta. Con un posicionamiento joven, acogedor y contemporáneo, la marca se estructura en torno a la fluidez y la facilidad de acceso. Apuesta por una narrativa donde el tiempo se convierte en aliado, promoviendo la posibilidad real de incorporar el autocuidado sin fricciones a la rutina diaria. Bluma representa una evolución en la industria de la belleza, subvirtiendo la lógica convencional de los salones tradicionales y brindando una experiencia que se adapta a las necesidades de los clientes. Es una marca que no solo ofrece servicios, sino que cambia la forma en que las personas perciben y viven el bienestar en su día a día.

La identidad de Bluma equilibra ligereza, fluidez y acogimiento. En el logotipo, tenemos dos conceptos importantes: el espacio negativo de la letra “B” es un pétalo – evocando el significado del nombre y la idea de florecer –, y la conexión entre las letras “U” y “N” simboliza la unión entre clientes y profesionales, Natura y Bluma. La tipografía fluida añade un gesto humano, capturando el dinamismo del día a día con elegancia y suavidad. La identidad se despliega en un sistema gráfico versátil. Los pétalos se multiplican en elementos gráficos florales y composiciones más simples para expresar ideas como equilibrio y tiempo. Los pétalos crean bases para la aplicación de textos, fotografías e ilustraciones, conectando todos los elementos visuales de manera consistente y flexible. La fotografía destaca la excelencia de los servicios, transmitiendo confianza y claridad en la oferta. Las ilustraciones, con trazos ondulados y orgánicos, añaden un toque humano, esencial para un servicio que comienza en la experiencia digital, pero se concretiza en el encuentro entre las personas. La iconografía, inspirada en la fluidez del logotipo y la ilustración, garantiza consistencia visual en toda la comunicación. La paleta de colores equilibra frescura y acogimiento: el naranja establece un vínculo con Natura, el verde esmeralda y el crema transmiten sofisticación y confort, y los tonos de morado añaden frescura y conexión con la belleza y el bienestar. El resultado es una identidad fluida y humana, elegida de forma unánime por el público en investigaciones, y cuya aceptación se refleja en el crecimiento acelerado y la expansión de la marca después de su lanzamiento.

Bobby Sabe una marca que manda con el Corazón. Cuando nuestro cliente nos propuso crear una marca de hamburguesas disruptiva, supimos que el desafío iba más allá de simplemente destacar: queríamos redefinir el concepto mismo de lo convencional. El objetivo era claro: construir una identidad profundamente auténtica, vibrante y llena de alma. Creamos el nombre para un lugar de hamburguesas que quería romper con las marcas convencional en la ciudad de Arequipa - Perú . Inspirados en las jergas populares peruanas , donde “bobo/ Bobby” hace referencia al corazón y “sabe” que hace referencia al más vivo, al más sabio. Este nombre fortalece la identidad de la marca que combina , picardía, rebeldía y pasión.

Nuestro cliente nos propuso crear una marca de hamburguesas disruptiva en una ciudad convencional y conservadora, supimos que el desafío iba más allá de simplemente destacar. Queríamos redefinir el concepto de hacer las cosas con pasión y destacar por eso. Y que las personas pudieran hacerla la marca suya y jugar con el lenguaje que se generaba a partir del nombre. Ademas que se vuelvan una marca símbolo de la rebeldía. Así nació Bobby Sabe, una marca con una alta sensibilidad y un espíritu creativo que desafía las reglas. Imaginamos un concepto que no solo celebra el arte culinario, sino que lo combina con empatía y pasión.

Comenzamos por entender a fondo la visión de la marca alineada a lo disruptivo, creatividad y el arte, para poder conectar con un publico joven y apasionado por la cultura. 
Diseñamos el nombre Bobby Sabe, una expresión cargada de significado que conecta el “corazón” con la experiencia gastronómica, evocando autenticidad y emociones profundas. Este concepto se complementa con un personaje único que encapsula el espíritu de la marca: fresco , pícaro y rebelde, pero también sabio. Cada detalle , desde la identidad visual hasta el storytelling y el lenguaje se diseño para reflejar la filosofía de romper esquemas y celebrar la creatividad.

Bobby Sabe una marca que manda con el Corazón. Cuando nuestro cliente nos propuso crear una marca de hamburguesas disruptiva, supimos que el desafío iba más allá de simplemente destacar: queríamos redefinir el concepto mismo de lo convencional. El objetivo era claro: construir una identidad profundamente auténtica, vibrante y llena de alma. Bobby Sabe es una marca de hamburguesas en la ciudad de Arequipa - Perú que busca inspirar y fomentar una revolución cultural que invite a salir de lo establecido y probar comida común de una manera diferente. Desde el nombre, el personaje y los elementos de identidad buscamos crear una experiencia fresca y memorable.

El proyecto nació de la necesidad de una nueva hamburguesería en Arequipa, Perú una ciudad saturada de marcas convencionales y con un público muy tradicional. El cliente buscaba una identidad que rompiera esquemas y transmitiera su afinidad con la rebeldía, picardía y frescura, con el objetivo de conectar con un publico joven, inquieto y amante de experiencias únicas. El desafío era múltiple, desarrollar una narrativa autentica que reflejara los valores de la marca y diseñar una marca que integrara el aspecto emocional. A esto se sumo la necesidad de crear un nombre memorable y un sistema visual que refleje ese espíritu rebelde.Transmitir una identidad vibrante y conectar emocionalmente.

Partimos de entender profundamente las aspiraciones del cliente, su deseo de romper esquemas y su compromiso con la creatividad culinaria.

Creamos el nombre Bobby Sabe, una expresión que conecta emocionalmente con el público al asociar el “corazón” con la pasión por la comida. Este concepto fue el eje central para construir un personaje que representara los valores de la marca: fresco, rebelde, pícaro y sabio. En términos de diseño, adoptamos un enfoque disruptivo, integrando un nombre audaz y un lenguaje autentico. Cada decisión fue guiada por el deseo de destacar y de conectar con un público que busca autenticidad y emoción en cada experiencia. El resultado fue una marca que no solo cumple con las expectativas del cliente, sino que redefine las reglas del sector, posicionándose como un referente de creatividad y expresión cultural en Arequipa - Perú.

BALMA FILMS™ es una empresa de producción creativa de alto rendimiento que opera como una red de talentos independientes en el ámbito audiovisual. Su propósito es conectar directores, productores visuales y artistas en un entorno colaborativo donde la creatividad y la innovación son esenciales. La identidad visual de BALMA™ nace de la fusión entre expresión y forma, traduciendo el dinamismo y la pluralidad que definen a la productora. Como una red de talentos creativos, BALMA™ se estructura en la colaboración entre distintos profesionales del sector, creando un ecosistema donde la diversidad no es solo un valor, sino un elemento esencial en la construcción narrativa.

En el panorama audiovisual contemporáneo, la identidad de las producciones a menudo se diluye en estándares visuales genéricos y soluciones de diseño convencionales. La necesidad de diferenciación y autenticidad se vuelve fundamental para las productoras que buscan destacar sus narrativas y talentos. BALMA FILMS™ surge como respuesta a este desafío, creando un entorno donde la identidad visual es una extensión del propio lenguaje creativo. Diseñada para estar en constante movimiento, BALMA™ es una marca viva y dinámica. Su sistema visual resuena con la voz de los directores y artistas que forman parte de la productora, asegurando que cada proyecto tenga una expresión única y auténtica. La flexibilidad y sistematización de la identidad visual permiten que BALMA™ se transforme continuamente sin perder su esencia. Este modelo garantiza una marca consistente, que evoluciona con sus producciones y refleja la diversidad creativa de sus talentos, consolidándose como un espacio de libertad e innovación visual.

Para reflejar su identidad creativa y diversa, BALMA FILMS™ implementó un sistema visual que convierte su comunicación textual en gráficos dinámicos y propietarios, convirtiendo la identidad en una extensión de la voz de sus creadores. Cada director, con una mirada única y un enfoque autoral, recibe una firma gráfica propia, un código visual que traduce su lenguaje y estilo. De esta manera, la productora se establece como un organismo vivo, en el que cada proyecto, artista y producción añade nuevas capas de significado a su universo visual. Este enfoque no solo refuerza la diversidad creativa, sino que también define un sistema visual flexible y altamente distintivo. En lugar de un diseño estático y uniforme, la identidad se adapta, evoluciona y responde al flujo de las narrativas y los talentos que conforman la productora. El resultado es una estética viva que materializa el concepto de voz creativa en elementos gráficos dinámicos, generando un impacto visual que no solo comunica, sino que resuena. Así, BALMA™ no solo celebra la creatividad, sino que la amplifica, la transforma y la imprime en su propio lenguaje visual. La identidad visual también se trasladó al sitio web, manteniendo la coherencia de la marca. Los parámetros visuales se adaptaron al entorno digital de forma fluida, garantizando que la experiencia online reflejara directamente la identidad ya establecida. Visita: https://balmafilms.com/pt/inicio

Blah Blah es mucho más que una cafetería en Monterrey; es un espacio que responde a la creciente necesidad de las nuevas generaciones de encontrar lugares donde conectar, relajarse y formar parte de una comunidad. Con una propuesta omnicanal, el concepto fusiona música, comida y café bajo un mismo techo, manteniendo una comunicación divertida y cercana que refuerza su identidad. Desde su naming hasta el diseño del espacio y las activaciones de marca, cada elemento está pensado para hacer sentir a cada visitante parte de algo más grande. Blah Blah se ha convertido en el punto de encuentro favorito para estudiantes, creativos y coffee lovers, creando una atmósfera en la que las personas pueden disfrutar de momentos compartidos y experiencias únicas. Más que un café, Blah Blah es un ecosistema de comunidad y cultura.

Monterrey está evolucionando. Mientras las nuevas generaciones buscan experiencias que les den algo más que un producto, las cafeterías tradicionales siguen operando bajo un modelo transaccional. Blah Blah es una respuesta a esa desconexión. Un refugio en medio del caos urbano, un espacio donde el café es solo el pretexto para crear comunidad. El reto no era solo diseñar un lugar estético, sino construir un ecosistema de marca que trascendiera lo físico. Un proyecto donde el ambiente, la comunicación y las experiencias digitales crearan una identidad omnicanal. Porque hoy, una marca no es lo que dice de sí misma, sino lo que la gente dice de ella.

Arctic Fever desarrolló un concepto omnicanal y envolvente. El naming y tono de comunicación, como Glu Glu y Nom Nom, no solo hablan de lo que se ofrece, sino que crean un lenguaje propio que refuerza el sentido de comunidad. Cada visita es una experiencia, desde el diseño del espacio hasta las activaciones de marca y todas sus ilustraciones creadas por nuestro equipo, todo está alineado con la idea de hacer sentir a los clientes parte de algo mayor. La integración de este concepto en la web, redes sociales y en el propio ambiente físico asegura que Blah Blah se mantenga coherente, sin importar dónde se entre en contacto con la marca. Además, se crearon activaciones como workshops y eventos de música en vivo, transformando el café en un lugar de encuentro cultural y social. Con una propuesta que fomenta el sentido de pertenencia, Blah Blah ha logrado conectar con su comunidad, consolidándose como un espacio único en Monterrey.

Bocanada Studio es un estudio de producción creativa con sede en México y EE.UU., especializado en animación 2D/3D, postproducción y VFX. Inspirado en la energía innovadora de la música y la pasión por contar historias auténticas, el estudio necesitaba una identidad visual que reflejara su enfoque audaz, accesible y sofisticado. Para cumplir con esta necesidad, se desarrolló una identidad versátil y expresiva, combinando una tipografía impactante, variaciones dinámicas del logotipo y elementos gráficos inspirados en el universo digital y el entretenimiento. La flexibilidad del sistema permite que la marca se adapte a diferentes formatos y plataformas, fortaleciendo su presencia en el mercado. Con un equilibrio entre lo editorial y lo desenfadado, la identidad traduce la esencia de Bocanada: creatividad fresca y atractiva, que conecta marcas y audiencias sin caer en lo convencional.

Bocanada Studio nació de la necesidad de redefinir el papel del contenido publicitario, creando narrativas que cautivan al público sin resultar invasivas. El estudio cree que la publicidad no necesita interrumpir, sino conectar, ofreciendo experiencias visuales impactantes y estratégicamente diseñadas. El principal desafío era desarrollar una identidad que reflejara esta propuesta: sofisticada pero accesible; atrevida pero profesional. Además, como estudio de animación, Bocanada necesitaba una marca que pudiera adaptarse a diferentes formatos, incluyendo aplicaciones 3D y entornos digitales dinámicos. Inspirada en el diseño contemporáneo y la estética vibrante de la cultura urbana, la identidad visual debía capturar esta esencia de forma auténtica, evitando lo predecible.

La identidad visual de Bocanada Studio fue diseñada para ser flexible e impactante, combinando elementos editoriales con un toque de irreverencia. La base del diseño está en una tipografía bold y modular, que permite diferentes composiciones y aplicaciones, creando una identidad dinámica y reconocible. Además, el sistema visual incluye un logotipo fuerte y versátil, acompañado de una colección de stickers personalizados que amplifican la expresión de la marca. Estos elementos gráficos aportan dinamismo y permiten variaciones creativas sin comprometer la identidad principal. Elementos en 3D, como teclas de teclado y texturas animadas, refuerzan la conexión con el universo digital y la experiencia del estudio en animación. La combinación de un diseño editorial sólido, stickers vibrantes y una paleta dinámica transmite la personalidad única de Bocanada: un estudio que celebra la creatividad como motor impulsor y transforma cada proyecto en una experiencia visual memorable.

BARRIONUEVO es una nueva marca inmobiliaria creada para evolucionar junto a la vida en la ciudad, fomentando a las personas que formen comunidades. Inspirada en la transformación de los barrios y la diversidad de quienes los habitan, busca ofrecer espacios que combinan lo clásico con lo moderno, promoviendo la convivencia y el sentido de pertenencia. El objetivo principal fue desarrollar una identidad de marca cercana, vibrante e inclusiva, que conecte con las nuevas generaciones. Para lograrlo, se creó un lenguaje visual auténtico y dinámico, acompañado de una identidad gráfica que refleja la esencia del barrio. Además, se definieron valores como la colaboración y la inclusión, asegurando que cada mensaje refuerce su propósito: construir espacios donde la vida urbana se sienta como un hogar. Barrionuevo no solo ofrece viviendas, sino que impulsa la evolución de los barrios a través de sus habitantes. ¡Hagamos barrio!

En los últimos años, Lima ha experimentado una transformación urbana y social significativa. Las nuevas generaciones tienen una mentalidad más abierta y colaborativa, adoptando tendencias globales y redefiniendo la forma en que habitan la ciudad. Sin embargo, muchas inmobiliarias siguen comunicándose de manera impersonal y homogénea, sin considerar la diversidad y el sentido de comunidad que buscan los nuevos residentes. Barrionuevo nace para responder a esta realidad, proponiendo una marca inmobiliaria inclusiva y cercana, que entiende la evolución de los barrios y promueve la convivencia. El desafío principal fue desarrollar una identidad auténtica y atractiva que conecte con personas que buscan más que solo un departamento: quieren pertenecer a un barrio vivo. Para lograrlo, se creó un lenguaje visual y verbal alineado con la identidad barrial, reforzando valores como la colaboración y la diversidad. Así, Barrionuevo impulsa un modelo inmobiliario que pone a las personas en el centro de la experiencia urbana.

Se diseñó una identidad visual y verbal que captura la esencia del barrio, combinando elementos clásicos con una estética moderna y vibrante. Se creó un sistema gráfico dinámico inspirado en el movimiento de la ciudad, junto con un tono de comunicación amigable y entusiasta que refuerza la idea de personas formando comunidades. El naming Barrionuevo nace con la intención de generar cercanía, evocando la manera en que se llama a un amigo del barrio o del colegio por su apellido. Esta elección busca transmitir una sensación de amistad, buena onda y confianza. Se desarrollaron contenidos y mensajes que resaltan la diversidad y colaboración dentro de los barrios, conectando con las nuevas generaciones a través de experiencias digitales y físicas. Se busca inspirar a las personas a construir nuevos barrios: inclusivos, modernos, pero con tradición. El resultado es una marca inmobiliaria que no solo ofrece espacios para vivir, sino que impulsa la creación de comunidad. Barrionuevo no solo vende departamentos, sino que crea barrios.

El Canadian Film Centre (CFC) es una institución líder dedicada a fomentar y desarrollar el talento cinematográfico, televisivo y de medios digitales de Canadá. Fundada en 1988 por el icónico cineasta Norman Jewison, la CFC ha desempeñado un papel fundamental en la configuración de la industria del entretenimiento canadiense.

La actualización de su marca tenía que alinearse mejor con su renovado enfoque en la innovación y la relevancia dentro del panorama del entretenimiento canadiense.

La marca actualizada presenta una identidad visual audaz que enfatiza el compromiso de CFC de traspasar los límites en la narración. El nuevo logotipo refleja inclusión al acoger las diversas voces y perspectivas dentro de la comunidad CFC. Esta marca renovada se extiende a varias plataformas, incluidas presentaciones digitales, carteles, material de oficina y redes sociales, para representar mejor la misión y los valores de la CFC.

El Café Girondino, ícono de São Paulo desde 1875, es el primer café de la ciudad y un refugio de memoria y tradición. Su cierre temporal conmovió a la comunidad, y su reapertura destacó la necesidad de una identidad visual que honrara su rica historia. El proyecto comenzó con una recuperación tipográfica inspirada en la señalización histórica del café y en la arquitectura Art Déco de los alrededores. El núcleo de la identidad es una tipografía personalizada que, con elegancia, encapsula su legado, reinterpretando su historia. La nueva identidad visual equilibra tradición y modernidad, incorporando la repetición, esencial en el ritual del café. Además de la tipografía, los elementos gráficos y los tonos frescos rejuvenecen la marca, preservando su herencia y garantizando su relevancia en el escenario digital. Esta iniciativa protege la esencia del Café Girondino, asegurando que su legado perdure para las futuras generaciones.

La historia del café y de la ciudad de São Paulo están profundamente entrelazadas. Desde la fundación de la ciudad, el café ha impulsado la economía y transformado el paisaje urbano. Fundado en 1875, el Café Girondino fue el primero de la ciudad y sigue siendo un hito cultural en el centro histórico. Más que un establecimiento, se ha convertido en un símbolo de la vida paulistana, un punto de encuentro que ha resistido el paso de generaciones. El breve cierre del Café Girondino puso de manifiesto su importancia: el público exigió su regreso, dejando claro que su valor trasciende lo comercial — es una memoria colectiva, un espacio de afectos y pertenencia. Sin embargo, revitalizar una marca con tal herencia presenta un desafío: ¿cómo preservar su identidad sin atraparla en el pasado? El proyecto demandó un enfoque detallado sobre los códigos visuales existentes, distinguiendo aquellos que celebran la tradición de los que perpetúan símbolos obsoletos. En este proceso, surgió una verdad: más que la estética, lo que perdura son las historias contadas en su interior, los encuentros diarios, la conexión inquebrantable con el corazón de la ciudad. El Café Girondino es un puente entre el pasado y el presente de São Paulo. Su identidad debía reflejar este papel, honrando su trayectoria sin caer en la nostalgia. El legado se construye a través de la repetición—en el ritual del café, en la permanencia de una fachada, en el flujo continuo de la ciudad. La nueva identidad no es solo un rediseño, sino un reconocimiento: de lugar, historia y continuidad.

El rebranding de Café Girondino se construyó a partir de un elemento esencial de su historia: la tipografía. El desarrollo de una fuente personalizada se convirtió en el punto central del proyecto, conectando la identidad arquitectónica y cultural del café con su expresión visual. Inspirada en el Art Déco, la tipografía evoca los arcos del Monasterio de São Bento y la elegante geometría de la señalización histórica pintada a mano, preservando el carácter artesanal y atemporal del lugar. Más que un ejercicio estético, la nueva identidad tipográfica revive memorias. La tipografía, como herramienta gráfica, tiene el poder de dar voz al texto y contar historias, y en Café Girondino, cada letra lleva consigo el peso de su tradición. Esta recuperación tipográfica honra el pasado y, al mismo tiempo, prepara la marca para el futuro. La repetición, presente tanto en la construcción tipográfica como en los rituales diarios del café, fue un concepto clave para el proyecto. Sellos visuales, composiciones modulares y una estructura visual coherente refuerzan esta idea, asegurando que la marca preserve su esencia sin perder relevancia. Al integrar esta memoria visual en un sistema contemporáneo, el nuevo diseño renueva el Café Girondino sin borrar su historia. Colores frescos y soluciones objetivas reemplazan la atmósfera cerrada y melancólica, inyectando ligereza y vitalidad. El resultado es una identidad que no solo refleja la trayectoria del café, sino que la mantiene viva para las futuras generaciones.

“Cença” es la abreviatura de “com licença” (“permiso” en español), una forma coloquial de pedir pasaje. Así se llama un pizza bar de la región central de Curitiba (capital de Paraná, Brasil) que se especializa en pizza romana, un estilo de masa alta y cortes cuadrados. El logo adopta una solución tipográfica donde las letras disminuyen como si alguien estuviera hablando al pasar. Con variaciones, las letras se acercan, se alejan, suben y bajan en un juego de escala y movimiento. Un conjunto variado de elementos amplía la identidad visual, con la marca constantemente pidiendo pasaje entre la multitud. Más que identificar el negocio, este logotipo inicia una narrativa de marca divertida y propia sobre movimientos y encuentros.

Cença es un pizza bar de la región central de Curitiba (capital de Paraná, Brasil) que se especializa en pizza romana, un estilo de masa alta y cortes cuadrados. El emprendimiento nació para ser un ambiente acogedor y relajado, con un servicio eficiente, para que los jóvenes pudieran reunirse. El nombre simula en forma escrita una expresión coloquial que dicen los brasileños al pedir para pasaje, una abreviatura de “com licença” (“permiso” en español). El diseño del logotipo tuvo el desafío de presentar el nombre, además de ser el punto central de la identidad visual del negocio que iniciaba su operación. Además, la identidad no debería limitarse al producto. La investigación creativa inicial dio como resultado el concepto “movimientos y encuentros”, que hace la conexión del nombre con la practicidad del servicio, el ambiente acogedor, la diversidad del público y la socialización que se produce en el espacio.

La solución tipográfica del logotipo realza el nombre de ortografía inusual. Las letras disminuyen como si alguien hablara al pasar. En las variaciones, las letras se acercan, se alejan, suben y bajan en un juego de escala y movimiento. Las formas rectangulares tienen inspiración urbana y recuerdan la forma de las pizzas que se sirven. Versátil, el logo funciona solo y forma patrones. También se aplica entre ilustraciones y con una colección de saetas en múltiples estilos. Da lugar al paisaje tipográfico donde fuentes de diferentes estilos se encuentran. Los recursos gráficos amplían los movimientos y encuentros, con la marca pidiendo constantemente paso entre la multitud. El logo busca conectar con el público sugiriendo un servicio dinámico y un ambiente relajado. Más que identificar la empresa, el logo explora la semántica del nombre para iniciar una narrativa de marca divertida y propia.

A partir de este rebranding, el restaurante Chicha, creado por el chef Gastón Acurio, se reconstituye como una plataforma que promueve y celebra la diversidad de la gastronomía tradicional regional peruana y sobre todo, celebra la chicha. Esta evolución surge de nuestra investigación profunda que nos permitió redefinir su esencia, identidad, comunicación y espacio. Más que un restaurante, Chicha es una invitación a explorar los sabores auténticos de cada región, sus ingredientes, cocineros, recetas y recintos, reflejando la historia viva de la gastronomía regional. En la región de Arequipa - donde Chicha abre su primera "embajada", destaca el trabajo de las picanteras; cocineras tradicionales que preservan y transmiten sus conocimientos culinarios de generación en generación. Cada detalle ha sido concebido para conectar pasado y presente, proyectando la gastronomía regional peruana hacia nuevas fronteras a través de un hilo conductor: la chicha.

La chicha es una de las bebidas más representativas del Perú, con más de 2000 años de historia. Desde la época prehispánica, tuvo un carácter religioso, espiritual y medicinal. El maíz era un ingrediente importante en la alimentación y definía el estatus de la zona donde crecía, ya que el Inca decidía dónde podría sembrarse. En la época virreinal surgen las chicherías o tabernas donde se expendía la chicha, bebida elaborada mediante la fermentación del maíz. Inicialmente consumida solo por la población nativa, gradualmente mestizos, criollos y españoles también la adoptaron. Con el tiempo, las chicherías evolucionaron a picanterías, lugares donde no solo se servía chicha, sino también platos tradicionales que la usaban como ingrediente principal. En estos espacios se mezclaban diferentes clases sociales, generando tertulias que enriquecían el desarrollo cultural y gastronómico. La chicha presenta variaciones en colores, sabores y nombres según los ingredientes utilizados. En Arequipa se le conoce como "chicha de guiñapo", caracterizada por su distintivo color morado que la diferencia de otras regionales. Actualmente, esta bebida sigue siendo símbolo de la identidad gastronómica peruana. La filosofía de Gastón Acurio busca preservar los ingredientes tradicionales de cada región, fomentando el turismo receptivo. Su objetivo es atraer visitantes a los lugares donde se elaboran estos platillos, recintos emblemáticos llenos de historia, para que descubran la riqueza gastronómica en su entorno original. El restaurante Chicha honra el nombre de este solemne brebaje, cuya riqueza histórica no se transmitía adecuadamente. Por eso, traemos todo este legado a la mesa, celebrando y dando a conocer su historia.

El rebranding integró todos los aspectos de la chicha y su historia, construyendo una narrativa auténtica que honra la tradición desde una mirada contemporánea. Las vasijas para fermentación y consumo de la chicha, fueron documentadas en visitas museográficas y recreadas por alfareros, para ser incorporadas al interiorismo. Estas piezas adornan paredes como cuadros o se exhiben en andamios, impregnando cada ambiente de chicha; nuestro hilo conductor en el storytelling de la marca. La variedad cromática de la chicha según el maíz utilizado inspiró nuestra paleta de colores. El logotipo fue creado artesanalmente con la propia chicha, registrado fotográficamente y pulido mediante IA para replicar su fluidez característica. Esta naturaleza también se refleja en los mandiles, donde la chicha parece vertida sobre ellos, reforzando la identidad visual. Todos estos elementos se integraron en una estética de archivo histórico, con coherencia conceptual. Provincia realizó una dirección creativa que va más allá del branding, abarca desde el ADN hasta la estrategia de comunicación y también el interiorismo. A partir de una exhausta investigación, dialogando con picanteras e historiadores, el ADN de la marca evolucionó hacia una nueva esencia: "Celebremos ____ con Chicha" (frase adaptable). El concepto impregna cada rincón: interiorismo, gráfica y comunicación. Ahora Chicha se convierte en storyteller, conectando viajeros y locales a través de una historia contundente y sabores regionales. Para el lanzamiento, se organizó una celebración con la estética museográfica desarrollada, reconociendo el valor histórico de la chicha en la cocina regional. El evento homenajeó a las picanteras; guardianas de la tradición. Este rebranding no sólo renovó la imagen del restaurante, sino que profundizó su compromiso con el patrimonio gastronómico, transformando Chicha en un espacio donde pasado y presente dialogan a través de la chicha, de sabores, colores y texturas que narran historias de identidad peruana.

El proyecto de branding para Claustro nace con la misión de capturar la esencia de un espacio histórico y transformarla en una identidad visual y conceptual que honre su legado. A través de un concepto que equilibra historia y modernidad, se desarrolló un universo de marca que evoca la solemnidad del monasterio sin perder cercanía. Para lograrlo, se definieron valores clave, una narrativa inspirada en la figura del sacristán y una propuesta visual que respeta la arquitectura original, integrando elementos de diseño atemporal. La identidad de Claustro trasciende lo gastronómico para integrarse de manera natural al Monasterio de Santa Catalina, proyectándolo como un símbolo vivo de la historia y la cultura de Arequipa.

El Monasterio de Santa Catalina, fundado en 1580, es uno de los más grandes y emblemáticos de Latinoamérica. Se trata de una ciudadela en la ciudad de Arequipa, con calles angostas, plazas, fuentes y celdas donde vivieron generaciones de monjas en clausura. Su arquitectura, de influencias tanto andinas como coloniales, lo convierte en un testimonio único de la historia peruana. Durante más de dos décadas, el restaurante "La Trattoria del Monasterio" operó aquí. Sin embargo, a pesar de su ubicación privilegiada, su identidad no lograba capturar la profundidad histórica del lugar, pues su propuesta visual y conceptual permanecía desconectada del contexto que lo rodeaba. Para abordar esta desconexión, evolucionó y adoptó el nombre de "Claustro". Este cambio no fue sólo nominal, sino que representó una transformación integral en su identidad de marca y propuesta culinaria. El objetivo principal fue crear una experiencia que respetara y amplificara el legado del monasterio, integrando su historia y arquitectura en cada aspecto del restaurante. Un aspecto clave en esta renovación fue la figura del sacristán, cuya antigua vivienda dentro del monasterio ahora alberga el restaurante. Él, encargado de la custodia de objetos sagrados y del mantenimiento del templo, representa la devoción y el servicio silencioso, valores claves en la nueva identidad. Este homenaje refuerza la conexión del restaurante con la vida monástica y su historia. Los desafíos de esta transformación incluyeron desarrollar una identidad de marca que dialogara armoniosamente con la esencia y el carácter imponente del espacio histórico. El proyecto se centró en convertir a "Claustro" en una extensión natural del recorrido del monasterio, enriqueciendo la experiencia de visitantes y locales. Hoy, “Claustro” es un espacio donde la tradición y la modernidad convergen, ofreciendo una experiencia culinaria que celebra la esencia de la cocina arequipeña en un entorno cargado de historia y significado.

La clave fue el respeto y la admiración por el espacio. En lugar de imponer una visión externa, el equipo recorrió cada rincón del monasterio, observando su arquitectura, su luz, sus texturas y detalles que cuentan siglos de historia. Se tomaron fotografías y se estudiaron los elementos gráficos presentes en el lugar para comprender su esencia y su relación con el restaurante. A partir de esta inmersión, nació la identidad visual de Claustro, con una tipografía inspirada en los escritos y grabados históricos del monasterio, logrando así una conexión auténtica entre la marca y su entorno. La iconografía evoca espacios, lugares y pinturas del monasterio, reforzando su vínculo con la historia y la estética del lugar. Más que un restaurante, Claustro se diseñó como una extensión natural del espacio, rindiendo tributo al sacristán, al silencio y a la ceremonia de cada detalle. Su logotipo proviene específicamente de la tipografía tallada en las paredes del monasterio, reafirmando su raíz histórica y conceptual. Además, el uniforme del personal está inspirado en las vestimentas católicas, evocando la sobriedad y la elegancia de la vida monástica. Claustro no solo alimenta el cuerpo, sino el espíritu, convirtiéndose en una parada ineludible para quienes buscan no solo conocer Arequipa, sino sentirla.

Después de una trayectoria de 15 años, llena de éxito y con proyectos en varios países, Sala de Arquitectura (ahora Colorau) nos buscó para, juntos, descubrir el verdadero sentimiento de la marca. Tici y Nana, fundadoras del estudio, son vibrantes y llenas de energía. Eso se refleja en sus proyectos a través de los colores y el "sazón" que ponen en todo lo que hacen. Vimos una empresa emocionada por el cambio y por lo nuevo. En este proceso, reposicionamos la marca con un enfoque en proyectos corporativos, alentamos a la empresa a adoptar un tono de voz abierto y alegre, en sintonía con su equipo, realizamos el naming, rebranding, UI/UX y la curaduría del portafolio.

Siempre iniciamos un proyecto con la mente abierta, sin predefinir soluciones antes de entender el problema. Sabemos que branding es eso, pero muchas veces lo que el cliente percibe como problema, no lo es. En este caso, las clientas querían mejorar su presentación y su marca. Dos puntos nos marcaron: la pasión de ellas por los proyectos corporativos, que según ellas tienen más potencial creativo, y la energía del equipo, reflejada en la brasilidad, los colores y la alegría de los proyectos, pero no en la identidad visual, que era gris y sin intensidad. La neutralidad de la marca venía del miedo a desviarse del estándar y de no transmitir confianza.

En este proyecto, reposicionamos Sala de Arquitectura, dejando atrás los proyectos residenciales para enfocarse en el ámbito corporativo. El nombre se transformó en "Colorau", inspirado en el condimento brasileño que agrega color y vida sin cambiar el sabor, simbolizando la capacidad del estudio de dar personalidades únicas a cada proyecto. Los materiales gráficos, casi sin impresión, priorizaron relieves y texturas en papeles de colores, transmitiendo la esencia de la arquitectura a través de las piezas gráficas. Para el relanzamiento de la marca, realizamos la curaduría del portafolio, fotografiamos nuevos proyectos y creamos un sitio web fluido que mezcla emociones, imágenes e interacción, apilando páginas como capas de papel en una navegación interesante y sencilla. Cuando trabajamos en el reposicionamiento de marcas, entendemos que, en ciertos momentos, es necesario un quiebre total. A veces, es preciso dejar atrás el pasado y abrir un abanico de posibilidades para el futuro. Al soltar lo que ya se había hecho, permitimos que las clientas reflexionaran sobre lo que realmente desean para el futuro. El trabajo de branding consiste en dar a las personas y empresas la confianza para ser quienes realmente son y expresar eso de la mejor manera en el mercado. Un año después del rebranding, la marca se consolidó en el nicho corporativo, conquistando nuevos proyectos de gran impacto urbano y social. La identidad visual y verbal renació, dejando atrás el gris y adoptando colores vibrantes, simbolizando este nuevo momento de la empresa.

Crash Crash Buns es un food truck de smash burgers en San Diego que mezcla la nostalgia de los 90 con una actitud rebelde y sin pretensiones. Inspirado en el skate y la cultura urbana, su identidad es enérgica, llamativa y cruda. Más allá del sabor, lo que realmente define a Crash Crash Buns es su estilo sin filtros. Desde su estética hasta la forma en que hace hamburguesas, todo en la marca es directo, audaz y lleno de carácter. Su propuesta combina calidad y una gráfica atrevida, creando una identidad que se siente tan potente como el aplastado de su hamburguesa.

En San Diego, la escena de los food trucks y la comida rápida está saturada de opciones genéricas que repiten la misma fórmula sin identidad propia. Crash Crash Buns nació para romper con lo establecido, fusionando la tradición de la smash burger con la crudeza de la cultura callejera y la estética de los 90’s y early 00’s. No es solo un food truck, es una extensión de la calle. Su identidad bebe del skate, el grafiti y la cultura urbana, reflejándose desde su estética hasta la manera en que se aplasta cada burger en la plancha. Aquí, todo tiene actitud y cada hamburguesa lleva impreso el sello de una marca que no sigue reglas, las impone.

La identidad de Crash Crash Buns captura la esencia de un food truck con actitud, vibrante y arraigado en la cultura urbana. Su imagen es auténtica y sin artificios, integrándose de forma natural en su entorno sin perder la conexión con la estética clásica de las hamburgueserías. La paleta de colores se basa en los tonos icónicos del mundo de las hamburguesas, con el rojo como protagonista. No solo comunica de inmediato la naturaleza del food truck, sino que también genera un impacto visual potente, diseñado para atraer a un público joven. La tipografía SF Pro Rounded refuerza la identidad con sus formas redondeadas, evocando la apetitosidad y la textura de los panecillos y hamburguesas. Su tratamiento gráfico refleja la esencia de la marca, transmitiendo dinamismo y contundencia con una estética que conecta directamente con el producto. Las ilustraciones, inspiradas en la estética del skate de los 90’s y early 00’s, son un guiño directo a la comunidad urbana que rodea el food truck. Con un estilo travieso, rebelde y nostálgico, refuerzan la conexión con su público y hacen que la identidad sea instantáneamente reconocible. Cada elemento gráfico, desde el logotipo hasta la composición de sus layouts, transmite movimiento y energía. Crash Crash Buns no es solo un food truck, es una hamburguesería sobre ruedas que vive al ritmo de la ciudad y su gente.

Curioso es ese espíritu inquieto que invita a aprender, descubrir y sumergirse en nuevas ideas y experiencias. Es la chispa que impulsa a cuestionar lo conocido, explorar lo inesperado y buscar más allá de lo evidente. Esta actitud abre puertas a horizontes frescos, invita a experimentar y a abrazar nuevas perspectivas. El proyecto Curioso se materializa en un pop-up dentro del showroom de mobiliario CACAO, un espacio diseñado para estimular los sentidos y la creatividad. Imagina disfrutar de una cálida taza de café mientras interactúas con el sofá modular Tocayo, descubriendo todas las posibilidades que ofrece en su diseño versátil. Es más que un momento; es una experiencia donde diseño, confort y curiosidad se encuentran, inspirándote a explorar y jugar con nuevas formas de habitar los espacios.

Uno de los primeros retos fue bautizar la marca como "Curioso", ya que esta palabra no siempre es percibida de forma positiva en México. Sin embargo, el objetivo fue darle un giro creativo y atractivo, integrándola al showroom de mobiliario CACAO como un elemento que inspire originalidad y conexión. El público objetivo se centró en quienes ya han adquirido o conocen los muebles de CACAO, aprovechando esa afinidad existente. El proyecto se diseñó con la intención de transformar la percepción de "Curioso" en algo vibrante y cautivador para la comunidad creativa. Para ello, se fusionaron diversas disciplinas: diseño integral, arquitectura, mobiliario y branding. Esta sinergia permite explorar cada área y crear un entorno donde todas ellas coexisten de manera armoniosa y significativa.

La solución del proyecto se basó en potenciar la curiosidad como eje central, utilizando texturas que ofrecieran un pequeño adelanto visual sin revelar todo de inmediato. Se exploraron formas irregulares y se introdujeron colores fuera de la paleta tradicional de la marca, pero cuidadosamente seleccionados para complementarla y abrir nuevas posibilidades en futuros proyectos. Se creó un alter ego para CACAO, una herramienta clave para expresar ese lado audaz y atrevido que encarna la curiosidad. Este enfoque permitió romper con los límites establecidos en la gráfica previa de la marca, logrando un cambio significativo pero funcional. El resultado fue un proyecto innovador que resonó positivamente durante su tiempo en el pop-up, dejando una impresión duradera.

Dorean es un restaurante ubicado en Tijuana, Baja California, inspirado en la cultura persa. Su concepto ofrece un viaje que mezcla el pasado y el presente, con un espacio único para saborear distintas épocas. La identidad de Dorean es vibrante y llena de personalidad, destacando elementos que reflejan su carácter distintivo. El logotipo es imponente y de estilo bold, pero con detalles delicados que equilibran su fuerza visual. Se crearon ilustraciones basadas en la cultura persa, las cuales se aplicaron en diversas piezas del restaurante para enriquecer la marca. La paleta de colores seleccionada es contrastante y audaz, buscando transmitir una sensación de riqueza visual. Además, como parte del concepto creativo, se desarrollaron frases que acompañan las piezas del restaurante, aportando una narrativa coherente y atractiva a la experiencia del cliente.

El proyecto necesitaba estar inspirado visualmente en la cultura persa, que fuera exuberante y sofisticado al mismo tiempo y que lograra destacar entre la oferta culinaria de la ciudad de Tijuana.

El concepto para DOREAN es la mezcla del pasado con el presente para traducir esta idea se tomaron referencias visuales de la cultura persa y se desarrollaron una serie de elementos gráficos con un estilo contemporáneo adornados con toques en dorado para mantener el equilibrio entre lo exuberante y lo contemporáneo. El logotipo es sofisticado y bold al mismo tiempo y la paleta de colores seleccionada otorga una riqueza visual importante a la marca.

Domo es un servicio de delivery de sushi en Curitiba con una identidad visual moderna y acogedora, que transmite la experiencia de saborear un sushi de calidad en la comodidad del hogar.

The project was born from the challenge of selling a high-quality product while also having strong visual appeal: Japanese food for delivery. The owners sought a visual identity that would immediately spark the desire to purchase, captivating customers at first sight. Additionally, entering a market with a widely standardized aesthetic presented another challenge: maintaining the essence of an Asian food delivery service without losing originality. The goal was to create a fresh and stylish identity that would attract a modern, connected audience. The project’s main idea is to provide such an engaging experience that customers don’t feel the need to leave home to enjoy something beautiful and sophisticated—they can have that experience delivered right to their doorstep.

Para alcanzar el resultado de Domo, se realizaron inmersiones con el cliente, analizando su posicionamiento, intercambiando referencias visuales y estudiando al público objetivo. El lenguaje verbal se desarrolló para ser joven y auténtico, destacando la frescura y calidad de los productos. Visualmente, la identidad combina un logotipo con formas suaves y amigables, una paleta de colores inspirada en los ingredientes del sushi: naranja (salmón), magenta (atún), negro (nori) y crema (gohan), y ilustraciones exclusivas. Así, Domo se posiciona como una marca contemporánea, accesible y conectada con su público.

Elppa es una nueva marca de sidra lanzada por AB Inbev en Corea, desarrollada en colaboración con GUT Design. Está elaborada con una manzana por lata y sin ingredientes artificiales, ofreciendo un sabor crujiente y natural. La marca tiene como objetivo revolucionar el mercado coreano de la sidra, actualmente dominado por el soju y la cerveza, ofreciendo una alternativa premium. El lema de Elppa, ""Dale la vuelta a tu día"", enfatiza la experiencia refrescante y transformadora de disfrutar la sidra. GUT Design fue responsable de desarrollar todos los aspectos de la marca, desde el nombre y el logotipo hasta el empaque y la campaña de lanzamiento. El resultado es una marca vibrante y atractiva que está lista para captar la atención de los consumidores coreanos.

El mercado coreano de bebidas alcohólicas está dominado por el soju y la cerveza, con la sidra ocupando un nicho relativamente pequeño. AB Inbev identificó una oportunidad para revitalizar la categoría de la sidra introduciendo un producto premium que atrajera a un público más amplio. El desafío era doble: primero, superar la percepción de la sidra como excesivamente dulce o artificial. Segundo, crear una marca que resonara con los consumidores coreanos que valoran la autenticidad y la calidad. Elppa aborda estos desafíos centrándose en sus ingredientes simples y naturales: una manzana por lata. El nombre de la marca, ""Elppa"", refuerza esta simplicidad invirtiendo juguetonamente la palabra ""Apple"" (manzana en inglés). El diseño limpio y moderno del empaque comunica aún más la calidad premium del producto. El lema ""Dale la vuelta a tu día"" posiciona a Elppa como un escape refrescante de la rutina diaria. Este mensaje resuena con los consumidores coreanos que buscan cada vez más productos que ofrezcan momentos de relajación y rejuvenecimiento. Al combinar un producto de alta calidad con una historia de marca convincente y un diseño distintivo, Elppa tiene como objetivo revolucionar el mercado coreano de la sidra y capturar una mayor cuota del panorama de las bebidas alcohólicas.

Estrategia de marca: Posicionamiento: Elppa se posiciona como una sidra premium, enfatizando el uso de ingredientes simples y naturales y su sabor auténtico y de alta calidad. Nombre e identidad de marca: “Elppa” (manzana al revés) resalta de forma lúdica el ingrediente principal y su pureza. La identidad visual utiliza una estética limpia y moderna. El lema: “Cambia tu día” captura la experiencia refrescante y transformadora de disfrutar una sidra Elppa. Desarrollo de productos: Formulación: Elppa utiliza un puré por lata, con fruta real y sin ingredientes artificiales, ofreciendo un sabor crujiente y natural. Embalaje: El elegante diseño de la lata presenta colores llamativos y tipografía clara, enfatizando el nombre de la marca y su mensaje clave. Comunicación: Campaña de lanzamiento: una campaña multicanal utilizará publicidad digital, redes sociales y publicidad exterior para generar conciencia y fomentar la prueba del producto. Actividades: Eventos y experiencias inmersivas darán vida al concepto “Turn Your Day Around”, permitiendo a los consumidores interactuar con la marca. Este enfoque integrado, que combina un producto de alta calidad con una historia de marca convincente y una comunicación impactante, tiene como objetivo revolucionar el mercado de la sidra coreana y establecer a Elppa como líder de la categoría. Y todos los elementos de diseño mencionados anteriormente siguen el concepto de “Turn Your Day Around”, como el comportamiento del líquido, por lo tanto…

Kablamo, uno de los principales gigantes de la tecnología en Australia necesitaba lanzar al mercado su Design Studio a través de una marca totalmente nueva y refrescante; con un objetivo claro: que sea capaz de irrumpir en el mercado sintiéndose familiar a la marca Kablamo mas no como un derivado suyo. Así nació Freddie, un Studio de diseño joven, irreverente y con una actitud descaradamente intrépida para crear sistemas, productos y servicios digitales que giran en torno al human-centered design. Con el objetivo claro, y luego de un largo proceso de investigación y estrategia, descubrimos que el equipo de Freddie buscaba una identidad altamente reconocible e irruptiva con la que puedan sentirse representados. Algo único, distintivo y propio, como una firma. Por ello, desarrollamos una identidad que incluye un logotipo hecho a mano, con trazos geométricos y un estilo rock and roll para unificar esa identidad única de Freddie.

Freddie representaba el segundo reto creativo que Kablamo nos plantea luego de un exitoso diseño de marca para uno de sus productos estrella (Firestory) por lo que la vara se presentaba aún más alta y con una nueva variable: hacer branding para un público principalmente interno pero de una cultura australiana; nueva y ajena a nuestros orígenes latinos. Con un brief claramente enfocado en la creación de una identidad disruptiva para entrar al mercado dando un golpe de autoridad, el cliente buscaba crear una marca joven, irreverente y con una actitud descaradamente intrépida para crear sistemas, productos y servicios digitales que giran en torno al human-centered design en donde el principal reto que se enfrentó, era el diseñar para diseñadores. Luego de un extenso proceso de investigación comprendido por entrevistas 1-on-1 y focus groups, entendimos que el objetivo número 1 del equipo, era sentirse identificados con una marca que los represente a nivel visual, y que, a nivel verbal, hable como ellos para así destacar, de forma genuina en el mercado australiano. All ser este mercado muy competitivo y variado, se requería de una ejecución llamativa pero que salga del molde -casi estereotípico- de cómo debía verse la marca de un Studio. Al ser parte de una empresa del tamaño de Kablamo, Freddie tenía la oportunidad -y también la ventaja- de atreverse a proponer algo nuevo. Finalmente, al contar con recursos óptimos como tiempo y presupuesto, el proyecto tuvo la oportunidad de desarrollarse sin apuros, asegurándonos de que cada paso que dábamos, era el correcto siempre trabajando de la mano del equipo que conformaba Freddie.

Para el desarrollo de la marca de Freddie, adoptamos un enfoque colaborativo, convirtiendo al equipo del estudio en parte activa del proceso creativo. A través de sus inputs e insights, diseñamos propuestas visuales que potenciaron sus ideas, trazando caminos creativos que respondían al brief con precisión y autenticidad. Desde el inicio, teníamos una premisa clara: crear una marca tan única como irreverente. Con el rock and roll como inspiración, desarrollamos un logotipo irreverente, joven y prolijo que transmite seguridad y atención al detalle. Este proceso incluyó innumerables bocetos, refinados para perfeccionar el grosor y la dirección de cada trazo, asegurando que cada línea estuviera cargada de intención y fuerza. Inspirados por marcas icónicas como Fender y Milwaukee, adoptamos una inclinación tipográfica que acentuara el carácter irreverente y enérgico de Freddie. La colorimetría fue otro pilar clave: después de múltiples iteraciones y pruebas de legibilidad, seleccionamos una paleta que no solo evocaba emociones, sino que también cumplía con estándares de accesibilidad para su ecosistema digital. Para las aplicaciones de marca y las piezas colaterales, trabajamos con una diagramación atemporal, limpia y directa que mantiene su esencia digital para que el logotipo de Freddie pueda resaltar. Asimismo, utilizamos la forma de los trazos del logo como un patrón abstracto de marca. Es importante mencionar también al astronauta: la personificación de Freddie ilustrado en diferentes estilos para mostrar la versatilidad de la marca y hacerla aún más humana. Trabajar mano a mano con el equipo de Freddie, nos permitió garantizar una marca que representara su esencia y personalidad. El resultado es una identidad única, altamente estética y diseñada con un nivel de detalle que no pasó desapercibido. En junio de 2023, el prestigioso medio español Gráffica destacó a Freddie en su artículo “5 proyectos de lettering aplicado al diseño de marcas”.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, el marketplace más grande del mundo. Unificando su ecosistema global y transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

Google Play es el marketplace más grande del mundo, con una oferta inigualable de aplicaciones, juegos y entretenimiento. Sin embargo, en un contexto donde los consumidores tienen más opciones que nunca, la marca no lograba comunicar el motivo para elegir “Play”: se percibía como pasiva, desconectada y meramente transaccional. Necesitábamos demostrar que Google Play era más que una tienda (súper grande), que podía ayudarte a jugar.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, unificando su ecosistema global en todas sus propiedades y formas de interacción con los usuarios. Transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Gira y rota, ayudando a los usuarios a abrirse camino entre un mar de aplicaciones para llegar directamente a lo que aman. El movimiento introduce nuevas perspectivas y dimensiones, complementadas por un conjunto diverso de formas secundarias, tipografía flexible y una paleta de colores adaptable a nivel global, manteniendo siempre la esencia de Play. Esa energía también se refleja en una voz que invita a todos a jugar a su manera. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, el marketplace más grande del mundo. Unificando su ecosistema global y transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

Google Play es el marketplace más grande del mundo, con una oferta inigualable de aplicaciones, juegos y entretenimiento. Sin embargo, en un contexto donde los consumidores tienen más opciones que nunca, la marca no lograba comunicar el motivo para elegir “Play”: se percibía como pasiva, desconectada y meramente transaccional. Necesitábamos demostrar que Google Play era más que una tienda (súper grande), que podía ayudarte a jugar.

Diseñamos un nuevo sistema de marca para Google Play, unificando su ecosistema global en todas sus propiedades y formas de interacción con los usuarios. Transformamos el icónico logo prismático en un navegador, activado a través de su forma y comportamiento. Gira y rota, ayudando a los usuarios a abrirse camino entre un mar de aplicaciones para llegar directamente a lo que aman. El movimiento introduce nuevas perspectivas y dimensiones, complementadas por un conjunto diverso de formas secundarias, tipografía flexible y una paleta de colores adaptable a nivel global, manteniendo siempre la esencia de Play. Esa energía también se refleja en una voz que invita a todos a jugar a su manera. Convertimos cada interacción en una afirmación del “por qué” de Google Play, demostrando que es mucho más que una tienda. Es una plataforma que conecta a las personas con experiencias que disfrutan, para que puedan celebrar, crear, conquistar… Go Play.

La Asociación Brasileña de Directoras, Directores y Diretories de Cine (ABDC) fue fundada en 2024 para representar y defender los intereses de profesionales de la dirección de cine en el mercado publicitario. La identidad visual refleja la diversidad de estilos y voces de los más de 140 miembros, creando al mismo tiempo una conexión inmediata con el universo del cine y la dirección cinematográfica. El logotipo toma como base la claqueta, un símbolo universalmente reconocido de los sets de filmación. A través de un diseño ingenioso, las claquetas fueron reducidas a su forma esencial y transformadas en las iniciales ABDC. En secuencia, estas letras evocan una serie de frames de una película, aludiendo al movimiento, a la acción y al dinamismo inherente a la dirección de cine. Este diseño resalta la esencia de la ABDC como una asociación que une y fortalece a sus miembros en el mercado publicitario.

La ABDC nació como respuesta a la urgente necesidad de unión y representatividad entre las personas profesionales de la dirección de cine en el mercado publicitario. Históricamente, esta categoría había trabajado de forma aislada, enfrentando desafíos como la falta de cohesión entre colegas, la ausencia de estándares comunes, las concurrencias no remuneradas y la necesidad de mejores condiciones laborales. Con más de 140 miembros fundadores, provenientes de distintas trayectorias, regiones y sensibilidades estéticas, la asociación buscaba ser un punto de encuentro para toda la categoría. El proyecto de identidad visual enfrentaba un desafío único: crear una marca que reflejara la diversidad de voces y estilos de sus asociados, sin priorizar una estética particular, y que, al mismo tiempo, se conectara inmediatamente con el universo de la dirección cinematográfica. Era fundamental que la identidad visual fuera inclusiva, clara y versátil, capaz de funcionar en diversos formatos, desde impresos hasta digitales, y que se adaptara tanto a las redes sociales como a aplicaciones tradicionales en video y publicaciones. El logotipo, basado en la claqueta, un símbolo universalmente reconocido en los sets de filmación, fue simplificado a sus elementos esenciales para formar las iniciales ABDC. Este diseño permite no solo una conexión instantánea con el cine y la dirección de cine, sino también un vínculo visual con el movimiento y la acción, elementos centrales del trabajo de los directores. Además, el diseño fue concebido para funcionar en movimiento, como en animaciones para redes sociales o en videos de los asociados, subrayando su funcionalidad y relevancia. La identidad final consolida la percepción de la ABDC como un espacio de unión, colaboración y profesionalismo, fortaleciendo la creatividad de la categoría bajo una marca fuerte y significativa.

La estrategia principal del proyecto fue desarrollar una identidad visual que abordara simultáneamente la diversidad de voces y estilos de los más de 140 miembros fundadores y que se conectara de manera inmediata con el universo de la dirección de cine. Para ello, el símbolo elegido fue la claqueta, un elemento universalmente reconocido en los sets de filmación y que encarna conceptos como acción y movimiento, fundamentales para la profesión. El logotipo fue diseñado a partir de la simplificación de la claqueta a sus formas esenciales, transformándola en las iniciales ABDC, evocando una secuencia de frames de película, lo que refuerza el vínculo con el cine y la narrativa visual. Este enfoque permitió crear una marca inclusiva y significativa, capaz de representar tanto la diversidad estética de los miembros como la unión y acción colectiva que dio origen a la asociación. El diseño se extendió a un sistema de identidad visual coherente, que incluye aplicaciones versátiles en plataformas digitales, impresas y audiovisuales. La capacidad de adaptarse a diversos formatos y materiales, desde publicaciones en redes sociales hasta videos y animaciones, asegura que la identidad no solo cumpla con los requerimientos funcionales del cliente, sino que también refuerce su percepción como un espacio de colaboración y creatividad en el mercado de producción audivisual.

La diversión y la oscuridad van de la mano en esta identidad visual creada por Monga para una marca que se atreve a cuestionar las normas en torno a la menstruación. Abrazando lo que le es natural – la sangre –, Impalé crea una narrativa sobre lo que realmente significa sangrar cada mes, aceptando lo absurdo de ello con un enfoque divertido pero audaz. El diseño se aleja de lo limpio y colorido esperado, mostrando productos de altas prestaciones para el cuidado menstrual dirigidos a quienes se atreven a sangrar, desafiando las expectativas de género y aportando una apariencia atrevida.

Impalé nació como un espacio para que las ideas de sus creadores sobre el cuidado menstrual pudieran crecer. Ya habían lanzado Vampons, el producto insignia de Impalé—un tampón con una identidad de marca inspirada en los vampiros—y habían llegado al punto en que la expansión era el siguiente paso. Impalé cobró vida a través del humor negro de sus creadores, contrastando de manera lúdica el acto de usar un tampón y ser empalado con el estándar de la industria de presentar el cuidado menstrual como algo tierno, delicado y pulcro. La marca debía desafiar normas, abrazar identidades únicas y encontrar belleza en lo oscuro y siniestro, alejándose de los visuales cargados de vergüenza y de las asociaciones negativas en torno a la menstruación. El resultado debía resaltar la alta calidad de los productos, aprovechando una estética gótica y oscura, al mismo tiempo que posiciona la marca como madura, pero llena de personalidad, diversión y valentía.

Inspirándose en la imaginería gótica y en las marcas de alta costura, Impalé fue diseñado con una paleta minimalista y sofisticada de negro, rojo, blanco y gris, complementada con un logotipo en serif hecho a mano y elementos cromados. El contraste entre diversión y audacia cobra vida a través de efectos cromáticos aplicados a ilustraciones peculiares, aportando carácter y reconocimiento a la marca. El logotipo fue diseñado para transmitir elegancia mientras hace un guiño lúdico a la idea de ser empalado: la pierna alargada de la "L" atraviesa la "É", creando una referencia sutil pero ingeniosa al concepto de la marca. Además, las formas del logo pueden reutilizarse como elementos gráficos, como bordes para banners, imágenes y carteles, integrando visuales de manera cohesiva en la identidad de la marca y reforzando su memorabilidad.

INNER es una productora taylor-made que crea películas y contenidos para marcas y agencias desde 2017. Con un nuevo posicionamiento de marca y estrategia desarrollado por Marcella Franco, el desafío fue crear una identidad visual con mayor atractivo comercial que conectara claramente con la industria audiovisual. El resultado es una identidad simple pero robusta que pone la obra en el centro de la comunicación, posicionando a INNER junto a las productoras líderes del país.

Inner Filmes es una productora audiovisual con sede en São Paulo, fundada por Gustavo Antonio, quien también es su director creativo. A medida que la empresa crecía, Inner comenzó a trabajar con grandes marcas brasileñas, elevando su posición en la industria. Para alinear su identidad visual con esta nueva etapa, Gustavo buscó ayuda para desarrollar el branding y el diseño de Inner Filmes. El objetivo era crear una identidad que reflejara la alta calidad de su trabajo y posicionara a la empresa junto a las principales productoras del país.

La marca Inner Filmes es poderosa, audaz, confiada e impactante. Su tipografía condensada y en bloque le da una apariencia robusta pero simple, reforzando su fuerte presencia. Un elemento clave del diseño surge de la combinación de la letra "N", estructurada en una proporción de 16:9, las mismas dimensiones de una pantalla widescreen, haciendo referencia directa a la naturaleza de nuestro trabajo. Este símbolo es altamente versátil, adaptándose perfectamente a diferentes formatos y aplicaciones. Las variaciones de la "N" siguen los pesos Slanted y Backslanted de nuestra tipografía principal, FKScreamer Legacy, agregando un carácter dinámico a la identidad visual de la marca. El sistema de diseño se basa en una retícula modular, asegurando estructura y coherencia en todas las aplicaciones. La marca se aplica preferentemente ocupando todo el espacio horizontal, reforzando su presencia. Cuando se combina con imágenes, el diseño se inspira en pósters de películas, utilizando la tipografía y el logotipo como un marco para destacar el trabajo. Las aplicaciones del elemento gráfico de la marca son altamente flexibles, adaptándose al formato en el que se utilizan, lo que hace que la identidad sea fuerte y versátil. La paleta de colores es simple pero poderosa, al igual que nuestra marca. Está diseñada para reducir distracciones visuales y centrar la atención en lo más importante: el trabajo de Inner Filmes

El proyecto KBW Corp. es una iniciativa multifacética que busca conectar Brasil y Corea a través de cuatro pilares principales: deportes, noticias, educación e intercambio. A través de KBW Sports, el proyecto tiene como objetivo promover a los atletas y las oportunidades de marketing deportivo. Con KBW News, ofrece información global en tiempo real, con un enfoque en deportes y entretenimiento. KBW Academy busca capacitar a las personas mediante programas de intercambio y desarrollo académico y profesional. El proyecto se esfuerza por promover la inclusión, la diversidad y la responsabilidad social, impactando positivamente en sus comunidades y ampliando las oportunidades globales.

El proyecto KBW Corp. cumplió con éxito el briefing al crear una plataforma que conectó de manera efectiva a los públicos de Brasil y Corea del Sur, con un enfoque estratégico en el mercado coreano en busca de inversores. A través de una comunicación consistente y alineada con la cultura surcoreana, el proyecto abordó aspectos culturales clave, como la importancia de la educación, el prestigio de los deportes y la innovación tecnológica. Cada subárea—KBW Sports, News y Academy—fue diseñada para resonar con el público coreano, al mismo tiempo que atraía a inversores interesados en asociaciones globales. El lenguaje visual y textual reflejó los valores y tradiciones coreanas, creando un diálogo cultural eficaz, mientras que el contenido promovía oportunidades de negocio, cumpliendo así los objetivos de la marca.

El proceso de diseño de KBW Corp. se centró en crear una identidad visual clara que reflejara la esencia de la marca y conectara a los públicos brasileños y coreanos. La necesidad de claridad se resolvió mediante un diseño limpio y objetivo, con una paleta de colores vibrante y armoniosamente combinada para diferenciar cada subárea de la marca (deportes, noticias, academia). Los textos fueron cuidadosamente organizados en bloques, garantizando una lectura fácil y ordenada, alineada con los estándares visuales contemporáneos de Corea del Sur. Se introdujeron elementos visuales distintivos, como formas geométricas, para reforzar la identidad de cada sector, creando una estructura cohesiva y atractiva. El método utilizado se basó en un diseño modular, donde se priorizaron la consistencia, la legibilidad y el impacto visual.

Cocinar es viajar sin moverse, explorar culturas a través de los sabores. Con esta visión nace La Peregrina, una cadena de tiendas de insumos y especias del Grupo Santis. Su identidad debía reflejar ese espíritu explorador sin perder claridad en distintos entornos comerciales. El reto fue crear un logotipo adaptable a su doble presencia: mayorista con un catálogo extenso y minorista enfocado en calidad y experiencia culinaria. La solución fue un diseño tipográfico en lettering, donde cada trazo evoca movimiento y viaje. Sus curvas y diagonales representan caminos recorridos en busca de nuevos sabores, mientras su inclinación transmite dinamismo y fluidez. Con un sistema visual limpio y versátil, el logotipo de La Peregrina funciona en empaques, señalética, plataformas digitales y más, consolidando una identidad contemporánea y significativa que refleja su esencia viajera y su pasión por descubrir sabores únicos..

El reto era desarrollar un logotipo que pudiera adaptarse a su doble presencia en el mercado: un mayorista con un catálogo extenso y un minorista que conecta con consumidores en busca de calidad y experiencia culinaria. La respuesta fue un logotipo simple, evocador y flexible, diseñado para integrarse en distintos puntos de contacto, desde empaques y señalética hasta plataformas digitales. Asimismo, debía comunicar la esencia exploradora y global de la marca. El objetivo era diseñar un logotipo que capturara la esencia de La Peregrina, una marca que viaja por el mundo para descubrir y acercar sabores, con un sistema visual limpio, adaptable y con un significado más profundo.

Con un nombre que refuerza su esencia exploradora, el logotipo de La Peregrina se ha creado a partir de un diseño tipográfico de lettering, donde cada trazo refleja el concepto de movimiento y viaje. Sus formas curvas y diagonales evocan sendas y caminos, y representan el recorrido de la marca por distintas partes del mundo en busca de nuevos sabores. La inclinación de las letras aporta dinamismo y transmite una sensación de fluidez y continuidad, alineada con la naturaleza de La Peregrina como una marca en constante exploración. Este enfoque simplificado y versátil permite que el logotipo funcione en diversos formatos y aplicaciones: fachadas, cartelería, avisos de prensa, piezas editoriales, web y plataformas digitales. Con una identidad tipográfica única, La Peregrina se consolida con una imagen contemporánea, adaptable y llena de significado.

Cocinar es viajar sin moverse, descubrir culturas a través de los sabores. Con esta visión nace La Peregrina, la nueva cadena de tiendas de insumos y especias del Grupo Santis. Su identidad debía equilibrar accesibilidad y exploración, conectando con distintos públicos y transformando una compra cotidiana en una experiencia gastronómica. Nos preguntamos: ¿cómo elevar un producto commodity como las especias? ¿Cómo convertir cada elección en una aventura culinaria? La respuesta fue una marca que no solo vende ingredientes, sino que guía un viaje de descubrimiento. El nombre “La Peregrina” refuerza su esencia exploradora: recorre el mundo para acercar sabores, colores y aromas auténticos al público peruano. Su identidad visual y comunicacional es versátil y evocadora, adaptándose al mercado mayorista y minorista. Más que una tienda, La Peregrina es una invitación a experimentar y ampliar los horizontes de la cocina con ingredientes de calidad y tradición global.

Este gran reto empezó planteándonos dos preguntas importantes: ¿cómo «elevamos» un producto commodity como la venta de especias para cocinar? y ¿cómo logramos transformar una compra rutinaria en una experiencia culinaria en la que cada elección abriera la puerta a una nueva aventura?

La Peregrina nació de su esencia exploradora. Su nuevo nombre y propuesta de valor no solo garantizan calidad, sino que refuerzan el propósito de la marca: descubrir el mundo y acercar nuevos sabores, colores y aromas al público peruano. El término «peregrina» evoca la idea de un viaje en busca de experiencias y descubrimientos. En este caso, la marca asume ese papel, recorriendo distintos rincones del mundo para seleccionar ingredientes auténticos y de alta calidad. Más que una simple proveedora de insumos, La Peregrina es una guía culinaria, una invitación a experimentar y enriquecer la cocina con influencias globales. A nivel visual y comunicacional, la identidad se diseñó para ser versátil y equilibrada, y poder adaptarse tanto al sector mayorista como al minorista. Con un tono accesible y evocador, La Peregrina se posiciona como una marca que inspira a través de la exploración gastronómica.

¿Qué pasaría si cada ingrediente abriera la puerta a una nueva cultura? Con esta visión nace La Peregrina, la cadena de tiendas de insumos y especias del Grupo Santis, diseñada para transformar la cocina en un viaje sensorial. Más que vender productos, la marca inspira a descubrir sabores, texturas y aromas de distintas partes del mundo. El reto fue crear una identidad visual y narrativa versátil, que equilibrara exploración y cercanía en mercados mayorista y minorista. La solución: un logotipo tipográfico que evoca caminos y movimiento, una paleta vibrante y una comunicación evocadora y experta. Desde tiendas hasta canales digitales, La Peregrina guía a los clientes con anécdotas y consejos, convirtiendo cada compra en una aventura gastronómica. Más que una tienda de especias, es una aliada en la cocina, un puente entre culturas y una invitación a explorar el mundo a través del sabor.

El Grupo Santis siempre se ha centrado en el sector mayorista, donde la venta se basa en la calidad y la variedad del producto. Sin embargo, al adentrarse en canales de venta directa, surgió la necesidad de diferenciarse y conectar con un público más amplio. El desafío no solo radicaba en desarrollar una nueva marca con una propuesta clara, sino también en crear una identidad visual versátil que funcionara tanto en el mercado mayorista como en el minorista. La nueva marca debía ser accesible para ambos públicos y lo suficientemente flexible para adaptarse a distintos formatos y contenidos. Desde la comunicación verbal hasta la representación de su extenso catálogo de productos, era fundamental encontrar un equilibrio que permitiera proyectar exploración y cercanía sin perder solidez comercial.

Desarrollamos una identidad de marca que refleja la variedad y exploración que hay detrás de La Peregrina. Esta nueva identidad se extiende a cada punto de contacto, desde el diseño de tiendas y cartelería hasta las acciones de marketing y los canales digitales, garantizando así coherencia visual y conceptual. Creamos un logotipo tipográfico inspirado en trazos que evocan caminos y exploración, complementado con una paleta de colores vibrante, una tipografía dinámica y fotografías de ingredientes en dispersión. A esto se suma una voz evocativa y cercana que guía a los clientes en un viaje de sabores con un tono experto y amistoso. Así, La Peregrina deja de ser solo una tienda de especias para convertirse en una aliada en la cocina, compartiendo anécdotas y consejos, y convirtiendo cada elección en una nueva aventura culinaria.

Una campaña para Perfumehead, una marca de fragancias de lujo con sede en Los Ángeles, para el lanzamiento de LA LA Love, su último extrait de parfum.

El escaparate de la campaña fue una publicación periodística distribuida en Bergdorf’s y lanzada en un evento de relaciones públicas en el emblemático Bar Marmont. Paralelamente a la publicación, se instalaron publicaciones extravagantes en todo Los Ángeles, se desarrolló una campaña completa en las redes sociales, así como empaques, vestimenta y dirección de arte del evento a medida.

La campaña LA LA Love es su carta de amor a los “perfumistas” que viven y aman en Los Ángeles. Estos individuos (escritores, músicos, artistas de uñas, fundadores, abridores de puertas) son el alma creativa de Los Ángeles. Encarnan el espíritu de los amantes del perfume.

Nuestra misión fue actualizar la identidad de la marca, capturando la esencia de La Mansión y volviéndola relevante para una nueva generación de invitados. El reto principal se encontraba en lograr el equilibrio entre refinamiento y frescura, sofisticación y calidez.

La Mansión es un referente dentro de la cultura gastronómica en México, sinónimo de hospitalidad y excelencia que ha perdurado con el tiempo. Desde su apertura en 1957, el restaurante se ha distinguido por sus ingredientes de primera calidad, su impecable servicio y un ambiente que combina lo clásico con lo contemporáneo. A lo largo de los años, su identidad visual se ha consolidado como un símbolo de su legado, evolucionando para honrar sus orígenes con una visión renovada.

Para este proyecto, diseñamos un sistema visual que reinterpreta su legado con un enfoque actual, utilizando una tipografía que transmite elegancia y carácter. La paleta de colores parte de los tonos icónicos de la marca, intensificándolos con matices cálidos para resaltar la atmósfera acogedora de La Mansión. Inspirados en el arte atemporal de compartir la mesa, llevamos sus platillos "imperdibles" a emblemáticos sellos que evocan una mesa compartida. Este rediseño se extiende de manera integral en cada aspecto de la experiencia, desde la ambientación del restaurante hasta su presencia digital, asegurando una identidad coherente para todos los invitados. Con esta renovación, La Mansión reafirma su lugar en la escena culinaria mexicana, demostrando que el legado y la innovación también pueden coexistir y potenciarse mutuamente

DOBU fue invitada a crear esta marca tan sublime y necesaria, y su proceso comienza con la generación de bloques cinéticos utilizando la tecnología de IA generativa, la programación con Processing y p5.js como herramientas, y la sensibilidad de una inmersión más íntima y humana en un tema tan actual. El Centro Brasileño de Justicia Climática es una organización dedicada a los temas de la población negra en la agenda climática de Brasil. Su universo visual es una plataforma gráfica contemporánea que potencia todo lo que necesita ser comunicado. En su esencia, la marca tiene la empatía de valorar las diversas historias que deben contarse, mientras retrata el peso y la aspereza de la realidad de quienes luchan y de quienes son víctimas de las inseguridades climáticas.

El proyecto fue creado para el Centro Brasileño de Justicia Climática, una organización dedicada a la agenda climática de la población negra en Brasil. El contexto implica la necesidad urgente de abordar la crisis climática, destacando las cuestiones raciales y sus intersecciones. El objetivo era crear una marca que no solo se destacara visualmente, sino que también reflejara la complejidad y urgencia del tema. Además, la marca debía ser lo suficientemente versátil como para representar diferentes narrativas y dar visibilidad a la lucha por la justicia climática, ampliando su impacto en diversas plataformas. La propuesta fue desarrollar una identidad con un lenguaje potente y empático, capaz de equilibrar dinamismo y sensibilidad, generando un diseño memorable y relevante para el escenario global.

La solución del proyecto fue desarrollar una identidad visual que, al mismo tiempo, fuera impactante y sensible, reflejando la urgencia de las cuestiones climáticas y la complejidad de las intersecciones raciales. Desarrollamos una marca diseñada para ser afilada, robusta y, sobre todo, versátil, permitiendo representar diferentes narrativas y contextos, mientras refuerza la lucha por la justicia climática. El universo visual se basa en la construcción e interconexión de bloques cinéticos, utilizando tecnologías innovadoras como IA generativa y programación creativa para expandir este sistema. La estrategia visual incorporó la idea de transformación y multiplicidad, con formas que se alteran dependiendo del ángulo, mostrando perspectivas diferentes sobre la misma realidad. El resultado fue una marca poderosa y memorable que, a través de su diseño y universo visual contemporáneo, fortalece la presencia del Centro y amplifica su impacto en el escenario global.

La ABDC – Asociación Brasileña de Directoras, Directores y Diretories de Cine, fue creada para unir y representar a las personas profesionales de la dirección de cine en el mercado publicitario. El objetivo principal del logotipo era crear una marca que conectara directamente con el universo del cine y reflejara la diversidad estética y profesional de sus más de 140 miembros fundadores. La solución fue diseñar un logotipo basado en la claqueta, un símbolo universalmente reconocido en los sets de filmación. Simplificamos la claqueta a sus formas esenciales y la transformamos en las iniciales ABDC, evocando una secuencia de frames de una película. El resultado es un diseño inclusivo, versátil y cargado de significado, que transmite la esencia de la asociación y su compromiso con la acción colectiva.

La ABDC nació como respuesta a una necesidad urgente de representatividad y unión entre las personas profesionales de la dirección de cine en el mercado publicitario. Históricamente, esta categoría ha trabajado de forma aislada, enfrentando desafíos como la falta de cohesión, las competencias no remuneradas, la ausencia de estándares comunes y la necesidad de mejores condiciones laborales. Con más de 140 miembros fundadores de diferentes trayectorias y sensibilidades estéticas, la asociación buscaba ser un espacio de encuentro y colaboración. El logotipo debía abordar un desafío único: reflejar la diversidad de voces y estilos de sus asociados, sin priorizar una estética particular, y conectar inmediatamente con el universo del cine. Además, era fundamental que fuera claro, versátil y funcional, adaptándose tanto a medios digitales como impresos y a aplicaciones en movimiento, como videos y animaciones, en línea con las necesidades de la asociación.

La estrategia principal fue desarrollar un logotipo que equilibrara la diversidad de estilos y sensibilidades estéticas de los más de 140 miembros y que al mismo tiempo fuera reconocible y funcional. Se eligió la claqueta como símbolo central por su fuerte conexión con los sets de filmación y la dirección de cine. El logotipo fue diseñado reduciendo la claqueta a sus formas esenciales y transformándola en las iniciales ABDC, con cada letra posicionada para evocar una secuencia de frames de una película. Este diseño no solo conecta directamente con el universo del cine, sino que también simboliza la acción y el movimiento colectivo que dio origen a la asociación. El resultado fue un logotipo único, inclusivo y cargado de significado, que cumple con los requerimientos funcionales del cliente y refuerza la percepción de la ABDC como un espacio de unión, colaboración y profesionalismo en el mercado publicitario.

Los Hijos de la Escalante, una tradición recién salida del horno. Daniel, hijo del fundador de la pastelería “La Escalante” - reconocida por más de 54 años como sinónimo de las mejores empanadas en Arequipa- decide abrir su propia pastelería con la receta centenaria de “La Escalante”, pero bajo una nueva marca, para contar su propia historia: “Los Hijos de La Escalante”. A través de un naming estratégico, se invita a cada cliente a sentirse parte de un lazo familiar que trasciende generaciones. La identidad visual fusiona elementos clásicos con toques contemporáneos: tipografías e ilustraciones modernas se combinan con una paleta que evoca la pastelería de antaño y el frescor de lo moderno. “Los Hijos de la Escalante” es, en esencia, un homenaje vibrante a la tradición, diseñado para honrar el pasado y encender el futuro del sabor.

En Arequipa, la tradición gastronómica forma parte de la cultura e historia popular, y “La Escalante” ha sido, durante más de 54 años, un emblema de calidad y autenticidad. Esta pastelería se ha ganado un lugar especial en el corazón de los arequipeños, convirtiéndose en símbolo de la mejor repostería y, en particular, de las icónicas empanadas. En este contexto, Daniel Escalante, hijo del fundador de La Escalante, sintió la necesidad de abrir su propio negocio. Con la bendición familiar, su reto era abrir una pastelería que honrara la receta y la tradición heredada; pero que ofreciera una imagen fresca y moderna, sin ser una extensión del establecimiento original. La problemática consistía en crear una identidad independiente que conectara con el público tradicional ya fidelizado, y al mismo tiempo que atrajera a las nuevas generaciones, manteniendo vivo el vínculo afectivo y cultural que ha caracterizado a la legendaria pastelería.

La solución consistió en una estrategia integral que abarcó desde el naming al desarrollo de un sistema visual, comunicacional y gráfico, pensado para transmitir la esencia del legado familiar de manera fresca y auténtica. Se eligió el nombre “Los Hijos de la Escalante” para encarnar la continuidad y el sentido de pertenencia, sin que se entienda como una sucursal de “La Escalante”, narrando la historia de Daniel Escalante, quien, orgullosamente, destaca los valores que han definido la excelencia en la pastelería familiar para crear esta nueva pastelería. Este naming va más allá de una simple denominación, invitando a cada cliente a sentirse un hijo más de la familia Escalante, que celebra la herencia culinaria y la reinvención de sus raíces. A partir de este concepto, se diseñó un logotipo que conjuga la estética de la pastelería de antaño —usando tonos cálidos como el amarillo y el café, que remiten a la tradición— con elementos modernos que destacan gracias al uso del celeste. Las tipografías combinan fuentes clásicas, que rinden homenaje a la historia, con estilos audaces y contemporáneos, apuntando directamente al público joven. Este contraste crea un puente visual entre el pasado y el presente, comunicando la dualidad de preservar un legado centenario y, a su vez, proyectarlo hacia el futuro. El sistema gráfico se completó con ilustraciones de estilo punk, que aportan dinamismo y frescura. Cada elemento fue cuidadosamente diseñado para contar una historia propia: la transformación de una tradición en una propuesta vibrante, donde cada detalle —desde el diseño de empaques y señaléticas hasta la comunicación digital— refuerza el compromiso con la autenticidad y la innovación. Así, “Los Hijos de la Escalante” se posiciona no solo como el heredero legítimo de una leyenda arequipeña, sino como una experiencia única que invita a saborear la tradición en cada bocado.

Lumaia es un prestigioso desarrollo inmobiliario en Villa La Angostura, en la Patagonia Argentina, dirigido a un público global de primer nivel. El proyecto tiene como objetivo capitalizar el atractivo de la Patagonia al tiempo que ofrece una vida de lujo sin igual. El brief enfatiza la sostenibilidad ambiental y la integración cultural, con el objetivo principal de crear una identidad de marca que refleje exclusividad, armonía ambiental y aprecio cultural, atrayendo a personas de alto poder adquisitivo que buscan inversiones de estilo de vida únicas. Lumaia comprende un número selecto de residencias y comodidades de lujo, manteniendo la exclusividad y el prestigio. Debido a su posicionamiento de alta gama, las ventas se realizarán a través de canales directos, dirigiéndose a compradores exigentes con experiencias personalizadas, evitando las comunicaciones masivas.

El proyecto de branding de Lumaia para Villa La Angostura, en la Patagonia Argentina, está profundamente arraigado en los matices culturales, nacionales y regionales. La mezcla de herencia indígena e influencias europeas de la Patagonia prepara el escenario para un mercado inmobiliario de lujo único. En este momento, los compradores exigentes buscan más que solo propiedades; anhelan experiencias entrelazadas con la naturaleza y la exclusividad. Lumaia surge como respuesta a esta demanda, ofreciendo una combinación armoniosa de lujo y respeto por el medio ambiente. Su lanzamiento se alinea perfectamente con un mercado que busca autenticidad y sostenibilidad. Simboliza una celebración de los paisajes y el estilo de vida patagónicos al tiempo que satisface las necesidades cambiantes de los compradores adinerados. El momento del proyecto es estratégico, aprovechando una coyuntura en la que las inversiones deben proporcionar tanto rendimientos financieros como satisfacción emocional. Al comprender estos matices culturales y las condiciones del mercado, Lumaia se erige como un pináculo de la vida de lujo en la Patagonia Argentina. Lumaia representa más que solo arquitectura; es una narrativa de referencia cultural y vida visionaria. Captura la esencia del atractivo de la Patagonia, ofreciendo una visión de un mundo donde la naturaleza y el lujo coexisten a la perfección. En esencia, la marca Lumaia personifica la convergencia del patrimonio, la demanda del mercado y la vida aspiracional, lo que la convierte en una identidad visual y de marca excepcional.

El público objetivo potencial se dividió en 3 grupos principales: Entusiastas de la naturaleza adinerados: La Patagonia es famosa por sus impresionantes paisajes naturales, con montañas, glaciares y vida silvestre única. La identidad visual de Lumaia tenía que retratar y simbolizar la conexión con la naturaleza que ofrecía el proyecto inmobiliario, atrayendo a entusiastas de la naturaleza adinerados de todo el mundo. Jubilados adinerados: Personas que buscan un lugar tranquilo y pintoresco para pasar sus años de retiro. La promesa de un entorno tranquilo y exclusivo, lejos de la bulliciosa vida urbana, debía expresarse de una manera muy atractiva. Compradores adinerados con conciencia ecológica: Individuos conscientes del medio ambiente que desean vivir de manera sostenible, sin renunciar a la comodidad y el lujo. Para presentar el proyecto a los inversores potenciales, destacando su singularidad y carácter premium, integramos formas naturales y refinamiento arquitectónico en una narrativa visual cohesiva que refleja el equilibrio y la belleza de la cultura y los paisajes de la Patagonia. TIPOGRAFÍA: Desarrollada para LUMAIA, la tipografía es un elemento crucial de la identidad, con más de 700 ligaduras y 1400 caracteres que permiten una comunicación fluida y dinámica. Inspirada en la arquitectura local y el entorno sereno de la Patagonia, facilita un diálogo visual entre el texto y su entorno, mejorando el diseño mimético general. SEÑALIZACIÓN: Toda la señalización en la Villa se realiza utilizando la tipografía y sus conexiones de ligadura. ICONOGRAFÍA: Como apoyo a la comunicación tipográfica, la iconografía basada en el proyecto forma parte del sistema de marca y sus derivados. Todos estos elementos construyen una identidad visual muy sólida adecuada para la audiencia y el desarrollo. Además de la señalización y la ejecución in situ, el sistema visual llega a su público objetivo a través de iniciativas y materiales dirigidos específicamente.

La editorial Lúcida Letra tiene un objetivo claro: fortalecer la comunidad budista brasileña, la Sangha. Para Lúcida Letra, los libros son como puentes que conectan a las personas con las fuentes de sabiduría, con los grandes maestros, con las enseñanzas, es decir, con el Dharma. Y así, mantenerlo vivo. Los títulos son traducciones al portugués que buscan apoyar la práctica de las enseñanzas de Buda. El concepto creativo de la identidad visual es utilizar las letras, materias primas de los libros, como caminos que llevan a las personas de un punto a otro en su trayectoria de aprendizaje. Después de todo, cada libro es un camino hacia las fuentes de sabiduría. Y el destino final es la iluminación, la lucidez y el fin del sufrimiento.

Los practicantes brasileños de Budismo enfrentan un gran desafío: tener acceso a conocimientos confiables. En el ajetreo de la vida, encontrar orientaciones y saber qué maestros y tradiciones seguir se vuelve complejo. Después de todo, no siempre es posible hacer retiros presenciales o frecuentar un centro de prácticas, por ejemplo. Lúcida Letra nació para fortalecer la comunidad budista brasileña. Por lo tanto, ofrece traducciones al portugués que tienen la intención de apoyar la práctica de las enseñanzas de Buda. La identidad visual utilizada no transmitía la idea con claridad, los clientes tenían dificultad para interpretar el símbolo. Además, la empresa se veía con un repertorio visual débil para comunicarse. El Budismo es colorido, energético y la marca debería estimular las prácticas y la búsqueda de conocimiento.

Las letras son la materia prima de los libros y son caminos hacia las fuentes del conocimiento. Así, las letras que componen el logotipo son geométricas, con líneas rectas y curvas bien definidas, como una trayectoria colorida y energética en busca de las fuentes de sabiduría. El símbolo parte del mismo punto que los libros: utilizando una letra. En este caso, un carácter especial, el asterisco. Fue diseñado con 8 puntas, simbolizando los 8 símbolos auspiciosos del budismo. Cada 'brazo' del asterisco también puede ser interpretado como un camino que apunta hacia una determinada dirección. Estas líneas continuas y circulares del asterisco pueden ser percibidas como un punto de luz. Además, la base recuerda a un libro abierto. De este modo, el símbolo de Lúcida Letra utiliza el carácter de una fuente para dibujar un libro abierto. Pero no se trata de cualquier libro, sino de uno que proyecta luz, a través de conocimientos confiables y genuinos, hacia el camino de la iluminación. Otros elementos importantes para la identidad visual también fueron creados a partir de letras, como el símbolo del Buda, hecho a partir de la letra B. Fragmentos de letras también son utilizados como 'caminos' visuales. Ya sean más simples, como parte de la letra 'L', o más complejos, como parte de la letra 'a'. Queda así evidente la idea de que las letras son caminos y los libros son puentes.

Históricamente, la perimenopausia ha estado rodeada de prejuicios y estigmas. MAD nace con la idea de convertirse en una plataforma dispuesta a cambiar esa narrativa, convirtiéndola en un símbolo de fuerza y rebeldía. Nuestra tarea fue traducir su esencia disruptiva en una identidad visual que desafiara lo convencional. El rojo se convirtió en el eje cromático de la marca, representando pasión, poder y transformación. La identidad tipográfica refuerza su determinación: un logotipo sólido con una “A” que rompe el molde. El resultado es una marca audaz y provocadora, que va más allá del diseño para convertirse en un movimiento. MAD no solo rompe estigmas, los redefine.

La perimenopausia sigue siendo un tema rodeado de estigmas y desinformación. A menudo, se asocia con pérdida, invisibilización y hasta con la "locura", reforzando narrativas que limitan en lugar de empoderar. En este contexto, MAD nace con una misión clara: desafiar estos prejuicios y transformar la conversación, usando el humor y la rebeldía como herramientas para generar comunidad y abrir el diálogo. El reto consistía en traducir ese espíritu disruptivo en una identidad visual que rompiera con lo convencional y conectara con un público que busca información y acompañamiento sin tabúes. La marca necesitaba una identidad que proyectara seguridad, audacia y empoderamiento, alejándose de la imagen tradicionalmente asociada con esta etapa de la vida. Nuestra tarea fue desarrollar una identidad visual que reflejara esta esencia con fuerza y coherencia, asegurando que MAD no solo sea reconocible, sino que se convierta en un símbolo de cambio dentro de la conversación sobre la perimenopausia.

Para reflejar el espíritu desafiante de MAD, desarrollamos una identidad visual que rompe con lo convencional y transforma la percepción de la perimenopausia en un símbolo de fuerza, rebeldía y humor. El primer elemento clave fue el color. Elegimos el rojo como tono central, ya que evoca pasión, poder, transformación y energía, y convierte a MAD en una marca que no pasa desapercibida y que comunica seguridad y determinación. En el logotipo, trabajamos una tipografía sólida y contundente, con un punto final que refuerza su carácter definitivo. La “A” se convirtió en un elemento disruptivo dentro del nombre, utilizando una fuente distinta para simbolizar el desafío a lo establecido y la ruptura con los estigmas. Además del diseño visual, creamos un sistema gráfico que potencia su personalidad irreverente, con una comunicación audaz y directa. Esta identidad se despliega en distintos soportes, manteniendo siempre un tono provocador y cercano que genera identificación y comunidad. El resultado es una marca con una presencia fuerte, que cambia la conversación sobre la perimenopausia y se convierte en un símbolo de empoderamiento.

Malachela, Brownsville, Texas. Nuestro enfoque de diseño gira en torno a abrazar el encanto auténtico y relajado que rodea a la cerveza, ese que permite a las personas conectar sin esfuerzo. Por eso, optamos por crear un elenco de personajes entrañables, cada uno cuidadosamente elegido para representar la genuina calidez que queríamos transmitir. Estos personajes capturan la esencia encantadora de estar un poco alegre y despreocupado, agregando un toque de diversión al ambiente. El monograma de Malachela se inspiró en la parte superior de una lata de cerveza, un símbolo sutil pero significativo. Cada elemento dentro del restaurante ha sido seleccionado con atención al detalle, asegurando una atmósfera auténtica y acogedora. Bienvenidos a Malachela, un espacio donde el ambiente siempre es cálido, la vibra es genuina y nunca hay una "mala chela" a la vista—solo buena cerveza, sabor y alegría.

Malachela nace para ofrecer una experiencia cervecera auténtica, relajada y accesible, rompiendo con los tabúes y formalismos del sector. Buscamos crear un espacio donde la cerveza se disfrute sin pretensiones, en un ambiente amigable y espontáneo. Desafíos y Oportunidades: Hacer la cerveza más inclusiva y cercana. Construir una identidad propia y diferenciadora. Conectar con la comunidad y generar un punto de encuentro. Necesidades del Cliente: Un concepto relajado y sin complicaciones. Una identidad visual que refleje la calidez del proyecto. Un ambiente que invite a compartir sin prisas. Condiciones del Mercado: Brownsville tiene una escena cervecera en crecimiento, pero muchas propuestas siguen modelos tradicionales. Malachela se posiciona como una alternativa fresca, espontánea y sin formalismos. Recursos Disponibles: Un equipo apasionado por la cerveza y la comunidad. Un concepto de diseño claro y atractivo. Estrategias para fidelizar clientes y generar conexión.

La identidad de marca permite transmitir una experiencia cervecera relajada, auténtica y sin pretensiones a través de un diseño distintivo y accesible. Un logotipo inspirado en elementos cerveceros sutiles, una paleta de colores vibrante pero equilibrada y una tipografía amigable refuerzan su cercanía. Personajes lúdicos y un sistema gráfico dinámico expresan el disfrute espontáneo, mientras que un tono de comunicación directo y sin formalismos conecta con la comunidad. La coherencia entre identidad visual, diseño de espacios, packaging y activaciones consolida una marca memorable, diferenciada y capaz de generar un punto de encuentro genuino para quienes buscan disfrutar la cerveza sin complicaciones.

Más que ofrecer un buen café, Mezcla busca centralizar a una comunidad sensible al arte y pasión por compartir un mensaje positivo. Con una identidad que apela a la sensibilidad y atención al detalle de Lorena, un especial toque del color favorito de Garrett (sus dueños) y letras análogas creada exclusivamente para la marca, Mezcla llega a diferentes espacios en California, USA para posicionarse en el corazón de todas las personas que tienen el privilegio de toparse con el sueño de sus dos creadores.

Ubicados en Orange County, California, USA, y con una amplia oferta gastronómica y de cafés en su entorno, Mezcla se presenta como una propuesta nueva, joven y fresca para crear una comunidad en torno al arte y al valor de una buena taza de café. El objetivo principal de este proyecto era buscar la sensibilidad y generar una conexión emocional para trascender más allá de la oferta local.

Buscando apelar a una conexión emocional y artística que corre por las venas de sus creadores, el proyecto de Mezcla fue abordado a partir de la creación análoga de letras para que a través de trazos sensibles pudiésemos generar una experiencia distinta, creando un logotipo custom como eje principal. De allí, se desprende todo el diseño de la identidad donde a través de la creación de ilustraciones y un despliegue gráfico dinámico e interesante, en conjugación con el color, tienen que ver con la historia de Garrett y Lorena y su visión para Mezcla; crear una comunidad centrada en el café y el arte.

MIJITA Latin Food n' Drinks es un espacio íntimo y colorido en Havelock, Nueva Zelanda, que captura la esencia de Latinoamérica, donde la fusión de restaurante y bar se convierte en una explosión de sabores. Con una carta concisa de platos pequeños pensados para compartir y una selección de cócteles que incluye clásicos latinoamericanos como la Margarita, el Mojito, el Pisco Sour y el Cuba Libre. Mijita, ¡un poco de Latinoamérica!

Mijita es un espacio donde la fusión entre restaurante y bar se convierte en una experiencia fluida y casual. En el corazón de su filosofía está la creencia de que la comida es para compartir y los momentos deben celebrarse. Con un enfoque en cocina latina contemporánea, sus platos están diseñados para cautivar paladares y disfrutar con amigos y familiares en un ambiente relajado que se complementa con una mezcla de música vibrante y una experiencia internacional y ecléctica que captura la esencia misma de la vida nocturna latinoamericana.

Para la identidad visual de MIJITA re interpretamos gráficos, símbolos y patrones precolombinos, y les dimos un aspecto contemporáneo mezclándolos con composiciones de objetos en 3D con materiales como el barro o la arcilla, que plantean algunos ingredientes predominantes en la cocina latinoamericana, y simultáneamente construimos altares que rinden homenaje a los alimentos que se comparten en la mesa, y a las manos que los cultivan y preparan. Además de tomar prestados recursos de la gráfica popular como la implementación de degradados y tipografías contundentes y condensadas que recuerdan a los carteles callejeros de promoción de conciertos, así como el uso de la fuente SALSA BT de Bastarda type, que hace un revival tipográfico de los discos de LA FANIA ALL STAR que rinden homenaje a la obra de Izzy Sanabria,imprimiendo así ese carácter festivo a la marca.

MUblox es un taller ubicado en Puebla, México, especializado en el desarrollo, ensamblaje y comercialización de máquinas para la fabricación de block, orientado al sector de la construcción. La marca se diseñó con el objetivo de proyectar una identidad gráfica industrial, moderna, fresca e innovadora, que generara confianza y facilitará la decisión de los clientes al adquirir sus máquinas y accesorios para máquinas bloqueras. El logotipo e isotipo se creó a partir de caracteres tipográficos personalizados, inspirados en los cortes y dobleces del acero utilizados en la fabricación de las máquinas, logrando transmitir un concepto industrial y contemporáneo. Asimismo, se desarrolló un sistema de comunicación gráfica que incorpora elementos visuales basados en el block y el acero industrial. Estos se aplicaron de forma creativa en diversas piezas de branding, fortaleciendo la identidad visual de la marca y su vínculo con el ámbito de la construcción.

San Buenaventura Nealtican, Puebla, México, es un pueblo reconocido por su industria dedicada a la fabricación y comercialización de block para el sector de la construcción. En este entorno competitivo, proliferan talleres que diseñan, ensamblan y venden máquinas para este propósito. Los socios Marco Chico Grande y Uriel Chico Luna, jóvenes emprendedores de 23 y 25 años, fundaron MUblox con la visión de diferenciarla mediante una identidad gráfica única y moderna. Su objetivo es introducir a la marca como una alternativa innovadora en un mercado saturado en la localidad. La mayoría de los talleres son liderados por personas mayores de 40 o 50 años, que suelen ignorar la importancia de la imagen o un diseño desarrollado por profesionales, por lo cual con una propuesta distinta, moderna y fresca podemos lograr el objetivo planteado.

El proyecto consistió en diseñar un logotipo que destacara las iniciales "M" y "U". El logotipo e isotipo fueron creados a partir de caracteres tipográficos personalizados, inspirados en los cortes y dobleces del acero utilizados en la fabricación de las máquinas, logrando transmitir un concepto industrial y contemporáneo. Además, se desarrolló un sistema de comunicación gráfica que incorpora estos elementos visuales (logotipo e isotipo) basados en el block y el acero industrial. Estos se aplicaron de manera creativa en diversas piezas de branding, como el acomodo de las iniciales, representadas como elementos pesados que caen, lo que refuerza la identidad visual de la marca y su vínculo con el ámbito de las máquinas pesadas. Las iniciales se integraron en un isotipo envuelto en la forma de un block, simbolizando el material que producen las máquinas. Con el uso de sombras y perspectiva, se añadió dinamismo al diseño, mientras que una paleta de tres colores refuerza su identidad: el azul, como símbolo de confianza, seguridad e innovación en el ámbito industrial; el negro, que aporta elegancia y respeto; y el beige, que representa la neutralidad entre lo industrial y el factor humano, aludiendo al carácter artesanal en la construcción de las máquinas bloqueras. En la comunicación gráfica, se seleccionó una tipografía geométrica, gruesa y pesada, para enfatizar el carácter industrial. Además, se incorporaron elementos gráficos inspirados en barras de acero, bloques y arcos curvados, características clave en la construcción de las máquinas. Estas aplicaciones se extendieron a uniformes, tarjetas de presentación, materiales impresos, contenido digital, redes sociales, videos y otros recursos promocionales. El resultado fue una marca innovadora, moderna y sólida en cada uno de sus elementos diseñados, con una propuesta estética conceptual que destaca frente a la competencia local.

Malacate, bajo la guía experta de Jhon Zárate, se concibe como un espacio donde la cocina y la cultura se encuentran. Inspirado en el malacate, una herramienta que históricamente ha conectado la superficie con lo profundo, el restaurante refleja esta conexión en su enfoque culinario. Con una selección rigurosa de ingredientes locales y frescos, Jhon aplica técnicas culinarias que honran la autenticidad y la historia de cada producto, ofreciendo platos que son verdaderas expresiones de la tierra y la cultura colombiana.

Malacate surge como respuesta a la necesidad de ofrecer el primer Neobistro de Bogotá, una cocina que se centra en técnicas avanzadas de cocina para la cotidianidad. El desafío era crear un restaurante que no solo sea un lugar para comer, sino también un lugar para aprender y experimentar la conexión entre la comida, su origen y su impacto en nuestra cultura.

El diseño de Malacate es un homenaje a la tierra, con una paleta de colores que remite a los tonos naturales del suelo y la vegetación, y una tipografía custome made que sugiere rusticidad, imperfección, balance y elegancia. El restaurante utiliza el simbolismo del malacate no solo en su nombre, sino como un elemento central en su narrativa visual, destacando la tracción y el movimiento hacia arriba, simbolizando el acto de traer a la superficie lo mejor de la tierra. Cada aspecto del branding refuerza la filosofía de Jhon Zárate de simplicidad, pureza y respeto por el ingrediente.

Malacate, bajo la guía experta de Jhon Zárate, se concibe como un espacio donde la cocina y la cultura se encuentran. Inspirado en el malacate, una herramienta que históricamente ha conectado la superficie con lo profundo, el restaurante refleja esta conexión en su enfoque culinario. Con una selección rigurosa de ingredientes locales y frescos, Jhon aplica técnicas culinarias que honran la autenticidad y la historia de cada producto, ofreciendo platos que son verdaderas expresiones de la tierra y la cultura colombiana.

Malacate surge como respuesta a la necesidad de ofrecer el primer Neobistro de Bogotá, una cocina que se centra en técnicas avanzadas de cocina para la cotidianidad. El desafío era crear un restaurante que no solo sea un lugar para comer, sino también un lugar para aprender y experimentar la conexión entre la comida, su origen y su impacto en nuestra cultura.

El diseño de Malacate es un homenaje a la tierra, con una paleta de colores que remite a los tonos naturales del suelo y la vegetación, y una tipografía custome made que sugiere rusticidad, imperfección, balance y elegancia. El restaurante utiliza el simbolismo del malacate no solo en su nombre, sino como un elemento central en su narrativa visual, destacando la tracción y el movimiento hacia arriba, simbolizando el acto de traer a la superficie lo mejor de la tierra. Cada aspecto del branding refuerza la filosofía de Jhon Zárate de simplicidad, pureza y respeto por el ingrediente.

Malacate, bajo la guía experta de Jhon Zárate, se concibe como un espacio donde la cocina y la cultura se encuentran. Inspirado en el malacate, una herramienta que históricamente ha conectado la superficie con lo profundo, el restaurante refleja esta conexión en su enfoque culinario. Con una selección rigurosa de ingredientes locales y frescos, Jhon aplica técnicas culinarias que honran la autenticidad y la historia de cada producto, ofreciendo platos que son verdaderas expresiones de la tierra y la cultura colombiana.

Malacate surge como respuesta a la necesidad de ofrecer el primer Neobistro de Bogotá, una cocina que se centra en técnicas avanzadas de cocina para la cotidianidad. El desafío era crear un restaurante que no solo sea un lugar para comer, sino también un lugar para aprender y experimentar la conexión entre la comida, su origen y su impacto en nuestra cultura.

El diseño de Malacate es un homenaje a la tierra, con una paleta de colores que remite a los tonos naturales del suelo y la vegetación, y una tipografía custome made que sugiere rusticidad, imperfección, balance y elegancia. El restaurante utiliza el simbolismo del malacate no solo en su nombre, sino como un elemento central en su narrativa visual, destacando la tracción y el movimiento hacia arriba, simbolizando el acto de traer a la superficie lo mejor de la tierra. Cada aspecto del branding refuerza la filosofía de Jhon Zárate de simplicidad, pureza y respeto por el ingrediente.

DOBU fue invitada a crear esta marca tan sublime y necesaria, y su proceso comienza con la generación de bloques cinéticos utilizando la tecnología de IA generativa, la programación con Processing y p5.js como herramientas, y la sensibilidad de una inmersión más íntima y humana en un tema tan actual. El Centro Brasileño de Justicia Climática es una organización dedicada a los temas de la población negra en la agenda climática de Brasil. Su universo visual es una plataforma gráfica contemporánea que potencia todo lo que necesita ser comunicado. En su esencia, la marca tiene la empatía de valorar las diversas historias que deben contarse, mientras retrata el peso y la aspereza de la realidad de quienes luchan y de quienes son víctimas de las inseguridades climáticas.

El proyecto fue creado para el Centro Brasileño de Justicia Climática, una organización dedicada a la agenda climática de la población negra en Brasil. El contexto implica la necesidad urgente de abordar la crisis climática, destacando las cuestiones raciales y sus intersecciones. El objetivo era crear una marca que no solo se destacara visualmente, sino que también reflejara la complejidad y urgencia del tema. Además, la marca debía ser lo suficientemente versátil como para representar diferentes narrativas y dar visibilidad a la lucha por la justicia climática, ampliando su impacto en diversas plataformas. La propuesta fue desarrollar una identidad con un lenguaje potente y empático, capaz de equilibrar dinamismo y sensibilidad, generando un diseño memorable y relevante para el escenario global.

La solución del proyecto fue desarrollar una identidad visual que, al mismo tiempo, fuera impactante y sensible, reflejando la urgencia de las cuestiones climáticas y la complejidad de las intersecciones raciales. Desarrollamos una marca diseñada para ser afilada, robusta y, sobre todo, versátil, permitiendo representar diferentes narrativas y contextos, mientras refuerza la lucha por la justicia climática. El universo visual se basa en la construcción e interconexión de bloques cinéticos, utilizando tecnologías innovadoras como IA generativa y programación creativa para expandir este sistema. La estrategia visual incorporó la idea de transformación y multiplicidad, con formas que se alteran dependiendo del ángulo, mostrando perspectivas diferentes sobre la misma realidad. El resultado fue una marca poderosa y memorable que, a través de su diseño y universo visual contemporáneo, fortalece la presencia del Centro y amplifica su impacto en el escenario global.

Martínez se ha posicionado como un verdadero agente de cambio en el sector legal de Colombia y más allá de sus fronteras. La firma surgió tras desvincularse de DLA Piper (una de las firmas de derecho globales más importantes), un paso audaz que significó más que un cambio de nombre; representó una evolución en la forma de concebir el derecho. Esta firma no solo convocó a algunos de los talentos jurídicos más prometedores de Colombia, sino que también se comprometió a romper con las viejas costumbres que han dominado el derecho durante años. Martínez se distingue por su enfoque único en la combinación de la práctica legal con principios de innovación y sostenibilidad, marcando la diferencia en cada caso que maneja y en cada conversación que inspira.

El sector legal, especialmente en Colombia y España, ha estado caracterizado por una fuerte resistencia al cambio, con firmas que perpetúan modelos de negocio anticuados que a menudo no responden a las necesidades actuales de los clientes ni a las nuevas dinámicas del mercado. Al expandirse a España, Martínez no solo se enfrentó a la tarea de establecer su presencia, sino también a la de diferenciarse en un entorno saturado por la tradición y el conservadurismo. Este desafío era monumental, considerando el profundo arraigo y el respeto por el legado en las firmas europeas, lo cual hacía esencial para Martínez no solo entrar en el mercado, sino hacerlo con una propuesta que sacudiera los cimientos de las prácticas establecidas.

En respuesta a este panorama, Martínez adoptó una estrategia de branding que se desmarcó radicalmente de lo tradicional. La elección del amarillo como color principal de su paleta no fue casual; simboliza la luz, la claridad y la innovación, y es representativo del enfoque fresco y enérgico que la firma quiere proyectar. La tipografía Orca Sans fue escogida para complementar esta visión, ofreciendo una imagen que es a la vez moderna y accesible, que habla tanto de seriedad como de accesibilidad. A nivel comunicacional, Martínez cultiva un tono de voz que es inspirador y desafiante, indicativo de su misión de reformar no solo la práctica sino también la percepción del derecho. Su mensaje va más allá del servicio legal; es un llamado a la reflexión y a la acción para clientes y colegas por igual. Con esta ampliación, buscamos proporcionar un contenido que no solo informe sobre la firma, sino que también transmita su filosofía y visión de manera clara y efectiva.

Martínez se ha posicionado como un verdadero agente de cambio en el sector legal de Colombia y más allá de sus fronteras. La firma surgió tras desvincularse de DLA Piper (una de las firmas de derecho globales más importantes), un paso audaz que significó más que un cambio de nombre; representó una evolución en la forma de concebir el derecho. Esta firma no solo convocó a algunos de los talentos jurídicos más prometedores de Colombia, sino que también se comprometió a romper con las viejas costumbres que han dominado el derecho durante años. Martínez se distingue por su enfoque único en la combinación de la práctica legal con principios de innovación y sostenibilidad, marcando la diferencia en cada caso que maneja y en cada conversación que inspira.

El sector legal, especialmente en Colombia y España, ha estado caracterizado por una fuerte resistencia al cambio, con firmas que perpetúan modelos de negocio anticuados que a menudo no responden a las necesidades actuales de los clientes ni a las nuevas dinámicas del mercado. Al expandirse a España, Martínez no solo se enfrentó a la tarea de establecer su presencia, sino también a la de diferenciarse en un entorno saturado por la tradición y el conservadurismo. Este desafío era monumental, considerando el profundo arraigo y el respeto por el legado en las firmas europeas, lo cual hacía esencial para Martínez no solo entrar en el mercado, sino hacerlo con una propuesta que sacudiera los cimientos de las prácticas establecidas.

En respuesta a este panorama, Martínez adoptó una estrategia de branding que se desmarcó radicalmente de lo tradicional. La elección del amarillo como color principal de su paleta no fue casual; simboliza la luz, la claridad y la innovación, y es representativo del enfoque fresco y enérgico que la firma quiere proyectar. La tipografía Orca Sans fue escogida para complementar esta visión, ofreciendo una imagen que es a la vez moderna y accesible, que habla tanto de seriedad como de accesibilidad. A nivel comunicacional, Martínez cultiva un tono de voz que es inspirador y desafiante, indicativo de su misión de reformar no solo la práctica sino también la percepción del derecho. Su mensaje va más allá del servicio legal; es un llamado a la reflexión y a la acción para clientes y colegas por igual. Con esta ampliación, buscamos proporcionar un contenido que no solo informe sobre la firma, sino que también transmita su filosofía y visión de manera clara y efectiva.

Martínez se ha posicionado como un verdadero agente de cambio en el sector legal de Colombia y más allá de sus fronteras. La firma surgió tras desvincularse de DLA Piper (una de las firmas de derecho globales más importantes), un paso audaz que significó más que un cambio de nombre; representó una evolución en la forma de concebir el derecho. Esta firma no solo convocó a algunos de los talentos jurídicos más prometedores de Colombia, sino que también se comprometió a romper con las viejas costumbres que han dominado el derecho durante años. Martínez se distingue por su enfoque único en la combinación de la práctica legal con principios de innovación y sostenibilidad, marcando la diferencia en cada caso que maneja y en cada conversación que inspira.

El sector legal, especialmente en Colombia y España, ha estado caracterizado por una fuerte resistencia al cambio, con firmas que perpetúan modelos de negocio anticuados que a menudo no responden a las necesidades actuales de los clientes ni a las nuevas dinámicas del mercado. Al expandirse a España, Martínez no solo se enfrentó a la tarea de establecer su presencia, sino también a la de diferenciarse en un entorno saturado por la tradición y el conservadurismo. Este desafío era monumental, considerando el profundo arraigo y el respeto por el legado en las firmas europeas, lo cual hacía esencial para Martínez no solo entrar en el mercado, sino hacerlo con una propuesta que sacudiera los cimientos de las prácticas establecidas.

En respuesta a este panorama, Martínez adoptó una estrategia de branding que se desmarcó radicalmente de lo tradicional. La elección del amarillo como color principal de su paleta no fue casual; simboliza la luz, la claridad y la innovación, y es representativo del enfoque fresco y enérgico que la firma quiere proyectar. La tipografía Orca Sans fue escogida para complementar esta visión, ofreciendo una imagen que es a la vez moderna y accesible, que habla tanto de seriedad como de accesibilidad. A nivel comunicacional, Martínez cultiva un tono de voz que es inspirador y desafiante, indicativo de su misión de reformar no solo la práctica sino también la percepción del derecho. Su mensaje va más allá del servicio legal; es un llamado a la reflexión y a la acción para clientes y colegas por igual. Con esta ampliación, buscamos proporcionar un contenido que no solo informe sobre la firma, sino que también transmita su filosofía y visión de manera clara y efectiva.

Martínez se ha posicionado como un verdadero agente de cambio en el sector legal de Colombia y más allá de sus fronteras. La firma surgió tras desvincularse de DLA Piper (una de las firmas de derecho globales más importantes), un paso audaz que significó más que un cambio de nombre; representó una evolución en la forma de concebir el derecho. Esta firma no solo convocó a algunos de los talentos jurídicos más prometedores de Colombia, sino que también se comprometió a romper con las viejas costumbres que han dominado el derecho durante años. Martínez se distingue por su enfoque único en la combinación de la práctica legal con principios de innovación y sostenibilidad, marcando la diferencia en cada caso que maneja y en cada conversación que inspira.

El sector legal, especialmente en Colombia y España, ha estado caracterizado por una fuerte resistencia al cambio, con firmas que perpetúan modelos de negocio anticuados que a menudo no responden a las necesidades actuales de los clientes ni a las nuevas dinámicas del mercado. Al expandirse a España, Martínez no solo se enfrentó a la tarea de establecer su presencia, sino también a la de diferenciarse en un entorno saturado por la tradición y el conservadurismo. Este desafío era monumental, considerando el profundo arraigo y el respeto por el legado en las firmas europeas, lo cual hacía esencial para Martínez no solo entrar en el mercado, sino hacerlo con una propuesta que sacudiera los cimientos de las prácticas establecidas.

En respuesta a este panorama, Martínez adoptó una estrategia de branding que se desmarcó radicalmente de lo tradicional. La elección del amarillo como color principal de su paleta no fue casual; simboliza la luz, la claridad y la innovación, y es representativo del enfoque fresco y enérgico que la firma quiere proyectar. La tipografía Orca Sans fue escogida para complementar esta visión, ofreciendo una imagen que es a la vez moderna y accesible, que habla tanto de seriedad como de accesibilidad. A nivel comunicacional, Martínez cultiva un tono de voz que es inspirador y desafiante, indicativo de su misión de reformar no solo la práctica sino también la percepción del derecho. Su mensaje va más allá del servicio legal; es un llamado a la reflexión y a la acción para clientes y colegas por igual. Con esta ampliación, buscamos proporcionar un contenido que no solo informe sobre la firma, sino que también transmita su filosofía y visión de manera clara y efectiva.

En 2024, EST.31 creó la identidad visual integral para Mercê, la primera productora audiovisual brasileña especializada en food tech. Inspirado en las tradicionales tiendas de barrio, el objetivo fue transmitir el cuidado artesanal y la calidad del contenido audiovisual producido. Se desarrolló un logotipo distintivo basado en las tramas icónicas de las cestas utilizadas en estas tiendas, junto con una tipografía personalizada que también toma como referencia dichas tramas. Completan la identidad visual una paleta de colores vibrantes y elementos gráficos que reflejan autenticidad, cercanía y una conexión genuina con la cultura local, posicionando claramente a Mercê como un referente en contenido audiovisual artesanal para startups y empresas del sector food tech.

Mercê necesitaba una identidad visual completa que reflejara claramente su propuesta única de producción audiovisual artesanal enfocada en startups y food techs. El desafío consistía en comunicar visualmente autenticidad, cercanía y calidad, utilizando referentes culturales fácilmente reconocibles. La identidad debía capturar la esencia del comercio local tradicional brasileño, resaltando elementos cotidianos como las tramas de las cestas, símbolo del cuidado artesanal y del buen contenido disponible en estos comercios.

EST.31 llevó a cabo una exhaustiva investigación visual, mapeando cuidadosamente las tramas icónicas presentes en las cestas de las tiendas de barrio brasileñas. Utilizando estas referencias, se desarrolló un logotipo audaz y memorable, junto con una tipografía personalizada basada en dichas tramas. Complementando el sistema visual, se seleccionó una paleta cromática vibrante y elementos gráficos adicionales que transmiten autenticidad y cercanía. Esta solución integral conecta directamente con la tradición artesanal local, reforzando la identidad única y diferenciada de Mercê.

En 2024, EST.31 creó el logotipo de Mercê, la primera productora audiovisual brasileña especializada en food tech. El objetivo principal fue capturar la esencia artesanal y la tradición de las tiendas de barrio (mercearias). Inspirado en los patrones icónicos de las canastas de compra, el logotipo audaz refleja autenticidad, cercanía y cuidado artesanal, posicionando visualmente a Mercê como referente en innovación audiovisual para startups y food techs en Brasil.

Mercê necesitaba un logotipo distintivo que representara tanto su enfoque innovador en food tech como su arraigo cultural y artesanal. El reto era transmitir cercanía, calidad y autenticidad mediante un símbolo sencillo pero impactante, capaz de conectar emocionalmente con un mercado competitivo y emergente. Se debía encontrar un balance visual que integrara tradición local con un espíritu moderno y emprendedor.

EST.31 realizó una profunda investigación visual sobre las tradicionales mercearias brasileñas, identificando patrones clave como los encontrados en canastas de compra. A partir de estos patrones, creó un logotipo audaz, simple y memorable que encapsula la esencia artesanal y familiaridad cultural de Mercê. Este diseño equilibrado refuerza el posicionamiento innovador y auténtico de la marca en el sector food tech.

Mirá es una panadería de autor que busca, a través de sus creaciones, preservar la memoria ancestral de sus creadores. Valorando ingredientes especiales y técnicas tradicionales, la marca rescata saberes y los combina con los principios de la panadería moderna. En un diálogo entre tradición e innovación, Mirá fusiona los sabores y la esencia de la cultura japonesa y brasileña con la alta gastronomía, incorporando conocimiento técnico y académico para elevar el arte de la panadería.

A partir de la investigación de la fermentación —un proceso central en la cocina asiática—, Mirá adopta un enfoque inspirado en el método científico, guiado por la observación, la experimentación y la intervención. Este rigor creativo da lugar a una selección de panes, dulces y cafés especiales, donde ingredientes de excelencia y técnicas refinadas se combinan para crear sabores complejos y sofisticados, acercando la panadería a la alta gastronomía. La complejidad de sabores y la investigación de ingredientes se desarrollan de manera completamente autoral, dando lugar a combinaciones inesperadas que despiertan curiosidad y deseo. Croissants fermentados con koji, por ejemplo, pueden armonizarse con un mocaccino de caramelo de miso, creando un encuentro sorprendente entre la tradición de la panadería y la pastelería con ingredientes que expanden los horizontes del paladar. Así, Mirá propone un desplazamiento de la pastelería tradicional, fuertemente influenciada por las escuelas europeas, hacia un diálogo más amplio con los saberes asiáticos. La apertura de este espacio en São Paulo materializa el deseo de sus socios de hacer accesible la alta gastronomía a través de la panadería. Con un proyecto firmado por Tadu Arquitectura, la panadería nace como un entorno democrático y contemporáneo, donde la tradición y la innovación se encuentran.

Inspirados en el método científico y en la línea temporal que nos conecta con el pan, desarrollamos un proyecto basado en una arqueología visual, rescatando códigos ancestrales de la panificación. Nuestra investigación nos llevó a la estética de símbolos vinculados al arte milenario del pan – cerámicas, jarras, manos, hongos, fuego – traducidos en un sistema gráfico que evoca esta herencia. Del método científico, absorbemos la lógica de la experimentación: investigar, intervenir, observar y documentar. Esto se refleja en una diagramación minimalista que funciona como un registro visual del proceso, enfatizando claridad y precisión. La influencia japonesa aparece en la elección de la tipografía Nikkei Maru y en los ideogramas en kanji, además de composiciones espaciales amplias, marcadas por la estética gráfica japonesa. El resultado es un equilibrio entre pasado y futuro: un sistema visual que honra la ancestralidad mientras dialoga con la contemporaneidad.

Misiones es una provincia de la República Argentina, que se caracteriza por su exuberante vegetación y por su incomparable riqueza natural. La provincia necesitaba renovar su marca identitaria y a través de ella, mostrar todo lo que este lugar representa y tiene para ofrecer. El proyecto llegó al estudio con un objetivo claro: crear una nueva personalidad de marca para presentar a Misiones ante los ojos y los oídos del mundo.

Este proyecto se aleja de las tendencias actuales, que muestran el crecimiento de un determinado sector, solo a partir de su desarrollo tecnológico. En esta nueva identidad, se buscó darle fuerza a cuestiones más simples y conectadas con este lugar: la naturaleza, el trabajo local, la responsabilidad ambiental, etc. Esta identidad, busca devolverle a Misiones esa frescura que nunca perdió.

El punto de partida, que sirvió como base tanto para el desarrollo comunicacional como gráfico, fue la idea de crecimiento. Inspirándose en la tupida naturaleza de este lugar, y en su evolución constante gracias al turismo y la industria local, llegamos a la conclusión de que Misiones es una provincia rica, donde las cosas buenas crecen. Esto se ve representado en la identidad visual, donde el verde y la naturaleza toman un papel preponderante. El proyecto incluyó el desarrollo de la identidad visual y el trabajo de redacción.

Con más de 80 años en el mercado, Cementos Moctezuma es un pilar en la industria de la construcción en México. En 2023, la marca emprendió un proceso de transformación para revitalizar su identidad, buscando trascender más allá de lo utilitario y convertirse en un símbolo de orgullo nacional y sostenibilidad.

En una categoría dominada por la monotonía visual y la falta de diferenciación, las marcas de cemento se centran exclusivamente en sus aspectos técnicos, dejando de lado la oportunidad de establecer una conexión emocional con sus usuarios. Sin embargo, el cemento es mucho más que un producto utilitario; es la base sobre la cual se han construido civilizaciones enteras, un elemento que representa progreso, fuerza y la posibilidad de transformar ideas en realidades tangibles. Moctezuma enfrentaba el reto de modernizar su identidad para destacar en un mercado visualmente obsoleto, sin perder de vista su profundo legado mexicano. Era crucial proyectar innovación y modernidad, al mismo tiempo que se celebraba la riqueza cultural que forma parte de su historia. La marca necesitaba convertirse en un símbolo de inspiración y orgullo, trascendiendo lo técnico para conectar con el usuario desde una perspectiva más humana y visionaria.

Bajo el concepto “México Trasciende”, rediseñamos la identidad de Moctezuma para convertirla en un referente visual de fortaleza, historia e innovación. El logotipo fue transformado en un emblema que evoca orgullo y solidez, inspirado en los mosaicos prehispánicos que conectan el legado cultural con una visión de futuro. Creamos un sistema gráfico modular basado en glifos, que otorga flexibilidad y cohesión visual en todos los puntos de contacto, desde la identidad corporativa hasta el empaque. La paleta de colores, anclada en el verde de nuestra enseña nacional, representa sustentabilidad y orgullo mexicano, mientras que el diseño del empaque se convierte en un lienzo narrativo que comunica valores culturales y técnicos, destacando en un mercado saturado por propuestas genéricas. Con esta nueva identidad, Moctezuma no solo honra su historia, sino que establece un diálogo visual contemporáneo que redefine la categoría y conecta emocionalmente con sus usuarios.

Este proyecto se centró en el lanzamiento de Modelo Cero, la primera cerveza sin alcohol de la reconocida marca mexicana. El objetivo principal fue crear una identidad visual que comunicara la esencia de esta nueva variante, manteniendo la fuerte conexión con la marca original. Para lograrlo, se desarrolló un nuevo logotipo, branding y sistema de diseño. La estrategia se basó en la simplicidad y el respeto por el legado de Modelo. Un elemento clave fue la transformación de la letra ""O"" del logotipo original en el símbolo de ""cero por ciento"", logrando así una conexión visual clara y concisa. Este sutil cambio permitió resignificar la marca, presentando una nueva opción para los consumidores sin alejarse de la identidad que la ha convertido en un ícono.

El proyecto Modelo Cero surge en un contexto donde la industria cervecera experimenta una creciente demanda por opciones sin alcohol. Factores como la búsqueda de un estilo de vida más saludable y la necesidad de alternativas para conductores designados, impulsan este cambio en el consumo. Modelo, siendo una marca líder en México y Estados Unidos, enfrentó el desafío de incursionar en este segmento manteniendo su imagen de autenticidad y tradición. La problemática principal radicaba en presentar una cerveza sin alcohol que no se percibiera como un producto ajeno a la marca, sino como una extensión natural de la misma. El reto creativo consistió en comunicar la ausencia de alcohol sin sacrificar la personalidad de Modelo. Era crucial que el nuevo producto se integrara a la familia Modelo, manteniendo la esencia y valores que la caracterizan: calidad, tradición y sabor. Además, el proyecto debía considerar el contexto cultural de los consumidores. En México, la cerveza tiene un fuerte arraigo social y cultural, asociado a momentos de celebración y convivencia. Por ello, era fundamental que Modelo Cero se presentara como una opción que permitiera a los consumidores disfrutar de estos momentos sin restricciones.

La solución para el lanzamiento de Modelo Cero se basó en una estrategia de simplicidad e integración. En lugar de crear una identidad completamente nueva, se optó por evolucionar la imagen existente, manteniendo la familiaridad y fortaleciendo el vínculo con la marca madre. El principal elemento de esta estrategia fue la resignificación del logotipo. Se transformó la letra ""O"" en el símbolo de ""cero por ciento"", un cambio sutil pero efectivo que comunica la ausencia de alcohol de manera clara y concisa. Este recurso visual permitió mantener la esencia del logotipo original, asegurando el reconocimiento inmediato por parte de los consumidores. Además del logotipo, se desarrolló un sistema de diseño que se integra a la identidad visual de Modelo, utilizando la misma tipografía, colores y elementos gráficos. Esto crea una conexión visual coherente entre la marca principal y su nueva variante sin alcohol. La estrategia de comunicación se centró en destacar los valores de Modelo que se mantienen intactos en la versión Cero: calidad, sabor y tradición. Se buscó transmitir la idea de que Modelo Cero es una opción para disfrutar del mismo sabor y experiencia, pero sin alcohol. En resumen, la solución se basó en: Simplicidad: Un cambio mínimo pero significativo en el logotipo. Integración: Mantener la coherencia visual con la marca madre. Claridad: Comunicar la ausencia de alcohol de forma concisa. Consistencia: Resaltar los valores de la marca Modelo.

Este proyecto se centró en el lanzamiento de Modelo Cero, la primera cerveza sin alcohol de la reconocida marca mexicana. El objetivo principal fue crear una identidad visual que comunicara la esencia de esta nueva variante, manteniendo la fuerte conexión con la marca original. Para lograrlo, se desarrolló un nuevo logotipo, branding y sistema de diseño. La estrategia se basó en la simplicidad y el respeto por el legado de Modelo. Un elemento clave fue la transformación de la letra ""O"" del logotipo original en el símbolo de ""cero por ciento"", logrando así una conexión visual clara y concisa. Este sutil cambio permitió resignificar la marca, presentando una nueva opción para los consumidores sin alejarse de la identidad que la ha convertido en un ícono.

El proyecto Modelo Cero surge en un contexto donde la industria cervecera experimenta una creciente demanda por opciones sin alcohol. Factores como la búsqueda de un estilo de vida más saludable y la necesidad de alternativas para conductores designados, impulsan este cambio en el consumo. Modelo, siendo una marca líder en México y Estados Unidos, enfrentó el desafío de incursionar en este segmento manteniendo su imagen de autenticidad y tradición. La problemática principal radicaba en presentar una cerveza sin alcohol que no se percibiera como un producto ajeno a la marca, sino como una extensión natural de la misma. El reto creativo consistió en comunicar la ausencia de alcohol sin sacrificar la personalidad de Modelo. Era crucial que el nuevo producto se integrara a la familia Modelo, manteniendo la esencia y valores que la caracterizan: calidad, tradición y sabor. Además, el proyecto debía considerar el contexto cultural de los consumidores. En México, la cerveza tiene un fuerte arraigo social y cultural, asociado a momentos de celebración y convivencia. Por ello, era fundamental que Modelo Cero se presentara como una opción que permitiera a los consumidores disfrutar de estos momentos sin restricciones.

La solución para el lanzamiento de Modelo Cero se basó en una estrategia de simplicidad e integración. En lugar de crear una identidad completamente nueva, se optó por evolucionar la imagen existente, manteniendo la familiaridad y fortaleciendo el vínculo con la marca madre. El principal elemento de esta estrategia fue la resignificación del logotipo. Se transformó la letra ""O"" en el símbolo de ""cero por ciento"", un cambio sutil pero efectivo que comunica la ausencia de alcohol de manera clara y concisa. Este recurso visual permitió mantener la esencia del logotipo original, asegurando el reconocimiento inmediato por parte de los consumidores. Además del logotipo, se desarrolló un sistema de diseño que se integra a la identidad visual de Modelo, utilizando la misma tipografía, colores y elementos gráficos. Esto crea una conexión visual coherente entre la marca principal y su nueva variante sin alcohol. La estrategia de comunicación se centró en destacar los valores de Modelo que se mantienen intactos en la versión Cero: calidad, sabor y tradición. Se buscó transmitir la idea de que Modelo Cero es una opción para disfrutar del mismo sabor y experiencia, pero sin alcohol. En resumen, la solución se basó en: Simplicidad: Un cambio mínimo pero significativo en el logotipo. Integración: Mantener la coherencia visual con la marca madre. Claridad: Comunicar la ausencia de alcohol de forma concisa. Consistencia: Resaltar los valores de la marca Modelo.

Este proyecto se centró en el lanzamiento de Modelo Cero, la primera cerveza sin alcohol de la reconocida marca mexicana. El objetivo principal fue crear una identidad visual que comunicara la esencia de esta nueva variante, manteniendo la fuerte conexión con la marca original. Para lograrlo, se desarrolló un nuevo logotipo, branding y sistema de diseño. La estrategia se basó en la simplicidad y el respeto por el legado de Modelo. Un elemento clave fue la transformación de la letra ""O"" del logotipo original en el símbolo de ""cero por ciento"", logrando así una conexión visual clara y concisa. Este sutil cambio permitió resignificar la marca, presentando una nueva opción para los consumidores sin alejarse de la identidad que la ha convertido en un ícono.

El proyecto Modelo Cero surge en un contexto donde la industria cervecera experimenta una creciente demanda por opciones sin alcohol. Factores como la búsqueda de un estilo de vida más saludable y la necesidad de alternativas para conductores designados, impulsan este cambio en el consumo. Modelo, siendo una marca líder en México y Estados Unidos, enfrentó el desafío de incursionar en este segmento manteniendo su imagen de autenticidad y tradición. La problemática principal radicaba en presentar una cerveza sin alcohol que no se percibiera como un producto ajeno a la marca, sino como una extensión natural de la misma. El reto creativo consistió en comunicar la ausencia de alcohol sin sacrificar la personalidad de Modelo. Era crucial que el nuevo producto se integrara a la familia Modelo, manteniendo la esencia y valores que la caracterizan: calidad, tradición y sabor. Además, el proyecto debía considerar el contexto cultural de los consumidores. En México, la cerveza tiene un fuerte arraigo social y cultural, asociado a momentos de celebración y convivencia. Por ello, era fundamental que Modelo Cero se presentara como una opción que permitiera a los consumidores disfrutar de estos momentos sin restricciones.

La solución para el lanzamiento de Modelo Cero se basó en una estrategia de simplicidad e integración. En lugar de crear una identidad completamente nueva, se optó por evolucionar la imagen existente, manteniendo la familiaridad y fortaleciendo el vínculo con la marca madre. El principal elemento de esta estrategia fue la resignificación del logotipo. Se transformó la letra ""O"" en el símbolo de ""cero por ciento"", un cambio sutil pero efectivo que comunica la ausencia de alcohol de manera clara y concisa. Este recurso visual permitió mantener la esencia del logotipo original, asegurando el reconocimiento inmediato por parte de los consumidores. Además del logotipo, se desarrolló un sistema de diseño que se integra a la identidad visual de Modelo, utilizando la misma tipografía, colores y elementos gráficos. Esto crea una conexión visual coherente entre la marca principal y su nueva variante sin alcohol. La estrategia de comunicación se centró en destacar los valores de Modelo que se mantienen intactos en la versión Cero: calidad, sabor y tradición. Se buscó transmitir la idea de que Modelo Cero es una opción para disfrutar del mismo sabor y experiencia, pero sin alcohol. En resumen, la solución se basó en: Simplicidad: Un cambio mínimo pero significativo en el logotipo. Integración: Mantener la coherencia visual con la marca madre. Claridad: Comunicar la ausencia de alcohol de forma concisa. Consistencia: Resaltar los valores de la marca Modelo.

Montag School es una escuela especializada en formación corporativa, ofreciendo cursos personalizados, conferencias y experiencias de aprendizaje tanto presenciales como en línea. El objetivo principal del proyecto fue desarrollar una identidad visual que comunicara confianza, calidad y un enfoque contemporáneo, diferenciándose del modelo tradicional del sector. Para lograrlo, se creó un sistema visual versátil con un logotipo moderno, tipografía clara y un lenguaje gráfico basado en formas y colores inspirados en herramientas digitales comunes en la educación y los negocios. La identidad refleja la dinamicidad de la enseñanza corporativa y su potencial transformador.

El mercado de formación corporativa suele estar dominado por propuestas visuales tradicionales y poco diferenciadas. Montag School necesitaba una identidad que la posicionara como una opción innovadora y flexible, transmitiendo profesionalismo sin perder frescura. Además, la marca tenía un doble reto: representar tanto la institución como los cursos ofrecidos, garantizando coherencia y versatilidad en diferentes plataformas y materiales. Con estos desafíos en mente, el diseño debía conectar con profesionales de RRHH y empresas, sin dejar de ser atractivo para los participantes de las capacitaciones.

La estrategia visual combinó un enfoque corporativo con una estética moderna y flexible. Se diseñó un logotipo con presencia sólida y tipografía contemporánea, complementado con un sistema gráfico basado en formas geométricas inspiradas en presentaciones digitales, facilitando su aplicación en distintos soportes. La paleta de colores y los elementos visuales fueron diseñados para equilibrar profesionalismo y dinamismo, permitiendo que la marca se adaptara a los distintos contextos de uso. Además, se aseguró que la identidad visual permitiera la creación de nuevos materiales de manera sencilla, empoderando al equipo de Montag School en su comunicación diaria.

Montérrez es el primer vino elaborado en Nuevo León, México, creado para honrar la familia y el legado. Su objetivo principal es romper barreras y demostrar que, con esfuerzo y visión, es posible transformar un territorio en una región vinícola de excelencia. Para lograrlo, se desarrolló una identidad visual que refleja la audacia y el espíritu pionero de la familia Gutiérrez, combinando elementos gráficos que evocan tradición y aventura. Además, se diseñaron materiales de comunicación que transmiten la historia y la esencia de Montérrez, posicionándolo como un vino para quienes crean su propia suerte y abrazan nuevos desafíos.

Montérrez nace en un territorio inexplorado para la vinicultura: Nuevo León, un estado sin tradición en la producción de vino. Sin embargo, la familia Gutiérrez vio en esta tierra una oportunidad para desafiar lo establecido y construir un legado. Con una firme creencia en el esfuerzo y en la capacidad de forjar su propia suerte, se propusieron crear el primer vino comercializado de la región, abriendo camino para una nueva identidad vinícola en México. El reto no solo era producir un vino excepcional en un entorno sin precedentes, sino también desarrollar una marca icónica que representara tanto a la familia como al estado de Nuevo León. La identidad visual debía reflejar su espíritu pionero, combinando la elegancia de un vino clásico con un enfoque fresco y distintivo. Así, Montérrez se convirtió en un símbolo de determinación y audacia, redefiniendo lo que significa hacer vino en México.

Para construir la identidad de Montérrez, adoptamos una estrategia que combinara autenticidad, elegancia y un fuerte vínculo con su entorno. Al visitar el viñedo, descubrimos la riqueza de su flora y fauna, elementos que no solo formaban parte del paisaje, sino que también simbolizaban la vida y resiliencia de la región. Decidimos convertir estos elementos naturales en los protagonistas de la línea de vinos de Montérrez, asignando a cada variedad una ilustración icónica y estilizada de una especie representativa. Estas ilustraciones, sofisticadas pero con un toque distintivo, aportaron personalidad a cada etiqueta, diferenciando la marca en el mercado. Para el logotipo y el emblema, apostamos por una estética que equilibrara modernidad y elegancia, reforzando el carácter premium del vino. Finalmente, establecimos la voz de marca bajo el lema "El Vino de las Montañas", un mensaje que conecta con el orgullo de Nuevo León y su espíritu pionero.

Hace 20 años, Mutt lanzó una línea de alimento crudo, natural para las mascotas. Su crecimiento ha sido orgánico y hoy cuenta con diferentes productos que complementan el portafolio. La categoría del “cuidado/amor a las mascotas” está en crecimiento y Mutt está capitalizando esta coyuntura con un plan de crecimiento hacia nuevas líneas de producto y puntos de venta.

Hoy en día, los dueños de mascotas consideran a sus animales como parte integral de la familia, priorizando su bienestar de manera similar al cuidado personal y la salud integral que buscan para ellos mismos. Mutt detectó una oportunidad: redefinir la categoría de alimentos para mascotas con un enfoque en pet wellness, adoptando los códigos estéticos y narrativos del wellness humano. Sin embargo, enfrentaba un reto crucial: su arquitectura de marca desorganizada y una percepción de “marca pequeña y artesanal” limitaban su capacidad de competir en el retail masivo. En un panorama donde la cohesión visual y narrativa es clave para ganar la preferencia del consumidor, Mutt buscaba establecer un nuevo estándar que reflejara innovación, sofisticación y un compromiso real con el bienestar integral de las mascotas. Esta transformación no solo abriría una nueva categoría, sino que también respondería al creciente deseo de los consumidores por productos que prioricen calidad, propósito y diseño.

Reinventamos la identidad visual de Mutt para redefinir la categoría de pet wellness con una propuesta única que conecta emocionalmente con los dueños de mascotas modernas. Inspirados en los códigos visuales de la categoría de wellness, diseñamos un sistema gráfico que equilibra claridad y sofisticación, generando una estética contemporánea, modular y cohesiva. Este nuevo diseño inspira confianza a través de una narrativa visual clara, diseñada para destacar tanto en retail como en entornos digitales, posicionando a Mutt como el referente de bienestar en el cuidado de mascotas. Desde ell branding hasta el packaging, cada elemento comunica el propósito de la marca: ofrecer un cuidado integral para nuestros compañeros de vida con el mismo nivel de dedicación y calidad que buscamos en nuestro propio bienestar.

Nakamito celebra la fusión peruano-oriental, acercando ingredientes esenciales a quienes buscan cocinar con creatividad y autenticidad. Reconocida inicialmente por su potenciador de sabor, la marca ha evolucionado incorporando productos clave como salsa sillao, salsa de ostión, wasabi en polvo y aceite de ajonjolí. Su antiguo logotipo presentaba limitaciones en legibilidad y aplicación, con un diseño manuscrito poco preciso y una estética tradicional que no reflejaba su identidad fusionada. El reto fue crear un logotipo estructurado y versátil, con referencias a la tipografía asiática. La nueva identidad combina formas geométricas y trazos inspirados en la caligrafía oriental, logrando equilibrio entre tradición y modernidad. Con un rojo intenso sobre amarillo vibrante, transmite energía y sabor. Su estructura modular garantiza adaptabilidad en empaques, comunicación digital y entornos físicos, consolidando a Nakamito como un referente de la cocina fusión, listo para potenciar cada plato con autenticidad.

El logotipo anterior de Nakamito tenía limitaciones en su aplicación. Su diseño manuscrito carecía de precisión y uniformidad, por lo que resultaba difícil de reconocer en distintos formatos y escalas. Además, la tipografía utilizada transmitía una influencia asiática tradicional, pero no reflejaba la esencia de la fusión gastronómica que representa la marca. El contenedor ovalado y los elementos gráficos añadidos no aportaban un valor diferenciador ni un lenguaje propio, por lo que la composición resultante era genérica y anticuada. En entornos de impresión y empaques industriales, el logotipo perdía claridad, lo que afectaba a su legibilidad y reducía su impacto visual en el punto de venta. El reto consistió en proyectar la esencia de Nakamito mediante un logotipo estructurado, versátil y con referencias a la estética tipográfica asiática.

El nuevo logotipo de Nakamito redefine su identidad con una tipografía personalizada, estructurada y audaz, que transmite la esencia de la marca: potenciar los sabores y celebrar la fusión de la cocina peruano-oriental. Su construcción tipográfica integra reminiscencias de la caligrafía asiática, con cortes geométricos y contrastes sutiles que evocan la precisión y el ritmo visual de los caracteres orientales. Las formas rectas y curvas crean un equilibrio entre tradición y modernidad, reflejando la armonía de la fusión gastronómica que Nakamito representa. El uso del color rojo intenso sobre amarillo vibrante refuerza la identidad de la marca, evocando energía, sabor y tradición asiática. Su estructura modular garantiza versatilidad y adaptabilidad, y permite que funcione de manera consistente en empaques, comunicación digital y entornos físicos.

Nakamito celebra la fusión peruano-oriental, acercando ingredientes esenciales a quienes buscan autenticidad y creatividad en la cocina. Inicialmente reconocida por su potenciador de sabor, la marca ha evolucionado con productos clave como salsa sillao, salsa de ostión, wasabi en polvo y aceite de ajonjolí. El rebranding consolidó su identidad visual, proyectando una imagen moderna y funcional que refuerza su conexión con la cocina fusión. Su antiguo diseño, saturado y sin cohesión, dificultaba su reconocimiento en el mercado. La nueva identidad adopta una tipografía condensada para mayor claridad, acompañada de un símbolo inspirado en la suma, reflejando su rol en la cocina: potenciar sabores. Con kanjis decorativos y una paleta vibrante de rojo y amarillo, Nakamito fortalece su presencia y transmite autenticidad. Más que un producto, la marca es una invitación a experimentar, transformando lo cotidiano en extraordinario a través del sabor y la fusión cultural.

El antiguo branding de Nakamito carecía de identidad. Su diseño genérico, con elementos visuales saturados y poco funcionales, no reflejaba la esencia de la marca ni su conexión con la cocina fusión peruano-oriental. El empaque, con gráficos sobrecargados y una tipografía inconsistente, dificultaba su adaptación a distintos formatos limitando su impacto en el punto de venta. Además, la falta de un sistema visual cohesivo hacía que la marca se percibiera anticuada y sin una narrativa que la conectara con su público objetivo. El reto del rebranding era construir una identidad sólida y moderna que permitiera a Nakamito evolucionar más allá de su producto inicial y consolidarse como una marca de referencia en insumos esenciales para la gastronomía fusión. Esto requería una solución visual que equilibrara tradición, funcionalidad y reconocimiento en todos sus puntos de contacto.

El rebranding de Nakamito transforma su identidad en una expresión visual audaz, moderna y alineada con su propuesta de valor: celebrar la cocina fusión peruano-oriental y potenciar los sabores cotidianos con creatividad. El nuevo sistema visual parte de una identidad tipográfica condensada y estructurada que aporta orden y jerarquía, acompañado de un elemento central inspirado en el símbolo de suma o potencia, que representa el papel de Nakamito en la cocina: potenciar sabores y enriquecer preparaciones. El uso de kanjis decorativos refuerza la influencia asiática y crea una conexión más auténtica con el origen de sus productos. Los colores amarillo y rojo se convierten en los colores base para las piezas de marca, junto con los colores complementarios. En cuanto a comunicación, la marca adquiere un tono directo y evocador, en el que se destacan la fusión de culturas y la intensidad de los sabores. Nakamito deja de ser solo un producto y se convierte en una invitación a experimentar y elevar lo cotidiano a lo extraordinario.