PEOPLE’S CHOICE AWARD

Una colaboración entre una artista, una marca de cerveza y un barrio tan antiguo como la capital de Paraguay demuestra que acercarnos a la comunidad, escucharlos y entenderlos, nos acerca más a los verdaderos consumidores.

Los afiches de marcas en los puntos de venta se encuentran expuestos a las condiciones climáticas, haciendo que su vida útil sea corta. Sobre todo en uno de los barrios más antiguos de la capital de Asunción: La Chacarita, que debido a su ubicación en la rivera del Río Paraguay, sufre inundaciones hace años. Ante esta situación el barrio adoptó a lo largo del tiempo una técnica para proteger sus hogares, el mosaico, que terminó siendo adoptado por la comunidad como una expresión artística del lugar

Nos adaptamos a la solución que los propios chacariteños encontraron para proteger sus hogares, creando afiches con la misma técnica, logrando una conexión con la comunidad que perdurará a lo largo del tiempo.

Una colaboración entre una artista, una marca de cerveza y un barrio tan antiguo como la capital de Paraguay demuestra que acercarnos a la comunidad, escucharlos y entenderlos, nos acerca más a los verdaderos consumidores.

Los afiches de marcas en los puntos de venta se encuentran expuestos a las condiciones climáticas, haciendo que su vida útil sea corta. Sobre todo en uno de los barrios más antiguos de la capital de Asunción: La Chacarita, que debido a su ubicación en la rivera del Río Paraguay, sufre inundaciones hace años. Ante esta situación el barrio adoptó a lo largo del tiempo una técnica para proteger sus hogares, el mosaico, que terminó siendo adoptado por la comunidad como una expresión artística del lugar.

Nos adaptamos a la solución que los propios chacariteños encontraron para proteger sus hogares, creando afiches con la misma técnica, logrando una conexión con la comunidad que perdurará a lo largo del tiempo.

Una colaboración entre una artista, una marca de cerveza y un barrio tan antiguo como la capital de Paraguay demuestra que acercarnos a la comunidad, escucharlos y entenderlos, nos acerca más a los verdaderos consumidores.

Los afiches de marcas en los puntos de venta se encuentran expuestos a las condiciones climáticas, haciendo que su vida útil sea corta. Sobre todo en uno de los barrios más antiguos de la capital de Asunción: La Chacarita, que debido a su ubicación en la rivera del Río Paraguay, sufre inundaciones hace años. Ante esta situación el barrio adoptó a lo largo del tiempo una técnica para proteger sus hogares, el mosaico, que terminó siendo adoptado por la comunidad como una expresión artística del lugar.

Nos adaptamos a la solución que los propios chacariteños encontraron para proteger sus hogares, creando afiches con la misma técnica, logrando una conexión con la comunidad que perdurará a lo largo del tiempo.

Presentar las Nike Invencible 3 ZoomX como la zapatilla creada con innovación para apoyar y sacar la mejor versión del runner Bogotano.

Bogotá D.C. es una ciudad dura. Tráfico complejo, siempre en construcción lo que conduce a un estilo de vida acelerado. “Las calles, pues... durísimas” “Bogotá te aprieta la paz interior” “Hacer jogging en Bogotá es una broma de mal gusto”

La sensación de suavidad, soporte y amortiguación que produce correr con las Nike Invencible 3 ZoomX será una experiencia que motivará a los corredores de “rolos” a seguir corriendo más kilómetros, y enfrentar los desafíos cotidianos, sin importar lo difícil que sea Bogotá, entrenar en Bogotá de nuevo fue divertido y muy suave. Creamos una serie de experimentos para poner a prueba la amortiguación de los Invincible 3 ZoomX en Bogotáy sorprender a los runners en el mayor reto de la capital colombiana: Monserrate a más de 3.152 metros de altura, donde los Nike Invincible 3 hicieron del mal clima, los huecos, el estrés y su pendiente máxima de 25%, el entrenamiento más suave y divertido de todos. ¿Cómo lo hicimos? Intervinimos el suelo del recorrido con texturas blandas, superficies esponjosas de diferentes densidades y un gran salto al vacío a más de 3.000 metros de altura. Al final convertimos a Bogotá en una ciudad muy suave para todos los runners rolos.

Havaianas is Brazil's and the world's most iconic flip flop brand. But this time, we were not selling flip flops. We were launching our slides collection. Entering a totally different and extremely competitive segment. Flip flops are beachwear. Slides are streetwear. Flip flops are chillful. Slides? They are wild. So, how to introduce Havaianas slides to a global young audience without going unnoticed? By rethinking everything people know about the brand. By going wild. We unleashed the wild side of Havaianas, by turning the most stylish animals into our models.

When it comes to flip flops, Havaianas is Brazil's and the world's most iconic brand. But in 2023, Havaianas was launching their slides collection, entering a totally different segment with big competitors like Nike, Adidas and Balenciaga. This time, we were not the love brand. Afterall, slides' lifestyle is different from the flip flop ones. Flip flops are beachwear. Slides are streetwear. Slides are chillful. Slides are edgy. Wild. So we couldn't repeat our own formula. Otherwise we would go unnoticed.

We unleashed the wild side of Havaianas by reimagining every code of the brand's identity. We started replacing Havaianas' default human models by the wildest and most stylish bears, lions, hyenas, jaguars and venomous frogs. All of them with a different style inspired by each animal's personality. After 6 months crafting the animals, we made a fashion shoot of them, along with wild stories' short films. To compose even more our wild atmosphere we made a custom-made typeface designed from the perfection of Havaianas geometric type. The alphabet had a specific set of characters varied within a range of wildness. We also created custom-made graphic animal illustrations made from the pattern of the slides. The result was unfolded into billboards, posters, films, social media, retail, branded content, press kits and even 3D digital billboards around the world.

Se crearon 5 stickers para las frutas y verduras que según cifras del (DNP) más se desperdician en Colombia (Tomate – Banano – Aguacate – Mango - Papaya). Los stickers fueron pegados y la exhibición en el supermercado se modificó según el color o estado de maduración de las frutas y verduras. además, se creó una estrategia de precios asociada a la maduración: a mayor maduración, menor precio. En las tiendas se guio a los consumidores a visitar la sección de frutas y verduras, donde fueron recibidos por promotores que les explicaron cómo funcionaba el sticker y qué recetas podían preparar visitando el canal de Instagram de la marca. Además, se entregaron degustaciones con preparaciones que demostraban que sí se pueden crear recetas frescas con frutas o verduras que no están tan frescas.

Según la Food and Agriculture Organization (FAO), y el Departamento Nacional de Planeación (DNP), solo en Colombia se desperdician aproximadamente 6.1 millones de toneladas de alimentos al año, de esa cantidad el 40% son frutas y verduras. Como respuesta a esta problemática, la marca de supermercados Makro, se planteó como objetivo educar al consumidor para evitar el desperdicio de alimentos de una forma creativa, simple, didáctica y económica en sus 22 tiendas.

Utilizamos un medio que ha sido utilizado por décadas en la industria de las frutas y las verduras: el sticker, solo que le dimos un uso funcional: evitar el desperdicio de alimentos extendiendo el ciclo de vida de las frutas y verduras, sugiriendo recetas basadas en el estado de maduración y color, especialmente en su etapa más madura que es cuando las personas evitan su consumo por razones cosméticas. Creamos así entonces EL STICKER SALVAVIDAS, el cual fue impreso en material biodegradable, con tintas ecológicas y pegante suave, en su tradicional tamaño de 2.7 mm; de esta forma, sin uso de tecnología y solo apoyado en colores le enseñamos a los colombianos de una manera sencilla cómo aprovechar sus frutas y verduras de principio a fin. Así Makro le dio a los colombianos una herramienta anti desperdicio que también les ayudó a ahorrar, porque evitar el desperdicio también es ahorro.

Fuimos invitados por la agencia LOLA MULLENLOWE en Madrid para trabajar en una campaña visual increíble y poderosa para el reposicionamiento global de la tradicional marca de té LIPTON. NATURALIDAD Y AUTENTICIDAD. TODO REAL. TODO FOTOGRÁFICO ;) Toda la producción de la campaña sigue la idea principal de visualizar el concepto de que todo lo utilizado en el nuevo té es real, natural y orgánico. Por lo tanto, toda la producción de las imágenes es real y fotográfica, con las hojas e ingredientes reales de cada uno de los sabores de los tés. Nuestro enfoque fue traer tanto armonía como atractivo visual para el resultado final, garantizando así el impacto necesario para el reposicionamiento de la marca en los diversos mercados en los que fue lanzado. 

Nuevo posicionamento de la marca LIPTON global.

IMAGENES CON NATURALIDAD Y AUTENTICIDAD. TODO REAL. TODO FOTOGRÁFICO ;)

Esta marca homenajea a la Patagonia argentina, ilustrando sus paisajes más icónicos en las etiquetas de cada una de sus variedades. Pero había un lugar en esta región hace ya muchos años apropiado por el colonialismo, que aún no tenía su homenaje: Las Islas Malvinas.

La Guerra de las Malvinas, en 1982, surgió por la disputa de soberanía entre Argentina y el Reino Unido sobre las islas. Este conflicto tuvo un fuerte impacto cultural, dejando un importante legado en la memoria colectiva de nuestro país. Esta cerveza fue hecha para mantener viva la memoria de los veteranos, para nunca olvidar que las Malvinas fueron, son y serán argentinas y parte de nuestra Patagonia.

Sabíamos que no era suficiente solo con ilustrar el paisaje. Por eso creamos “Patagonia Nuestra”, una cerveza hecha en colaboración con las personas que en 1982 lucharon para defender nuestra soberanía en la Guerra de las Malvinas. La identidad de esta cerveza la creamos a partir de los recuerdos de nuestros veteranos. Ilustramos la etiqueta con el paisaje que ellos nos describieron y que tenían en su memoria. También creamos una campaña de cortos animados que mostraban algunas de sus vivencias.

Para refrescar su imagen, y mantener su posición líder indiscutible en la categoría en el país, la marca Stolichnaya nos plantea un reto único: desarrollar la primera campaña de posicionamiento 100% local y entablar una conversación para los nuevos consumidores para una marca que hasta el momento había estado utilizando un enfoque global en su comunicación.

Por primera vez se planteó la posibilidad de hacer una campaña local dentro de la región, que no dependiera de una campaña global. Esto fue posible por ser República Dominicana un mercado importante para la marca y la coyuntura especial dada al quitarse en el país las restricciones sociales vividas durante la pandemia .

La estrategía nos llevó a replantear la manera de la marca comunicarse al entender que los jóvenes que ahora estaban empezando su vida social luego de la pandemia eran unos jóvenes con gustos y referencias más atrevidas . Así nace “Ready to Stoli”, un concepto de branding disruptor que llevamos a universo gráfico modular y flexible. Desarrollamos una línea visual para Out of Home (OOH) inspirada en los elementos visuales clave de la marca. Esto implicó la creación de una tipografía personalizada que refleja el estilo del logo.

Una idea para que siempre recuerdes la forma correcta de servir una Stella Artois.

Stella Artois, la cerveza premium con más de 600 años de tradición cuenta con un ritual para obtener la cantidad de espuma ideal en el cáliz; servirla en un ángulo de 45°.

Inclinamos todas las OOH de Stella Artois en Asunción a 45°. De esta forma reflejamos explícitamente el servido perfecto para tomar correctamente una Stella Artois.

Se crearon 5 stickers para las frutas y verduras que según cifras del (DNP) más se desperdician en Colombia (Tomate – Banano – Aguacate – Mango - Papaya). Los stickers fueron pegados y la exhibición en el supermercado se modificó según el color o estado de maduración de las frutas y verduras. además, se creó una estrategia de precios asociada a la maduración: a mayor maduración, menor precio. Usando los medios propios de la marca y las redes sociales, se invitó al consumidor a visitar las tiendas para vivir una experiencia de ahorro y sostenibilidad. En las tiendas se guio a los consumidores a visitar la sección de frutas y verduras, donde fueron recibidos por promotores que les explicaron cómo funcionaba el sticker y qué recetas podían preparar visitando el canal de Instagram de la marca. 

Según la Food and Agriculture Organization (FAO), y el Departamento Nacional de Planeación (DNP), solo en Colombia se desperdician aproximadamente 6.1 millones de toneladas de alimentos al año, de esa cantidad el 40% son frutas y verduras. Como respuesta a esta problemática, la marca de supermercados Makro, se planteó como objetivo educar al consumidor para evitar el desperdicio de alimentos de una forma creativa, simple, didáctica y económica en sus 22 tiendas.

Utilizamos un medio que ha sido utilizado por décadas en la industria de las frutas y las verduras: el sticker, solo que le dimos un uso funcional: evitar el desperdicio de alimentos extendiendo el ciclo de vida de las frutas y verduras, sugiriendo recetas basadas en el estado de maduración y color, especialmente en su etapa más madura que es cuando las personas evitan su consumo por razones cosméticas. Creamos así entonces EL STICKER SALVAVIDAS, el cual fue impreso en material biodegradable, con tintas ecológicas y pegante suave, en su tradicional tamaño de 2.7 mm; de esta forma, sin uso de tecnología y solo apoyado en colores le enseñamos a los colombianos de una manera sencilla cómo aprovechar sus frutas y verduras de principio a fin. Así Makro le dio a los colombianos una herramienta anti desperdicio que también les ayudó a ahorrar, porque evitar el desperdicio también es ahorro.

Se crearon 5 stickers para las frutas y verduras que según cifras del (DNP) más se desperdician en Colombia (Tomate – Banano – Aguacate – Mango - Papaya). Los stickers fueron pegados y la exhibición en el supermercado se modificó según el color o estado de maduración de las frutas y verduras. además, se creó una estrategia de precios asociada a la maduración: a mayor maduración, menor precio. Usando los medios propios de la marca y las redes sociales, se invitó al consumidor a visitar las tiendas para vivir una experiencia de ahorro y sostenibilidad.

Según la Food and Agriculture Organization (FAO), y el Departamento Nacional de Planeación (DNP), solo en Colombia se desperdician aproximadamente 6.1 millones de toneladas de alimentos al año, de esa cantidad el 40% son frutas y verduras. Como respuesta a esta problemática, la marca de supermercados Makro, se planteó como objetivo educar al consumidor para evitar el desperdicio de alimentos de una forma creativa, simple, didáctica y económica en sus 22 tiendas.

Utilizamos un medio que ha sido utilizado por décadas en la industria de las frutas y las verduras: el sticker, solo que le dimos un uso funcional: evitar el desperdicio de alimentos extendiendo el ciclo de vida de las frutas y verduras, sugiriendo recetas basadas en el estado de maduración y color, especialmente en su etapa más madura que es cuando las personas evitan su consumo por razones cosméticas. Creamos así entonces EL STICKER SALVAVIDAS, el cual fue impreso en material biodegradable, con tintas ecológicas y pegante suave, en su tradicional tamaño de 2.7 mm; de esta forma, sin uso de tecnología y solo apoyado en colores le enseñamos a los colombianos de una manera sencilla cómo aprovechar sus frutas y verduras de principio a fin. Así Makro le dio a los colombianos una herramienta anti desperdicio que también les ayudó a ahorrar, porque evitar el desperdicio también es ahorro.

Se crearon 5 stickers para las frutas y verduras que según cifras del (DNP) más se desperdician en Colombia (Tomate – Banano – Aguacate – Mango - Papaya). Los stickers fueron pegados y la exhibición en el supermercado se modificó según el color o estado de maduración de las frutas y verduras. además, se creó una estrategia de precios asociada a la maduración: a mayor maduración, menor precio. Usando los medios propios de la marca y las redes sociales, se invitó al consumidor a visitar las tiendas para vivir una experiencia de ahorro y sostenibilidad. En las tiendas se guio a los consumidores a visitar la sección de frutas y verduras, donde fueron recibidos por promotores que les explicaron cómo funcionaba el sticker y qué recetas podían preparar visitando el canal de Instagram de la marca. Además, se entregaron degustaciones con preparaciones que demostraban que sí se pueden crear recetas frescas con frutas o verduras que no están tan frescas.

Según la Food and Agriculture Organization (FAO), y el Departamento Nacional de Planeación (DNP), solo en Colombia se desperdician aproximadamente 6.1 millones de toneladas de alimentos al año, de esa cantidad el 40% son frutas y verduras. Como respuesta a esta problemática, la marca de supermercados Makro, se planteó como objetivo educar al consumidor para evitar el desperdicio de alimentos de una forma creativa, simple, didáctica y económica en sus 22 tiendas.

Utilizamos un medio que ha sido utilizado por décadas en la industria de las frutas y las verduras: el sticker, solo que le dimos un uso funcional: evitar el desperdicio de alimentos extendiendo el ciclo de vida de las frutas y verduras, sugiriendo recetas basadas en el estado de maduración y color, especialmente en su etapa más madura que es cuando las personas evitan su consumo por razones cosméticas. Creamos así entonces EL STICKER SALVAVIDAS, el cual fue impreso en material biodegradable, con tintas ecológicas y pegante suave, en su tradicional tamaño de 2.7 mm; de esta forma, sin uso de tecnología y solo apoyado en colores le enseñamos a los colombianos de una manera sencilla cómo aprovechar sus frutas y verduras de principio a fin. Así Makro le dio a los colombianos una herramienta anti desperdicio que también les ayudó a ahorrar, porque evitar el desperdicio también es ahorro.

Nuestro trabajo fue relanzar la marca aprovechando el cambio de botellas y etiquetas. Para esto, desarrollamos un nuevo concepto de campaña que llame la atención rápidamente en las redes sociales y permita posicionar al producto como líder de la categoría.

Buscamos democratizar el consumo de kombucha y sacarla del nicho mental de quienes la consideran solo para deportistas, veganos o quienes se cuidan en extremo.

Para alcanzar el bienestar que propone la marca, primero debemos abandonar todo lo que nos hace daño. Así llegamos al nuevo concepto: “DEJA LO TÓXICO ATRÁS”, y usamos una palabra popular para crear contenido disruptivo, memero y que genere tendencia en redes.

El proyecto trata sobre dejar que nuestra imaginación fluya y mostrar de qué somos capaces como equipo. Con el objetivo de crear una animación que explique de manera concisa lo que realmente hacemos, finalmente llegamos a "Un Estudio Creativo No Convencional". Este proyecto es una prueba de nuestra diversidad de habilidades y conocimientos, una mezcla única y ecléctica de diferentes estilos y narrativas que muestra lo que somos como equipo creativo.

Al ejemplificar en la práctica, logramos llegar al público de manera didáctica y contundente, con una narrativa lineal que aborda la creación de una animación, desde su propuesta formal hasta la entrega final. El formato elegido para el video nos brindó total libertad para explorar diversas técnicas de animación, destacando así la variedad de posibilidades que surgen de una propuesta creativa.

Explorar las diversas técnicas disponibles en el universo de la animación (ilustración 2D, fotograma a fotograma, 3D, collage, motion graphics, etc.) alrededor de un guion que, de manera desenfadada, explica el camino de una propuesta creativa, desde su presupuesto inicial hasta su ejecución y entrega.

Artefatools es una plataforma de herramientas autoral del Estudio Artefato, diseñada para traer soluciones a otros designers y elevar sus proyectos a un nuevo nivel de excelencia. Como una extensión de Artefato, nuestro objetivo es fortalecer la comunidad creativa, ofreciendo apoyo al desarrollo profesional, promoción y mejora de proyectos nacionales. Nuestro primer producto-servicio se destaca inicialmente con mockups. Creemos en el impacto de la fotografía en la diferenciación y desempeño de proyectos, influyendo en las visualizaciones y desarrollos futuros. Nuestros mockups realistas son cuidadosamente curados por el equipo de Artefatools, combinando dirección y ejecución fotográfica para garantizar el toque único que sus proyectos merecen. Ofrecemos imágenes en alta definición, reflejos responsivos, capas organizadas y licencias para uso ilimitado, promoviendo el toque que faltaba en sus trabajos, usando la expresión brasileña 'tchan' para referirnos a este toque. En este video animado trabajamos en la presentación de nuestra marca para su lanzamiento.

El principal desafío en el desarrollo del video de lanzamiento de Artefatools fue condensar toda la narrativa esencial en solo un minuto, el tiempo máximo permitido para la promoción de videos en plataformas como Facebook e Instagram. Nuestra meta fue presentar de manera impactante el concepto de la nueva marca, incluyendo un enfoque explicativo. Este corto período nos obligó a explorar hábilmente el problema, conectando al espectador con nuestro propósito, y presentar la solución con los productos desarrollados así como mostrar pruebas sociales del estudio. Fue un equilibrio entre transmitir el valor, establecer confianza y generar interés, creando una narrativa envolvente y convincente dentro del restrictivo intervalo temporal.

En nuestro video, nos embarcamos en un viaje temporal que abarca varias décadas, comenzando con la estética de los años 2000 y evolucionando hacia inserciones que remiten a los años 50, 60 y más allá. Este viaje caleidoscópico tiene la intención de generar muchos estímulos, combinando animaciones e imágenes captadas para crear una experiencia visual dinámica. La fusión de estéticas, desde las vibrantes hasta las retros, refleja la diversidad artística que inspira a Artefatools. Esta aproximación no solo ofrece una representación dinámica y envolvente, sino que también celebra la pluralidad de estilos. Queremos que designers y artistas encuentren en nuestras herramientas un espacio accesible para expresar su creatividad en diversas formas.

Blue Dot es un proyecto personal que se inspira en la icónica imagen del "Punto Azul Pálido" y en la narración que hace Carl Sagan. Este video busca fusionar ciencia y arte para resaltar la singularidad de la Tierra y fomentar un sentido compartido de responsabilidad. Inspirando una conexión más profunda con nuestro hogar en el vasto universo. Este proyecto fusiona movimiento y ciencia para transmitir de manera envolvente el mensaje atemporal de Carl Sagan sobre la importancia de cuidar nuestro pequeño pero precioso rincón en el espacio.

Inspirado por la visión de Carl Sagan, este proyecto busca trascender fronteras y conectar con audiencias diversas, aprovechando la fascinación universal por el cosmos y nuestro lugar en él. En el contexto cultural actual, hay un creciente interés por la divulgación científica y la conciencia ambiental. Este proyecto se alinea con esa tendencia, utilizando la potencia visual del proyecto para llegar a audiencias de todas las edades y niveles de conocimiento. Al fusionar la belleza estética con el mensaje profundo de respeto por nuestro planeta, este proyecto busca inspirar reflexión y acción en un público que valora la exploración, la creatividad y la sostenibilidad.

El proyecto ofrece una solución visualmente impactante para comunicar la fragilidad y singularidad de la Tierra. A través de la animación, se logra transmitir de manera efectiva mensajes científicos y ambientales, conectando emocionalmente a la audiencia con la importancia de preservar nuestro planeta en el vasto cosmos. Esta iniciativa busca inspirar conciencia y acción, utilizando la animación para generar un impacto duradero en la percepción de nuestro papel en el universo.

PORTUGUÊS: The Everything Design Summit da Coca-Cola Company é um evento feito para provocar e inspirar designers a verem a disciplina como uma poderosa ferramenta de transformação. Um projeto que aproveita todo o repertório de uma das marcas mais icônicas do mundo, para criar uma identidade visual que questiona e movimenta reflexões sobre temas de universos em constante mudança. ENGLISH: The Coca-Cola Company's Everything Design Summit is an event designed to provoke and inspire designers to see design as a powerful tool for transformation. A project that takes advantage of the entire repertoire of one of the world's most iconic brands to create a visual identity that questions and moves reflections on themes in constantly changing universes. SPANISH: El Everything Design Summit de The Coca-Cola Company es un evento diseñado para provocar e inspirar a los diseñadores a ver el diseño como una poderosa herramienta de transformación. Un proyecto que aprovecha todo el repertorio de una de las marcas más icónicas del mundo para crear una identidad visual que cuestiona y mueve a la reflexión sobre temas de universos en constante cambio.

PORTUGUÊS: Com uma área dedicada a criar memorabilidade para as marcas, a Coca-Cola Company vem construindo, ano após ano, uma sólida cultura de design interna. O Everything Design Summit é um evento anual, onde os designers do mundo todo da companhia se reúnem para pensar qual é o seu papel num mundo em constante transformação. Vivendo em uma época efervescente, marcada por mudanças comportamentais, ambientais e tecnológicas, como engajar os designers a enxergarem o próprio design sob uma nova perspectiva? Como usar o design para manter as marcas da empresa relevantes para as pessoas? Como mostrar a força do design e o seu poder transformador? E a resposta foi uma linguagem diversa e icônica, que engaja, provoca, experimenta e convida a um novo olhar. Uma identidade feita para mostrar que o design é tudo e está em transformação. ENGLISH: With an area dedicated to creating memorability for brands, the Coca-Cola Company has been building a solid internal design culture year after year. The Everything Design Summit is an annual event where the company's designers from around the world come together to think about their role in a world in constant transformation. Living in an effervescent time, marked by behavioral, environmental, and technological changes, how do we engage designers to see design itself in a new light? How can design be used to keep company brands relevant to people? How to show the strength of design and its transformative power? And the answer was a diverse and iconic language that engages, provokes, experiments, and invites a fresh look. An identity designed to show that design is everything and is transforming. SPANISH: Con un área dedicada a crear memorabilidad para las marcas, Coca-Cola Company ha ido construyendo año tras año una sólida cultura interna de diseño. El Everything Design Summit es un evento anual en el que los diseñadores de la empresa de todo el mundo se reúnen para reflexionar sobre su papel en un mundo en constante transformación. Viviendo en una época efervescente marcada por los cambios de comportamiento, medioambientales y tecnológicos, ¿cómo conseguimos que los diseñadores vean el propio diseño bajo una nueva luz? ¿Cómo puede utilizarse el diseño para que las marcas de las empresas sigan siendo relevantes para la gente? ¿Cómo mostrar la fuerza del diseño y su poder transformador? Y la respuesta fue un lenguaje diverso e icónico que engancha, provoca, experimenta e invita a una nueva mirada. Una identidad diseñada para mostrar que el diseño lo es todo y está en transformación.

PORTUGUÊS: A resposta foi uma identidade em movimento desenhada para movimentar pessoas a refletir sobre os assuntos mais atuais da disciplina. Uma linguagem que transforma o D de Design em um símbolo que cria movimentos cíclicos e repetitivos que hipnotizam o olhar. Movimentos com propósito, que exploram narrativas que engrandecem, distorcem, provocam, convidam a um novo olhar. ENGLISH: The answer was a moving identity designed to move people to reflect on the most current issues in the discipline. A language that transforms the D for Design into a symbol that creates cyclical and repetitive movements that mesmerize the eye. Movements with purpose, which explore narratives that magnify, distort, provoke, and invite a fresh look. SPANISH: La respuesta fue una identidad en movimiento diseñada para mover a la gente a reflexionar sobre los temas más actuales de la disciplina. Un lenguaje que transforma la D de Diseño en un símbolo que crea movimientos cíclicos y repetitivos que hipnotizan la mirada. Movimientos con propósito, que exploran narrativas que magnifican, distorsionan, provocan e invitan a una nueva mirada.

Para conmemorar el Dia del Refugiado se nos encargó la interpretación animada del testimonio de vida del bailarín de origen Sirio, Ahmad Joudeh .

La ONU estima que actualmente hay más de 32 millones de refugiados en todo el mundo y más de 10 millones de personas que son apátridas, lo que significa que no tienen nacionalidad y no pueden acceder a los derechos humanos básicos. Ahmad Joudeh fue uno de ellos hasta que el baile cambió su vida. Durante la guerra civil en Siria, y durante su educación en el campo de Al Yarmouk, Ahmad recibió constantes amenazas de extremistas por bailar. Pero rendirse nunca fue una opción. Su perseverancia captó la atención de los medios internacionales, consiguió su invitación del Ballet Nacional Holandés y finalmente le llevó a recibir la nacionalidad holandesa. Si bien la historia de Joudeh es única, millones de personas comparten su difícil situación y su resiliencia. En el Día Mundial del Refugiado, comparte su viaje para superar la apatridia, la guerra y los prejuicios para convertirse en un bailarín de renombre internacional y una voz para los refugiados y las personas que, como él, nacieron apátridas.

Desarrollamos un estilo gráfico 2D que nos permitiera tener una interpretación abstracta del protagonista y su entorno , que tuviese un alto impacto visual pero que la vez pudiese responder al acotado tiempo de desarrollo con el que contábamos para realizar el proyecto completo: 4 Semanas , desde el guion hasta la animación.

El proyecto consiste en combinar animación 2D, collage digital y captura en live action para crear un video promocional que involucre a la audiencia de la cervecería en el ámbito digital, así como generar recursos (gifs en bucle y estáticos) para publicaciones en redes sociales.

Gracias al medio audiovisual, pudimos incorporar varios elementos de diferentes orígenes, como la música y el cine, logrando fusionar diversas referencias semióticas de la cultura de la cannabis en la animación final. Esto generó un material dinámico, divertido y coherente con la identidad ya establecida de la marca.

La Cervecería Fumaçônica es reconocida por incorporar la cultura cannábica en su diseño y productos, dándoles un tono informal y colorido a su línea de cervezas. El desafío era tomar el diseño ya utilizado en sus productos, pero agregar un nuevo conjunto de elementos del mundo del collage y el diseño de movimiento 2D para crear una narrativa con la misma onda del branding de la marca.

El fútbol no es solo un juego. Es una pasión, una forma de encender nuestros corazones y brindar esa sensación de epifanía a nuestras almas. Gritamos, lloramos, sentimos orgullo y rabia. Mucha rabia. Y, bueno, si hay alguien capaz de hacer que todo esto suceda (¡de verdad!) en un partido, esa persona es la figura del portero. Como bastiones que defienden nuestra voluntad más íntima, se sitúan en el lugar de un renegado: van desde la exaltación hasta el escarnio en un solo lance. La verdad sea dicha, donde pisan, la hierba no crece. Goleiro de Aluguel es una plataforma donde personas como tú y yo pueden encontrarlos. Y la campaña que hicimos muestra exactamente eso.

El fútbol no es solo un juego. Es una pasión, una forma de encender nuestros corazones y brindar esa sensación de epifanía a nuestras almas. Gritamos, lloramos, sentimos orgullo y rabia. Mucha rabia. Y, bueno, si hay alguien capaz de hacer que todo esto suceda (¡de verdad!) en un partido, esa persona es la figura del portero. Como bastiones que defienden nuestra voluntad más íntima, se sitúan en el lugar de un renegado: van desde la exaltación hasta el escarnio en un solo lance. La verdad sea dicha, donde pisan, la hierba no crece. Goleiro de Aluguel es una plataforma donde personas como tú y yo pueden encontrarlos.

Nuestro filme "GDA, Hecho con las Manos" es un proyecto único, elaborado con diversas técnicas de arte utilizando exclusivamente las manos. Cada escena representa una expresión de pasión y creatividad, desafiándonos a crear una película sin la necesidad de usar una cámara tradicional. En cambio, cada cuadro fue meticulosamente construido, cuadro a cuadro, foto a foto. El resultado es una película rica en collages, lettering y movimiento, resaltando la diversidad de las técnicas artísticas empleadas. Cada detalle, desde la cuidadosa selección de las imágenes hasta la aplicación de efectos de movimiento, contribuye a una experiencia visual envolvente. "GDA, Hecho con las Manos" es más que una película, es una celebración de nuestra habilidad para crear, moldeada por las manos que dieron vida a cada momento de esta obra única.

IKEA deseaba que los jóvenes que se aventuran por primera vez fuera de sus casas y sintieran que no se habian ido nunca de ella de una manera que conectara auténticamente con la Generación Z. En esta campaña de 3 spots vamos a entrar en 3 historias conectadas por el mismo sentimiento, armar nuestro nuevo hogar.

Este proyecto surge en respuesta a la creciente necesidad de conectarse auténticamente con la Generación Z. Reconocemos que los jóvenes de hoy buscan representaciones más realistas y cercanas en los medios, y qué mejor manera de lograrlo que a través de un formato que resuene profundamente con ellos: el anime. Este subgénero "slice of life" se ha ganado la lealtad de la Generación Z al ofrecer representaciones auténticas y reconfortantes de la vida cotidiana. La elección del anime como forma de representación busca capturar la esencia y la belleza de los momentos diarios, reflejando así la búsqueda de autenticidad y conexión en una era digital. Además, la inclusión del estilo lo-fi contribuye a la atmósfera relajada y acogedora que caracteriza a este género, creando un espacio donde los espectadores pueden sumergirse en las experiencias cotidianas de los personajes.

Clubcamping creó un homenaje al subgénero de anime "slice of life", conocido por retratar la belleza en los momentos cotidianos, típicamente a través de escenas increíblemente relajantes de personas llevando a cabo sus días. Al unir esos principios con los valores propios de IKEA (mejorar la vida cotidiana de las personas), se sienta la base para la serie.

El proyecto forma parte de una campaña de la Municipalidad de Curitiba para fomentar la lectura infantil, y propone abordar la temática de manera lúdica y divertida como una forma de introducir el mundo de la lectura a padres e hijos de la ciudad.

La pieza de la campaña para fomentar la lectura necesitaba una propuesta que se alineara de manera contemporánea con la iniciación a la lectura de niños y jóvenes en la ciudad. Por lo tanto, para ilustrar mundos mágicos provenientes de los libros, nuestra investigación culminó con la elección de diversas técnicas para abordar mejor el tema, ya que de esta manera también ilustraríamos la pluralidad de posibilidades que acompañan a la lectura y la apertura de nuevos mundos y personajes.

La propuesta consistió en capturar imágenes en acción real, mostrando a una hija con su padre, quienes se encuentran con un universo mágico y divertido gracias a la lectura de la pequeña protagonista. A lo largo del filme, ella "libera" a estos seres fantásticos de sus respectivos libros. Para lograrlo, optamos por representar a estos seres fantásticos utilizando diversas técnicas, como 2D, 3D, collage e ilustración tradicional fotograma a fotograma. De esta manera, buscamos representar la diversidad y la variedad de posibilidades que surgen a partir de la lectura

[ENG] "Please Take a Step Back" by Snoop Dogg and GaryVee is a motivational anthem about success and self-improvement. The song combines financial literacy lessons with personal experiences, emphasizing real estate investing and entrepreneurship as keys to prosperity and realizing dreams. [ESP] La canción "Please Take a Step Back" de Snoop Dogg y GaryVee es un himno motivacional sobre el éxito y la mejora personal. La canción combina lecciones de educación financiera con experiencias personales, enfatizando la inversión en bienes raíces y el emprendimiento como claves para la prosperidad y la realización de sueños.

[ENG] "Please Take a Step Back" by Snoop Dogg and GaryVee is a motivational anthem about success and self-improvement. The song combines financial literacy lessons with personal experiences, emphasizing real estate investing and entrepreneurship as keys to prosperity and realizing dreams. [ESP] La canción "Please Take a Step Back" de Snoop Dogg y GaryVee es un himno motivacional sobre el éxito y la mejora personal. La canción combina lecciones de educación financiera con experiencias personales, enfatizando la inversión en bienes raíces y el emprendimiento como claves para la prosperidad y la realización de sueños.

[ENG] "Please Take a Step Back" by Snoop Dogg and GaryVee is a motivational anthem about success and self-improvement. The song combines financial literacy lessons with personal experiences, emphasizing real estate investing and entrepreneurship as keys to prosperity and realizing dreams. [ESP] La canción "Please Take a Step Back" de Snoop Dogg y GaryVee es un himno motivacional sobre el éxito y la mejora personal. La canción combina lecciones de educación financiera con experiencias personales, enfatizando la inversión en bienes raíces y el emprendimiento como claves para la prosperidad y la realización de sueños.

Skate Levels fue un evento de competición de skate promovido por Red Bull donde lo real y lo virtual se encontraron, con la creación de una pista de skate video mapeada inspirada en los juegos arcade populares de los años 80. El espacio físico de la pista se cambió a través de proyecciones basadas en la evolución de las etapas, que transformaron escenarios y resaltaron áreas de interés.

Red Bull Skate Levels contribuye a ampliar el vocabulario visual de las escenas de vídeo más allá de los escenarios y entornos de los eventos convencionales hasta la dinámica de una competición deportiva. El transporte de lenguajes principalmente digitales de los juegos a la realidad creó un entorno inmersivo y atmosférico. Además de la diversidad de transformaciones visuales, la videoescenografía permitió la actualización en tiempo real, lenguaje propio de los videojuegos y necesario para un evento transmitido en vivo y con interacción pública. La competencia fue transmitida en vivo por los canales TNT Sports de TV y YouTube, donde los espectadores pudieron comentar y evaluar las maniobras, definiendo el resultado del campeonato en votaciones sumadas a las del jurado especializado, reforzando el carácter interactivo característico de los juegos.

Con una propuesta de transportar el universo de los videojuegos a un espacio físico, nace Red Bull Skate Levels, dando lugar a la extrapolación de varias estéticas clásicas de esta lengua vernácula digital. La competición se desarrolló en un parque de skate construido en el estudio y se dividió en fases, destacando en cada una de ellas uno de los dispositivos presentes en la patineta. Los personajes del juego eran atletas que practicaban skate y que, divididos en equipos, competían por la victoria. Para crear el aspecto de las proyecciones, la inspiración provino de juegos que se encontraban en las salas de juegos de la década de 1980, bebiendo en gran medida de imágenes de ondas sintéticas, con fuertes colores de neón, una apariencia pixelada y con fallas. A través de las proyecciones se creó una atmósfera que insertó a los competidores en este universo paralelo, indicando la evolución de los niveles, con cambios de escenario y elementos que indicaron rutas y misiones a completar, además de mostrar puntajes, clasificaciones y eliminaciones. La competencia fue transmitida en tiempo real por el canal TNT Sports, tanto por TV como por YouTube, donde los espectadores tuvieron la oportunidad de comentar y definir el resultado del campeonato, evaluando la participación de los jugadores, reforzando el sentido de interactividad y contribuyendo a la El acontecimiento adquirió el carácter de un juego.

Los Ray-Ban 4323 son lentes de acrílico transparente y liviano que crean un perfil delgado pero audaz. En esta pieza visual, se presentan en un mundo totalmente distinto que contrasta con el uso tradicional de los lentes, conectándolos con un entorno más vibrante, colorido y nocturno. Aprovechando las características del material y sus propiedades refractivas, jugamos con los colores que de allí se desprenden, creando composiciones energéticas y planos contemplativos.

La introducción del modelo Ray-Ban 4323 como accesorio de moda nocturno. El desafío fue crear un mundo nuevo, donde los lentes dejen de ser solo para uso diurno y puedan ser utilizados como un accesorio de moda en un entorno nocturno, ampliando así sus posibilidades de uso.

Creamos un mundo nuevo para este modelo, donde los lentes de acrílico se transforman en una amplia paleta de colores adaptable que se fusiona con el entorno, creando un efecto dinámico y sorprendente, revelando así su versatilidad. En este video de 35 segundos, utilizamos música electrónica suave como base para una edición rítmica y dinámica.

Chachingo es el resultado de la pasión y la curiosidad de Ale Vigil, un enólogo galardonado que se aventuró a explorar el mundo de la cerveza junto a sus amigos. Pero la identidad visual de la marca no transmitía el espíritu experimental y lúdico de sus creadores. º https://www.youtube.com/watch?v=qNPxWMUi...

A partir del posicionamiento definido bajo el claim “Vamos a probar”, se trabajó en el rebranding de una manera diferente, incorporando lo aleatorio y lo divertido al proceso creativo. Mediante una experiencia colectiva y analógica se definió el nuevo logo de marca y posteriormente todos los recursos gráficos. Para el desarrollo de las etiquetas procesamos mediante una inteligencia artificial atributos de cada una de las variedades, que como resultado nos dieron una imagen característica para cada una. Y finalmente, llevamos a los packs diferentes encuadres de estas imágenes, para que desde el primer contacto con el producto la gente pudiera percibir la personalidad lúdica y experimental de la marca. Para la comunicación del relanzamiento, se crearon “Los Chachingos”, unos personajes inspirados en los padres de esta cerveza, que viven distintas situaciones y sólo dicen “Chachingo” cuando algo pasa, porque es lo que más aman hacer.

A partir del posicionamiento definido bajo el claim “Vamos a probar”, se trabajó en el rebranding de una manera diferente, incorporando lo aleatorio y lo divertido al proceso creativo. Mediante una experiencia colectiva y analógica se definió el nuevo logo de marca y posteriormente todos los recursos gráficos. Para el desarrollo de las etiquetas procesamos mediante una inteligencia artificial atributos de cada una de las variedades, que como resultado nos dieron una imagen característica para cada una. Y finalmente, llevamos a los packs diferentes encuadres de estas imágenes, para que desde el primer contacto con el producto la gente pudiera percibir la personalidad lúdica y experimental de la marca. Para la comunicación del relanzamiento, se crearon “Los Chachingos”, unos personajes inspirados en los padres de esta cerveza, que viven distintas situaciones y sólo dicen “Chachingo” cuando algo pasa, porque es lo que más aman hacer.

‘sesc fábrica da pompeia’ is a self-initiated film that pays homage to the great Brazilian-Italian architect Lina Bo Bardi, specifically to SESC Pompeia building, located in São Paulo, Brazil. It is an educational work that aims to disseminate the history of the building and through that brings light to heritage preservation in Brazil via requalification. The film call attention to the architect’s artistic effort to create a place where one could seek education, leisure, health and culture.

During the late 19th and 20th centuries, the city of São Paulo underwent an intense process of industrialization and is now part of the most industrialized region in Latin America. This process boosted the region's economy and the quality of life for its population, but the city found itself increasingly lacking spaces dedicated to leisure and culture. By the end of the last century, the factories that once occupied the city's central region were dismantled, leaving few examples of architecture that marked an important part of the city's history. It is in this context that the Social Service of Commerce (SESC) invited architect Lina Bo Bardi to rethink the space that was once a factory. The initial idea was to demolish the existing building, but the architect decided to preserve it. SESC Pompeia was transformed into an important center for leisure, culture, and health in the city. Its construction and solutions influenced the architecture field and were chosen by The New York Times as one of the 25 Most Significant Works of Postwar Architecture. Lina Bo Bardi is considered one of the greatest architects of the 20th century and influenced architects globally. Her work received a Special Golden Lion for Lifetime Achievement at the La Biennale di Venezia in 2021. The preservation of Architectural and Artistic Heritage in Brazil is still a challenge, and SESC Pompeia serves as an example of protection, requalification, and adaptation to the present. Lina Bo Bardi's work helps us think about the city and architecture in a fairer way, suitable to the context of Latin America and filled with poetry for the population.

Bo Bardi was a multifaceted architect, she designed from buildings to uniforms, chairs to posters and so on. The film, via its aesthetic and Art Direction ties the architect’s approach, using illustration, typography, 2D collage, 3D models and scribbles. The mix of techniques also highlights the way the building was designed, with ideas coming from the architect, the trainees and the construction builders, that became artists in the process. The colour pallete is reduced to greyscale and pops of bright red. This decision was influenced by the architecture: the concrete structure and preexisting materials were left bare and exposed; the red was used to highlight interventions and also to bring life and playfulness to the space. Lina saw architecture as a medium to create life and art in daily life.

MTV International nos encargó este proyecto dándonos libertad para desafiar los límites del arte visual. El cliente incentivó a los creadores a hacer algo sorprendente e inspirador para generar conversación. Por primera vez, MTV decidió encargar sus Artist Idents en torno a diferentes causas a lo largo del año. Se pusieron en contacto con nosotros para encargar un video de 15 segundos para celebrar el Día Internacional de la Mujer.

Brasil es el país que ha registrado el mayor número de asesinatos de personas trans durante más de una década. Ante el reciente crecimiento de la transfobia, es urgente adoptar posturas que integren a esta población en el debate sobre las desigualdades. La creencia de que cada cuerpo tiene el derecho de ser quien es, de existir y vivir con dignidad es lo que ha guiado la creación de esta obra. La lucha por los derechos trans no solo beneficia a las personas transgénero, sino que también integra una mayor variedad de experiencias de la feminidad y de la mujer. Existe una mayor reflexión en el transfemenismo sobre la identidad y cómo cada uno de nosotros se ve a sí mismo en el mundo. Nadie necesita ajustarse a los estándares impuestos por los estereotipos de género.

Creamos una pieza sobre la libertad. Se llama "Trascendental", un juego de palabras con la idea de trascender y transgender. Habla de ir más allá de los límites impuestos por los estándares de género. Es una oda visual a la fuerza vital que pulsa dentro del cuerpo, que no reduce el género al sexo biológico. Lleva el mensaje de que existen muchas formas hermosas y diversas de existir. El Ident se realizó con fragmentos de imágenes generadas por inteligencia artificial como una forma de investigación e intento de comprender el mecanismo y por qué ha sido tan polémico especialmente en el mundo de las artes. Estamos muy interesados en el potencial que estas herramientas tienen para el arte y los artistas, así como en la posibilidad de democratizar el acceso a herramientas y técnicas, para crear a partir de una base de datos común de conocimiento compartido.

Hemos desarrollado una serie de animaciones humorísticas y coloridas para Uber Flash, una modalidad destinada al servicio de envío de encomiendas. La campaña muestra soluciones descabelladas a situaciones que se pueden resolver fácilmente con el servicio, como el uso palomas mensajeras, o incluso magia para hacer aparecer boletos en un sombrero. We have developed a series of humorous and colorful animations for Uber Flash, a service dedicated to delivering items and packages. The campaign features absurd scenarios that could easily be solved withUber Flash, such as deliveries by carrier pigeons or even tickets magically pulled out of a hat.

Uber es una aplicación popularmente conocida por el uso vehículos para viajes de pasajeros, y en Brasil, esta plataforma también permite enviar objetos con Uber Flash. La intención de la campaña es la de difundir esta modalidad dentro de la plataforma, retratando situaciones dramáticas que pueden resolverse fácilmente gracias a este servicio. Se basa en la metáfora de que con Uber Flash no se necesita ninguna solución demasiado milagrosa para enviar un objeto. Uber is a widely known app for passenger rides, and in Brazil, the platform also allows for the delivery of items through Uber Flash. The campaign's intention was to promote this service within the platform, portraying situations that could be dramatic but can easily be resolved with this service. Using the metaphor that nothing too elaborate is needed to solve them when you have Uber Flash.

Al pensar en difundir y popularizar la modalidad “Flash”, se creó una campaña que presenta soluciones descabelladas frente a la facilidad de uso de Uber Flash. Para ello, creamos animaciones en una estética que combina el buen humor con las principales características del estilo de ilustración de Uber: colorido y vivo, pero con la sofisticación y el refinamiento característicos de la marca. Los personajes y animaciones son exagerados y caricaturescos, lo cual refuerza aún más los mensajes de la campaña. Thinking about spreading and popularizing the 'Flash' service, a campaign was created that presents absurd solutions in contrast to the ease of using Uber Flash. To achieve this, we developed animations in a style that combines humor with the main characteristics of Uber's illustration style: colorful and lively, yet with the brand's sophistication and refinement. The characters and animations are exaggerated and highly stylized, further amplifying the messages of the campaign.

Video promocional de la plataforma de freelancers Findie: Findie es un marketplace nacido en Chile que reúne a profesionales independientes creativos seleccionados de distintos países de Latinoamérica y los conecta con empresas y negocios para trabajar en proyectos de carácter freelance. Se encargó realizar un video explainer que le hablara a nuestros clientes y les contara de forma creativa cuál es el problema de no contar con un profesional creativo apto para realizar sus objetivos y cómo Findie puede aportar en la solución a ese problema.

Findie nace producto del 2020 en manos de sus fundadoras, ambas creativas freelance, que deciden unir sus fuerzas y cambiar lo que ofrecía el mercado en ese momento: una selva digital con escasas ofertas de trabajo. Había que hacer un esfuerzo de autopromoción increíble para poder destacar entre tantas personas que ofrecían sus servicios online, tarea que además requiere tiempo y dedicación. Conscientes del talento creativo que existe en Latinoamérica y de que producto de la pandemia había un nuevo escenario que favorecía la digitalización y el trabajo remoto, nos propusimos construir una alternativa que ayudará a visibilizar a los creativos regionales y a facilitar el que puedan ser contratados por negocios y empresas internacionales. Findie tenía que ser la galería donde el freelancer quiere estar y el co-work digital donde quiere trabajar, un espacio que le da respaldo y lo exhibe junto a otros talentosos creativos con alto nivel de profesionalismo. Nuestra intención es ayudar tanto a la figura del freelance como a las empresas, tomando en cuenta las frustraciones de ambos.

Motion explainer con enfoque narrativo sobre el objetivo de Findie, una plataforma que tiene como objetivo conectar empresas y freelances de todo Latinoamérica.

“Xika vs. La Desinformación” es un vibrante proyecto 2D completamente autofinanciado y representa un esfuerzo colaborativo con el Instituto Vero en Brasil, abordando un problema crítico en América Latina: la desinformación electoral. En una era plagada de desinformación y las líneas borrosas entre los hechos y la ficción, surge un nuevo superhéroe para combatir la propagación global de los 'inFAKEtados'. Conozcan a Xika, una persona común con una convicción extraordinaria: la búsqueda incesante de la verdad y la derrota de la desinformación.

El año 2022 acababa de comenzar y había una promesa de encontrar el vehículo ideal para explorar nuevas estéticas en un cortometraje autofinanciado que sería un viaje creativo 100% único. Buscamos un tema con un enfoque social significativo para América Latina. Después de muchas reuniones, encontramos una causa que sentimos que podíamos apoyar: el avance de la desinformación y su impacto en los procesos democráticos. La desinformación electoral no conoce fronteras en América Latina. Cada país tiene sus propias particularidades políticas, pero las tácticas de desinformación comparten una alarmante similitud. El proyecto "VERIFIED/ VERIFICADAS" iniciado por el Instituto Vero lidera esta iniciativa, representando un esfuerzo conjunto entre los países latinoamericanos para salvaguardar la integridad de sus procesos democráticos. Esta colaboración tiene como objetivo proporcionar información confiable y herramientas para ayudar al público a tomar decisiones informadas durante las elecciones.

Nuestra respuesta creativa a este desafío fue el nacimiento de Xika y los "InFAKEtados". Esta narrativa cinematográfica, impregnada de influencias latinoamericanas, utiliza personajes distorsionados como metáfora de la distorsión de los hechos, dando vida a la lucha contra la desinformación de manera visualmente atractiva. La historia Nuestro objetivo fue crear una narrativa que pudiera transmitirse en menos de 2 minutos. Nos enfrentamos al desafío de crear personajes y escenarios representativos de los actores clave en la guerra de la desinformación sin recurrir a estereotipos ofensivos. Queríamos generar conciencia, no provocar. A partir de un guión con una voz en off dramática, desarrollamos un camino narrativo claro, dejando la representación visual ampliamente abierta para la exploración. Personajes El tono divertido y vibrante establecido durante la etapa del animatic guió nuestras imágenes. Nuestro objetivo fue alejarnos del arquetipo sombrío de los superhéroes, optando por un mundo colorido inspirado en América Latina que mostrara de manera vívida los efectos de la desinformación tanto en sus víctimas como en sus perpetradores. Introdujimos monstruos deformes como secuaces de los villanos, simbolizando las mutaciones grotescas causadas por la exposición a la desinformación destructiva. Nuestra heroína, Xika, y otros superhéroes mantuvieron proporciones realistas, representando la verdad y la realidad. Los diseños de fondo tomaron inspiración de ciudades clásicas de América Latina, como Buenos Aires, Montevideo, Bogotá, Santiago, Río de Janeiro, Lima y más, consolidando la sólida presencia latinoamericana del proyecto.

Combining Japanese haute cuisine with Brazilian street food, chef Frederico Motta's restaurant celebrates the duality between these two universes. At lunchtime, 1/2 Dia serves dishes with selected ingredients and fresh fish caught by the chef himself. In the evening, 1/2 Noite opens its doors with a yakitori offering skewers and a cold drink. Day and night, restaurant and street, gastronomy and unpretentiousness. The dual principle of the restaurant's operation served as inspiration for building a flexible and fun identity, capable of encompassing various facets of the project.

The chef's gastronomic experience, permeated by different cooking styles, has resulted in a wide repertoire of references. In order to create something that dialogued with the restaurants' proposal to incorporate the duality between haute cuisine and street food, the visual identity was developed to adapt to a diverse gastronomic ecosystem, anticipating the client's possible expansions and evolutions in the future.

When creating the visual identity for the restaurants 1/2 Day and 1/2 Night, we found inspiration in seemingly opposite elements - the graphic simplicity of Japanese cuisine and the visual complexity of Rio's streets. The tone of voice brought the fundamental spontaneity to complement the identity and contributed to building the visual experience. In the monochrome illustrations, good humor is also present: combined with carefully designed typography, they contribute to a relaxed aesthetic that evokes the essence of street design culture. In the signature, the black and cream illustrations establish a dual visual dialogue and the vibrant red of the palette symbolizes the plate, which is the highlight of the house. The result is a visual identity that encapsulates the duality of the establishment in a captivating and visually striking way.

1366 Books is a new imprint by Canadian publisher, Guernica Editions, that explores the boundaries of fiction, the short story, and the novel structurally, typographically, stylistically, and otherwise. The imprint will be edited by writer and editor Stuart Ross 1366 Books es un nuevo sello de la editorial canadiense Guernica Editions que explora los límites de la ficción, el cuento y la novela de manera estructural, tipográfica y estilística. El sello será editado por el escritor y editor canadiense Stuart Ross.

The Spanish town of Guernica was founded in 1366, and it signified the creation of something new and dynamic, which is hinted in the imprint’s name. La ciudad española de Guernica fue fundada en 1366 y significó la creación de algo nuevo y dinámico, como se insinúa en el nombre del sello.

The logo explores the boundaries of readability to reflect the nature of experimenting fiction, which are reflected in the exploding quotation marks that serve also as the 6s and os in the wordmark. El logotipo explora los límites de la legibilidad para reflejar la naturaleza de experimentar la ficción, que se reflejan en las comillas que también sirven como 6 y las os en el logotipo.

9 Reinos es un mezcal de agave forjado en el corazón de Oaxaca, centrado en realzar la apreciación por la rica variedad de tradiciones y patrimonio cultural que definen el espíritu mexicano. Al abrazar la esencia de la pasión mexicana, los destilados y la celebración sagrada, creamos una identidad, nombre y experiencia web que resuenan profundamente, dejando una marca indeleble en todos los que la encuentran.

9 Reinos es un mezcal de agave forjado en el corazón de Oaxaca, centrado en realzar la apreciación por la rica variedad de tradiciones y patrimonio cultural que definen el espíritu mexicano.

Desarrollamos una marca robusta y audaz a través de un logotipo tradicionalmente mexicano, una tipografía en bloques, un tono de voz enigmático y cautivador, y una paleta de colores que fusiona armoniosamente intensidad, serenidad y profundidad.

Abrasada es una empresa de carne a domicilio que busca ofrecer un servicio eficiente, transparente y personalizado. La principal necesidad del equipo era crear una marca que lograra reflejar estos valores y que, por supuesto, se pudiera posicionar rápidamente en un mercado sumamente competitivo. Planteamos acercamientos con las personas detrás de la iniciativa que tenían como objetivo conocer el contexto en donde se desenvolvería la marca, además de que nos ayudaría a tener una mejor perspectiva sobre la personalidad que debería tener la marca para generar una distinción clara en la industria.

La industria de los insumos alimenticios tiene muchas aristas. Por un lado tenemos a productores muy poderosos que han estado posicionados desde hace muchos años y en los que la gente confía simplemente escuchando el nombre, pero también tenemos pequeños productores y distribuidores que buscan hacerse de un nombre en el mercado a través de propuestas frescas. Propuestas como Abrasada son la cara fresca de la industria, proyectos que quieren dejar de lado esa personalidad fría y distante de los grandes ya posicionados, y buscan ofrecer un servicio de calidad con el que te sientas identificado por su identidad atractiva, eficiente y de altísima calidad.

Realizado este trabajo de inmersión, entendimos a las audiencias y competencia, lo que nos permitió tener una visión global de la categoría. Llevamos a cabo una definición estratégica en la que destilamos la propuesta de valor de la marca, sus beneficios principales y la personalidad única. Con todo esto en mente es que surge el nombre: Abrasada, un juego de palabras entre las brasas que se necesitan para la cocción de la proteína y abrazar, un concepto que nos remite al carácter cercano y muy humano que proyecta la marca. Un nombre que logra condensar bien la pasión por la carne fresca y la experiencia de disfrutarla en casa junto a personas especiales. Desarrollamos también una identidad visual que representa los detalles de un buen corte de carne y que lleva a la marca a sentirse vibrante y contemporánea, características que la distinguen entre la competencia, mientras que logra sentirse cercana y accesible. Así fue como logramos posicionar a Abrasada como una marca auténtica, atractiva y diferenciada, una que está construida alrededor del amor por la carne.

Acerca é uma iniciativa independente que ao longo de 10 anos conectou artistas, publicou livros e criou produtos. Até então, a ausência de uma marca e sistema de identidade visual consolidados demandava esforços contínuos na criação de novas linguagens visuais para sua comunicação. A apropriação da letra A como ponto de conexão trouxe os novos guidelines da marca, aproximando a comunidade criativa de suas temáticas. - "Acerca" es una iniciativa independiente que durante 10 años conectó a artistas, publicó libros y creó productos. La falta de una marca y un sistema de identidad visual consolidados requería esfuerzos continuos en la creación de nuevos lenguajes visuales para su comunicación. La apropiación de la letra “A” como punto de conexión trajo los nuevos lineamientos de la marca, acercando a la comunidad creativa de sus temáticas.

Na cena independente, os esforços são sempre colaborativos, então o processo de criação da Acerca foi compartilhado. Havendo oportunidade de receber feedbacks e lapidar ideias até chegar no racional que direcionaria a identidade como um todo. Após o lançamento da coleção "Tem A em tudo" o reconhecimento foi instantâneo. A consolidação do conceito é ver o coletivo participando ativamente da construção do imaginário da marca. - En la escena indie, los esfuerzos son colaborativos. El proceso de creación de "Acerca" fue compartido, recibiendo devoluciones y afinando ideas hasta llegar a la lógica que guiaría la identidad completa. Tras el lanzamiento de "Tem A em tudo", el reconocimiento fue inmediato. La consolidación del concepto se ve en la participación activa del colectivo en la construcción del imaginario de la marca.

A estratégia foi se apropriar da vogal mais comum no alfabeto latino como principal atributo de marca – de modo que qualquer A visto no cotidiano do público seria diretamente associado com Acerca. Cada detalhe foi pensado para aproximar do público o conceito da marca com poucos recursos: os gráficos têm acabamentos duros, a paleta de cores é primária, e a tipografia é a Arial da Monotype. A fonte mais comum em sistemas foi escolhida por ser gratuita e estar em todo lugar. A identidade verbal tem um tom carismático e provocador, que busca tirar qualquer um do tédio. - La estrategia fue apropiarse de la vocal más común en el alfabeto latino como atributo principal de la marca, para que cualquier "A" vista por el público se asociara directamente con "Acerca". Cada detalle se pensó para acercar el concepto de la marca al público con pocos recursos: los gráficos tienen terminaciones sólidas, la paleta de colores es primaria y la tipografía es Arial de Monotype. Se eligió la fuente más común en sistemas por ser gratuita y estar presente en todos lados. La identidad verbal tiene un tono carismático y provocador, buscando sacar a cualquiera del aburrimiento.

(ES) Creación de logotipo, empaque e identidad visual para Aliança, una marca brasileña y familiar de chocolates producidos de manera responsable y sostenible. Los chocolates de la marca son puros, refinados y con un sabor intenso, conceptos que trabajamos en la solución visual. (EN) Logo, packaging, and visual identity creation for Aliança, a Brazilian family brand of chocolate that has a responsible and sustainable production. The brand's chocolates are pure, refined, and have an intense flavor, concepts that are reflected in the visual solution.

(ES) Los chocolates Aliança forman parte del movimiento tree-to-bar, que está ganando cada vez más protagonismo en el mercado brasileño, ya que las personas buscan productos naturales, de producción artesanal, cuidadosa y sostenible. En la Fazenda Aliança, las plántulas de cacao se siembran debajo de los árboles nativos de la Mata Atlántica, con el objetivo de preservar la fauna y flora de la región. (EN) Aliança chocolates are part of the tree-to-bar movement, which is increasing prominence in the Brazilian market as people seek natural, handcrafted, thoughtful, and sustainable products. At Aliança Farm, cocoa seedlings are planted beneath native trees of the Atlantic Forest, aiming to preserve the region's fauna and flora.

(ES) El objetivo del proyecto visual era posicionar el producto como natural, artesanal, sostenible y en la categoría de chocolates premium. El proyecto también buscaba permitir una fácil diferenciación entre las versiones y, al mismo tiempo, garantizar la consistencia visual de toda la línea. Para comunicar las características naturales y sostenibles del producto, ya que los chocolates Aliança se elaboran de forma artesanal, desde la siembra hasta la selección de las frutas, la solución fue crear ilustraciones orgánicas de frutas, hojas y flores de cacao en la parte superior de todos los envases de la línea. El color negro, también presente en todos los envases como fondo, aporta refinamiento clásico y diferenciación de sabores a través de los colores. El diseño de la barra de chocolate, también una concepción nuestra, se inspiró en las mismas diagonales del diseño del envase y hace referencia a las formas de diamantes. (EN) The visual project aimed to position the product as natural, handmade, sustainable, and in the premium chocolate category. The project also sought to enable easy differentiation between versions while ensuring visual consistency across the product line. To communicate the natural and sustainable characteristics of the product, as Aliança chocolates are crafted in an artisanal manner from planting to fruit selection, the solution was to create organic illustrations of cocoa fruits, leaves, and flowers on the top of all packaging in the line. The black color, also present in all packaging as a background, brings classical refinement and flavor differentiation through colors. The chocolate bar design, conceived by us, was inspired by the same diagonals of the packaging design, reminiscent of diamond shapes.

Another One se presenta como otro restaurante más en Dubai, pero su singularidad reside en la perfecta fusión de la cocina mediterránea con influencias de otras cocinas internacionales. Aquí, el amor por el arte de comer se convierte en la máxima premisa, transformando cada plato en una experiencia culinaria extraordinaria. Bajo el lema "Our food is all the talking" ("Nuestra comida habla por sí sola"), este restaurante es dirigido por la primera mujer chef en tener su propio establecimiento en los Emiratos Árabes. Su visión audaz y creativa se refleja en cada creación gastronómica, donde los sabores se entrelazan para contar una historia única en cada bocado.

Dubai es una de las ciudades más visitadas del mundo, la cual es reconocida por su lujo y opulencia en una amalgama única entre tradición y modernidad. Dubai se destaca no solo por sus impresionantes atracciones turísticas, sino también por su ambiente multicultural, con una población diversa que contribuye a la rica mezcla de culturas, gastronomía y experiencias que ofrece a sus visitantes. Por esta razón, la problemática en la creación de la marca Another One consistió en diseñar un branding que resuene tanto con los consumidores locales como con aquellos de diferentes culturas, edades y preferencias culinarias, asegurando que el branding sea comprensible y atractivo en diferentes contextos culturales y lingüísticos. Si la esencia de "Another One" está en la experiencia culinaria, otro punto crítico fue saber comunicar visualmente esta experiencia en el branding, transmitiendo la calidad y singularidad de los platillos ofrecidos. Además, el branding debía incorporar la experiencia del cliente en todos los puntos de contacto, desde la atmósfera del restaurante hasta la interacción con el personal, asegurando que la marca sea percibida como acogedora y memorable.

La personalidad sobria que creamos para la marca sirve como un vehículo para enaltecer los platillos del restaurante y nos acercamos a la identidad gráfica de la misma forma. Decidimos tomar una ruta que se inclina hacia lo minimalista, usando tipografías serif que nos permitieran hacer énfasis verbal con itálica cuando se necesitara. El logotipo juega con la idea central de la marca: “Este es otro restaurante, pero uno de los mejores al que vas a ir.” Pensando en esto, elevamos la palabra One sabiendo que “this one is better than other ones.” Como gráfico auxiliar de la marca creamos una serie de ilustraciones basadas en mosaicos que nos ayuda a ligar la marca geográfica y culturalmente a Dubai. Estos representan ingredientes, elementos del restaurante y sitios importantes de UAE.

¿Tienes algo en mente? Ahora imagínalo en dulce. Eso es Antonieta, una marca de pastelería creativa que luego de 7 años, decidió cambiar su identidad y tener una imagen de marca más potente y divertida. - Got anything in mind? Now picture it in sweet. That's Antonieta, a creative pastry brand that, after 7 years, decided to shake things up and rock a more powerful and fun brand identity.

La marca venía teniendo bastante éxito y la creadora quería dar un paso más allá. Tiene la vision de abrir su propio local y necesitaba una marca más sólida que la respalde y que esté a la altura de sus productos. - The brand was already gaining quite a bit of traction, and the creator wanted to take it to the next level. She's got this vision of opening her own place and needed a brand that's not just strong but also stands up to the quality of her products. Time to elevate the game and create a brand that truly matches the excellence of what she's putting out there!

Antonieta es una marca de pastelería creativa que necesitaba un cambio que transmita su naturaleza vibrante, fuerte y divertida. Un nombre con tanta personalidad no podía pasar desapercibido. Así que nos inspiramos en las texturas de las cremas y las formas de las mangas pasteleras para crear un lettering con terminaciones suaves y ondulantes. El resultado es una tangibilización tipográfica del dulce mundo de Antonieta. - Antonieta is a creative pastry brand that needed a change to convey its vibrant, strong, and fun nature. With a name brimming with personality, it couldn't go unnoticed. So, we took inspiration from the textures of creams and the shapes of pastry bags to whip up a lettering with smooth and wavy finishes. The outcome is a typographic sweetening of Antonieta's world.

¿Tienes algo en mente? Ahora imagínalo en dulce. Eso es Antonieta, una marca de pastelería creativa que luego de 7 años, decidió cambiar su identidad y tener una imagen de marca más potente y divertida. Nos inspiramos en las texturas de las cremas y las formas de las mangas pasteleras para crear un lettering con terminaciones suaves y ondulantes. Hicimos también un sistema gráfico que acompaña a la marca con elementos únicos y distintivos inspirados en el mundo dulce. - Got anything in mind? Now picture it in sweet. That's Antonieta, a creative pastry brand that, after 7 years, decided to shake things up and rock a more powerful and fun brand identity. We drew inspiration from the textures of creams and the shapes of pastry bags to craft lettering with smooth and wavy finishes. We also whipped up a graphic system that rolls with the brand, featuring unique and distinctive elements inspired by the sweet world.

La marca venía teniendo bastante éxito y la creadora quería dar un paso más allá. Tiene la vision de abrir su propio local y necesitaba una marca más sólida que la respalde y que esté a la altura de sus productos. - The brand was already gaining quite a bit of traction, and the creator wanted to take it to the next level. She's got this vision of opening her own place and needed a brand that's not just strong but also stands up to the quality of her products. Time to elevate the game and create a brand that truly matches the excellence of what she's putting out there!

Nos inspiramos en las texturas de las cremas y las formas de las mangas pasteleras para crear un lettering con terminaciones suaves y ondulantes acompañado de un sistema gráfico que acompaña a la marca con elementos únicos y distintivos inspirados en el mundo dulce. - We drew inspiration from the textures of creams and the shapes of pastry bags to craft lettering with smooth and wavy finishes. We also whipped up a graphic system that rolls with the brand, featuring unique and distinctive elements inspired by the sweet world.

How do you differentiate a beekeeping machinery and equipment industry? It was through branding that we built the new Apitec brand, which provides solutions to grow together with beekeepers - from the producer who starts with just 3 hives to the one with 3,000.

When we talk about honey and bees, the first thing that comes to mind is the yellow color. Benchmarking the industry, we identified the opportunity to embrace green color, which not only relates to the environment and sustainable practices, but also brings the tone of modernity and innovation present in the brand's values. In addition to the color, the typography based on the hexagon brought personality and its reduction, as well as recalling the honeycomb and stripes of the bee's body, takes the form of an @ - part of the brand's relationship strategy and digital presence. The entire visual and verbal identity, and the brand promise "Honey, better", reinforce the brand's proposal and its positioning as a modern industry ready to provide the best solutions for honey - embracing everyone, from small to large-scale producers.

Using the shape of the beehive - a natural and basic cavity for the production of wax and honey - we created a typographic logo that clearly and directly summarizes the brand's segment. In addition, graphic elements were created that resemble the bees' bodies, the honeycomb and other assets related to honey production. Using the hexagon, we were able to explore various graphics that support the brand and illustrate its extensions and institutional materials. With this, we created a unique, proprietary language that positions Apitec as an innovative, technological and modern industry. The composition of the logo, in addition to connecting with the shape of the beehive, has hollowed-out letters, which make it easy to reproduce on various types of materials, such as engraving on wooden boxes and application on machinery.

Apogée trasciende lo común en el ámbito de los detergentes para ropa y aspira a redefinir productos de alta calidad con una experiencia de marca única y aromas cuidadosamente seleccionados.

En la actualidad, la cultura del consumo rápido y la automatización ha llevado a la pérdida de la conexión emocional con las tareas diarias, como lavar la ropa. Este distanciamiento cultural de las prácticas tradicionales ha creado una brecha entre las generaciones más jóvenes y las experiencias pasadas. Apogée surge como respuesta a este contexto, buscando revivir la rica tradición de cuidar la ropa a través de su enfoque sofisticado y lujoso. Este problema cultural destaca la necesidad de reconectar con prácticas más significativas, donde la atención a los detalles y la apreciación por la calidad se convierten en aspectos importantes de la vida cotidiana.

the branding people desarrolló un concepto que revive el antiguo storytelling sobre la práctica de lavar la ropa y que se ha perdido en la evolución de convertirse en una tarea automatizada. Apogée cuenta historias de manera sofisticada, inspirándose en telas lujosas como el lino y la cachemira, que trascienden en un logotipo fino y utilizando tipografías delicadas. En general, la marca simboliza suavidad y ligereza a través de su paleta de colores y el sistema de ilustraciones, alineándose con su compromiso de mejorar la experiencia del lavado y convirtiéndola en una opción memorable para quienes aprecian la sustancia de una marca.

Apolo es una heladería Apolo es una cápsula Apolo es una máquina Apolo produce sabores Apolo son ideas Apolo lear Apolo cree en la relación armónica de la ciudad y la naturaleza Apolo es atemporal Apolo no es un lugar, es un pensamiento Apolo es una comunidad Apolo no existe Apolo es vegano Una heladería no habla solo de helados, habla de sensaciones y de como la sinestesia entre gusto, olfato y tacto se puede comunicar a partir de una experiencia.

En Chile está lleno de heladerías, y el 99% de estas hablan como si fueran italianas, utilizan ese universo visual y narrativo. Nosotros respondimos a esa tendencia a través de una propuesta que fuese enfocada en la experiencia misma de comer helado, no de la denominación (falsa) de origen.

La propuesta se inspiró en las cápsulas espaciales y expediciones planetarias de los años 60, propusimos un diseño gráfico super simple, con una tipografía custom hecha a partir de la inspiración de postales de esas expediciones. Esta tipografía es a su vez el logotipo y la carta de sabores, la complementamos con una serie de patterns para el packaging y redes sociales y un tono que se puede leer a lo largo del espacio con pantallas LED. La arquitectura fue un trabajo en conjunto a Oficina Bravo, 100% amarillo, como una cápsula solar. Además hicimos una propuesta de uniformes que complementan la estética general del proyecto. El trabajo fotográfico de producto fue esencial a la hora de presentar lo delicioso de estos helados Veganos.

Aware comes to the studio for a rebranding, with a product that wants to compete internationally and with the request that the identity represents the necessary quality. In addition, we could not move away from the category, which is natural and organic cosmetics, but above all, we had to represent the exoticism of the natural Peruvian ingredients used in their products. Aware acude al estudio para un rebranding, con un producto que desea competir a nivel internacional y con la solicitud de que la identidad represente la calidad necesaria. Además, no podíamos alejarnos de la categoría, que es la de cosméticos naturales y orgánicos, pero sobre todo, debíamos representar el exotismo de los ingredientes naturales peruanos utilizados en sus productos.

There is no denying that in recent years natural and organic brands have proliferated, Aware is one of them; but it is also true that many start in a rustic or homemade way and their visual identity, at least initially, does not usually have the necessary work to be competitive internationally. No se puede negar que en los últimos años han proliferado las marcas naturales y orgánicas, Aware es una de ellas; pero también es cierto que muchas comienzan de manera rústica o casera y su identidad visual, al menos inicialmente, no suele tener el trabajo necesario para ser competitiva a nivel internacional.

As the brand seeks to convey exoticism due to the origin of its natural ingredients, the logo is crafted with a modified typography to achieve the necessary eccentricity. The typographic palette is complemented with various fonts, including a monospaced one. To complete the creation of the visual identity system, we designed a special illustration, a sort of chimera of plants: a plant that doesn't exist in reality because it's composed of parts and characteristics from several of the plant ingredients in the products, all within one species. The colors used, intense tones represented with special inks during printing and saturated to the maximum, reinforce the uniqueness of this exotic chimera. Finally, its form is that of a vine, as the illustration was designed to wrap around the brand's packaging from bottom to top. Overall, the brand and its identity are an eclectic mix of styles, making it exotic solely for that reason. Como la marca busca representar exoticidad por el origen de sus ingredientes naturales, el logotipo está hecho con una tipografía intervenida lo necesario para ser considerada excéntrica. La paleta tipográfica se complementa con diversas fuentes, entre ellas, una monoespaciada. Para completar la creación del sistema de identidad visual, creamos una ilustración especial, que es una especie de quimera de plantas: una planta que no existe en la realidad porque está compuesta por partes y características de varias de las plantas-ingredientes de los productos, todo en una especie; los colores utilizados, de tonos intensos, siempre representados con tintas especiales al imprimir y saturados al máximo, refuerzan la rareza de esta quimera exótica. Finalmente, su forma es la de una enredadera, ya que la ilustración fue diseñada para envolver, de abajo hacia arriba, alrededor del empaque de la marca. En general, la marca y su identidad, es una mezcla ecléctica de estilos, que, solo por eso, la hacen exótica.

Awesome Aminos es una marca que combina el mundo farmacéutico con el de la nutrición, y desarrolla productos para niños, compuestos por aminoácidos esenciales que les brindan un estilo de vida más saludable y consciente. ……… Awesome Aminos is a brand that combines the world of pharmaceuticals with nutrition and develops products for children with essential amino acids that provide them with a healthier and more conscious lifestyle.

Esta marca nace como contrapropuesta a lo que ofrecen las grandes empresas farmacéuticas. En un contexto en donde el negocio y la automatización parecieran estar por encima de la salud y la toma de conciencia, Awesome Aminos se presenta como una marca que viene a generar conciencia acerca de la importancia adoptar estilos de vida saludables, a través del consumo de productos responsables. Junto a la marca, se decidió poner el foco en las personas por sobre el negocio, adoptando una postura educativa y concientizadora, que busca no solo vender, sino generar conciencia acerca de la importancia de una vida saludable. ……… This brand was born as a counterproposal to what big pharmaceutical companies offer. In a context where business and automation seem to be above health and awareness, Awesome Aminos is presented as a brand that raises awareness about the importance of adopting healthy lifestyles by consuming responsible products. Together with the brand, it was decided to focus on people over the business, adopting an educational and awareness-raising stance, which seeks not only to sell but mainly to raise awareness about the importance of a healthy lifestyle.

Para este proyecto, partimos de la modalidad de consumo de este tipo de productos (en cápsulas o pastillas) y desarrollamos una idea narrativa y visual que buscaba representar esa característica.

 Además, también se buscó fortalecer la idea de la marca, de generar hábitos saludables diarios, para aumentar el bienestar de manera paulatina, y no a través de soluciones mágicas. ……… For this project, we started with how this type of product is consumed (in pills or tablets) and developed a narrative and visual idea to represent this characteristic.
 In addition, we also aimed to strengthen the brand's idea of generating healthy daily habits to increase well-being gradually and not through magical solutions.

Inspired by the vibrant atmosphere of street markets and fairs, the Balcão restaurant celebrates authentic Arab cuisine and makes its dishes more special with Brazilian mixtures. Along with the restaurant's popularity came the need to expand to other areas and implement a delivery option. To do this, we developed graphic elements to decorate the restaurant and introduced new packaging for the delivery service. The informal aesthetic of these spaces that bring people together in these two cultures - the shuks (markets), which are part of Middle Eastern culture, and the fairs, which are typical of Brazil - was the starting point for developing the project.

Miscegenation is a Brazilian characteristic, and the project seeks to capture this authentic essence of the culture, especially with regard to the gastronomic experience of street food. The materialization of the influence of the urban environment and the passage of time, rooted in the street food tradition and the unique experience provided by the fairs, offers a fusion of authenticity, regionality and street charm. The restaurant's graphic design was inspired by the vibrant atmosphere of Brazilian street markets and Middle Eastern shuks, reflecting visual elements that recall the informality, authenticity and tradition of street cuisine in both regions.

We captured the visual beauty of street food by translating it through the application of worn textures, juxtaposition of bleeding illustrations and folded and distorted patterns. These visual elements simulate the artisanal effect characteristic of the streets, creating an authentic and sensory experience. The vernacular typography of Brazilian markets is used in a distorted way, adding regionality to the identity. The illustrations, in turn, are conceived as graphic fragments of elements found in the shuks, overlaid with other illustrations from the restaurant's universe, such as the dishes featured on the menu and the iconic bench. The neon color palette, inspired by the vibrant shuks posters, is mixed with faded tones, reproducing the effect of time on colors. This combination evokes memories of countless meals shared over time. On the restaurant's exterior, posters with prominent phrases are mixed with images of the dishes, conveying gastronomic appeal, secrets of irresistible flavors and relaxed humor. The posters, strategically placed, create a unique visual experience for customers, transporting them to an environment where street food intertwines with the city.

It was about the rebranding of a marketplace for sustainable family and home products. The brand had received state funding and had a budget to relaunch its image. We had to organize the vast portfolio of in-house and third-party products and then propose an identity and packaging system that effectively communicates it. Se trataba del rebranding de un marketplace de productos sostenibles para la familia y el hogar. La marca había ganado unos fondos del estado y contaba con presupuesto para relanzar su imagen. Debíamos ordenar el vasto portafolio de productos propios y de terceros para, luego, proponer un sistema de identidad y de packaging que lo sepa comunicar de la mejor manera.

The difficulty of the challenge was realizing, halfway through, that we had to develop two identities in one or a second identity derived from the first. Strategically, we decided to separate the in-house product line from third-party products distributed by the marketplace. Additionally, the quantity of in-house products, of different sizes, shapes, and formats, as well as the various lines (home, women, family, cleaning), made the challenge of creating a coherent and easy-to-understand packaging system more significant for both the brand and its customers. La dificultad del reto fue darnos cuenta, a mitad del camino, que debíamos desarrollar dos identidades en una, o una segunda identidad que se derivara de la primera, ya que, estratégicamente, decidimos separar la línea de productos de marca propia de los productos de terceros que serían distribuidos por el marketplace. Asimismo, la cantidad de productos propios, de diferentes tamaños, formas y formatos, así como las diversas líneas (hogar, mujer, familia, limpieza) hicieron más grande el reto de crear un sistema de packaging coherente y fácil de entender para la marca como para sus clientes.

The first thing we defined was that we needed a system for in-house products, which were grouped into 4 major lines (home, women, family, cleaning), previously there were more and different ones. Another system was created for the distribution of third-party products, which also addressed corporate identity needs, such as delivery packaging or the design of the marketplace itself. However, the line of in-house products ended up being a derivative of the corporate identity, with its own way of applying graphic support elements and a palette of 4 colors that differentiate its 4 sub-lines. Lo primero que definimos es que debíamos tener un sistema para los productos propios, que se agruparon en 4 grandes líneas (hogar, mujer, familia, limpieza), antes eran más y diferentes; y otro para la distribución de los productos de terceros que, además, resuelve la necesidad corporativa identidad, como puede ser el packaging de delivery o el diseño del mismo marketplace. La línea de productos de marca propia, sin embargo, terminó siendo una derivada de la corporativa, con sus propia firma de aplicar los elementos gráficos de soporte y con una paleta de 4 colores que diferencian sus 4 sub líneas.

Nos pidieron la identidad para un nuevo bar en la ciudad de Valdivia al sur de Chile, ubicado en la isla Teja, al frente del centro de la ciudad, este bar buscar ser ofrecer una alternativa informal, relajada para beber y comer, pensando tanto en estudiantes universitarios del barrioa, como turistas y público general. El diseño de interior estuvo a cargo del diseñador de interiores Gino Falcone, experto en desarrollos gastronómicos.

Hay un desafío importante en Chile con respecto al desarrollo económico y cultural fuera de la capital. Santiago ha concentrado por años, gran parte de la innovación en distintos aspectos, y la oferta gastronómica ha sido parte de este fenómeno. Pero hace algunos años, hay proyectos en distintas ciudades a lo largo de Chile que buscan cambiar esto, este caso es un buen ejemplo de innovación fuera de la capital, Valdivia es una ciudad de 150 mil habitantes, ubicada a 850 kilometros de Santiago, junto a un río, tiene el festival uno de los festivales de cine más importante del país y una universidad muy importante en la zona.

Propusimos una identidad que evocara el movimiento del río y al humor, también la fauna local, y los hongos que son muy famosos en la zona. Con un logo simple que funcionara para los distintos soportes y un sistema de ilustraciones con un toque vintage y de risografía, combinando los distintos elementos en piezas del restorán, aplicaciones digitales y merchandising.

Diseño de identidad para un hotel de lujo ubicado en las playas de República Dominicana, que se construyó en armonía con un ecosistema que reúne playa, selva y río digno de un paraíso tropical.

Diseñar una marca para un hotel en sintonía con su entorno natural, a través de una narrativa auténtica que se destaque por presumir un servicio excepcional basado en la atención personal y la experiencia sensorial única y emocionante que ofrece a sus huéspedes para conectarse o desconectarse de su realidad; sea para descansar, divertirse o para continuar con sus labores a distancia.

El lenguaje visual reúne texturas, colores y formas que expresan la multiplicidad de sensaciones y emociones que se pueden experimentar durante la estancia en un hotel rodeado de naturaleza. Se desarrolló una tipografía a la medida que se inspira en trazos orgánicos y auténticos que se originan desde el placer de ser tú mismo. Los mensajes y diseño de piezas priorizan una lectura intuitiva y sorpresiva. Todos estos elementos habitan en simbiosis para dar la bienvenida a quienes estén a punto de vivir una experiencia maravillosa y apasionante.

Para este proyecto nos comisionaron reinterpretar el texto BOSQUE, manteniendo la estructura en Caja Alta del anterior. Parte del cambio fue darle más carácter de identidad del logo, sin embargo se buscaba que fuera sutil y que llamar ala atención pero no demasiado.

Para ser un estudio de diseño latinoamericano basado en Costa Rica y que comisione este proyecto a nosotros como estudio Colombiano, habla de un apoyo regional y una nueva mirada desde el sur a detalles tan delicados como las letras de este estudio.

Este logotipo evolucionó de una Sans Grotesca, hecha para ser muy neutral, a una versión incisa con más carácter propio y se asentó con dos letras principales, la “B” con un segmento desconectado para darle aun más identidad y poder ser usada sola, sin el resto del texto, como icono de marca; y una “Q” que siempre disfrutamos diseñar por la gran variedad de opciones que puede dar esta letra. Por último, la letra “E” que normalmente es muy estática y no tiene muchas variaciones, optamos por diseñar algo más fuera del estilo, un poco más clásica. El resultado es un logotipo con más cuerpo, mejor espaciado y con tres formas particulares al comienzo, a la mitad y al final.

Brastemp, una de las marcas más icónicas de Brasil, fue la primera marca en introducir electrodomésticos nacionales, la primera que trascendió la funcionalidad y los aspectos técnicos para crear objetos de deseo, se destacó de la competencia y se ganó el corazón de los consumidores. Sin embargo, con el tiempo perdió relevancia y atributos en el mercado de electrodomésticos. El desafío era rescatar su conexión y cercanía con los brasileños. La estrategia, basada en una investigación, reveló que Brastemp era más que un producto, era una marca símbolo de comportamiento y estilo de vida. Su propuesta de valor se centró en el propósito "cambiar tu casa para cambiar tu mundo", inspirando cambios en las relaciones, la dinámica del hogar y el entorno. La tagline "Brastemp. Es otro mundo." refleja su compromiso con la calidad, la innovación y los cambios significativos.

Brastemp, una de las marcas más icónicas de Brasil, enfrentó la transformación del mercado de electrodomésticos con el surgimiento de competidores y los avances tecnológicos, Al reafirmar su propósito y renovando su lenguaje visual y verbal, la marca busca reconectarse con el consumidor brasileño, inspirando cambios significativos no solo en los hogares, sino más allá. La evolución creativa refleja el compromiso de Brastemp con la autenticidad, la innovación y la construcción de un "otro mundo" para sus consumidores.

Partimos del propósito "Cambiar tu casa para cambiar tu mundo" que provoca cambios de actitud y desafía a la rutina en los hogares. Con una personalidad atrevida y auténtica, Brastemp eleva la experiencia del consumidor con productos exclusivos y diseño atemporal. En su expresión visual, refinamos a la marca y le dimos más onda y contemporaneidad. Mejoramos la performance visual para el digital y evolucionamos elementos reconocibles como el logo y el color naranja. La marca gana un símbolo hecho a partir del espejo y inversión de la "B" hablando acerca del convivio de las diferencias en las relaciones, creando un elemento de mayor impacto y visibilidad. El arquetipo del "Explorador " fue rescatado junto de su icónico dibujo que lo personifica y las fotografías auténticas representan el nuevo mundo de Brastemp.

Brazo Abrazo es un centro de vacunación fundado por el Dr. Jarley Apaza, pediatra, con el propósito de crear una comunidad resiliente: una familia vacunada es un pequeño grano de arena, para que nuestra comunidad esté más segura, brindando especial protección a los más vulnerables. Una enseñanza que se fortaleció después de la experiencia con la pandemia. En la búsqueda del nombre, exploramos un juego de palabras que transmita la idea de transformar el mundo “brazo a brazo”, haciendo alusión a la vacunación que suele aplicarse en esa parte del cuerpo. Además, incorpora también la idea del abrazo, “brazo abrazo”, reflejando la naturaleza amable y empática del doctor con los niños. El isotipo es una “B” formada por dos brazos abrazándose, recalcando aún más el nombre. La paleta de colores seleccionada refleja su personalidad cálida, alegre y serena, características que se ven reflejadas en el trato a sus pequeños pacientes. Las ilustraciones muestran escenas de afecto y atención hacia la comunidad, transmitiendo cuidado y cariño.

En el Perú hay diferentes creencias y tradiciones que varían según las diferentes regiones y ciudades. Esta diversidad moldea la percepción y aceptación que la población tiene sobre la medicina occidental y la vacunación, influyendo en la misma. Los centros de vacunación deben reconocer y respetar estas diferencias y educar, de manera transparente, a las personas sobre la importancia de las vacunas. Esto implica un esfuerzo consciente por parte de los profesionales de la salud para entender las preocupaciones y responder a las preguntas específicas de la comunidad. Los centros de vacunación no son solo los lugares en donde se aplican sino también son impulsores de una conciencia de cuidado y protección. Las vacunas no solo pueden salvar vidas, sino que también nos permiten proteger a nuestras familias – y también a nuestra comunidad. A raíz de la pandemia, se ha generado una mayor conciencia sobre la importancia de las mismas, sin embargo, todavía hay mucho trabajo por hacer.

Los centros de vacunación suelen contar con personal médico capacitado, como enfermeras o médicos, para administrar las vacunas de manera segura y adecuada. Además, pueden ofrecer asesoramiento sobre los medicamentos, responder preguntas de los pacientes y mantener registros precisos de las vacunas administradas. El centro de vacunación ofrece una serie de soluciones importantes para la salud de los niños y la comunidad en general: Prevención de enfermedades, inmunización comunitaria, reducción de la carga de la enfermedad y la promoción de la salud a largo plazo. Al crear una identidad más cercana y cálida buscamos mitigar la percepción fría que se tiene del servicio de salud, dándole una imagen que refleje la personalidad amable y empática del Doctor-Fundador.

Caja Cusco, es una entidad financiera líder en la región sur del Perú, especializada en microfinanzas, ahorro y servicios financieros. Trabajamos una nueva estrategia, posicionamiento e identidad de marca para conectar de manera más profunda con sus usuarios, colaboradores y su región de origen; dejando preparada a la marca para su expansión nacional. -- Caja Cusco is a leading financial institution in the southern region of Peru, specializing in microfinance, savings, and financial services. We have developed a new strategy, positioning, and brand identity to establish a deeper connection with its users, collaborators, and its original region, preparing the brand for national expansion.

El mercado nacional de banca y finanzas es una de las industrias que mayor evolución y movimiento ha experimentado en los últimos 10 años, a nivel de negocio, tecnología y marca. En contraste, la gran mayoría de cajas municipales han permanecido estancadas en el tiempo y sin mayor preocupación en la gestión de su marca y comunicación. Desde sus inicios han mantenido una identidad monolítica y poco diferenciada, convirtiéndose así en entidades meramente transaccionales, sin arraigo y sin expresión cultural. -- The national banking and finance market is one of the industries that has undergone significant evolution and movement in the last 10 years, both in terms of business, technology, and branding. In contrast, the vast majority of municipal savings banks have remained stagnant over time, with little concern for brand management and communication. Since their inception, they have maintained a monolithic and undifferentiated identity, thereby becoming purely transactional entities, lacking roots and cultural expression.

Pusimos en valor el legado histórico de la marca para afianzar su posición de líder. Generamos una identidad más significativa, acorde con los nuevos tiempos, reinventándose desde adentro, pero manteniendo el arraigo cultural. Estratégicamente, tomamos como inspiración la relación íntimamente cercana de Caja Cusco con sus clientes, historias tejidas una por una, historias de progreso, resiliencia y sueños cumplidos.⁣ Creamos un nuevo símbolo, que trasciende al individuo para abrazar el progreso comunitario, y así transmitir más adecuadamente su propósito: ser el catalizador del tejido empresarial y social de Cusco y el Perú, a través de una bancarización inclusiva, sostenible y descentralizada. El sistema de marca se basa principalmente en los ‘tocapus’, grafismos incas utilizados en su textilería, artesanía y arquitectura, que representaban la pertenencia comunitaria y la identidad personal. Desde una mirada contemporánea, los ‘tocapus’ permiten conectar de manera profunda con la riqueza cultural milenaria del Cusco, tejiendo así una marca más relevante y en constante movimiento. -- We highlighted the brand's historical legacy to strengthen its leading position. We created a more meaningful identity in line with the modern era, reinventing itself from within while maintaining cultural roots. Strategically, we drew inspiration from Caja Cusco's intimately close relationship with its clients—stories woven one by one, tales of progress, resilience, and fulfilled dreams.⁣ We crafted a new symbol that transcends the individual to embrace communal progress, thus more aptly conveying its purpose: to be the catalyst for the business and social fabric of Cusco and Peru through inclusive, sustainable, and decentralized banking. The brand system is primarily based on 'tocapus,' Incan graphic symbols used in their textiles, craftsmanship, and architecture, signifying community belonging and personal identity. From a contemporary perspective, the 'tocapus' enable a profound connection with the ancient cultural richness of Cusco, weaving a brand that is more relevant and constantly evolving.

Calor Fest es un festival de reggaetón de Monterrey, México que pretende dejar huella en la música y el entretenimiento adoptando una ideología inclusiva y moderna que celebre la cultura latina.

El objetivo de Calor Fest es destacar en el competitivo panorama de los festivales, trascendiendo géneros y generaciones con el objetivo de ofrecer experiencias memorables en un entorno libre y seguro.

the branding people ideó un concepto que se inspira en la cultura urbana, combinando elegancia con atrevimiento y modernidad con elementos retro. El universo gráfico utiliza una estética kawaii y un estilo sexy y futurista para crear una identidad visual moderna y nostálgica a la vez. El uso de colores vibrantes evoca calidez y vibraciones feroces.

Desarrollo de identidad de un restaurante que re-imagina el estereotipo de la típica cantina venezolana, como localmente son llamados el cafetín o fuente de soda escolar, que son lugares de encuentro que giran en torno a la comida. Cantina nace con la misión de ofrecer en Caracas una experiencia basada en tres pilares centrales: 1. La buena comida (partiendo de un menú variado) despojada de pretensiones, de calidad y de procesos artesanales honestos. 2. La buena atención, cercana y humana. 3. El entorno como catalizador de una experiencia esencialmente sencilla, familiar y, sobretodo, memorable.

En un contexto gastronómico cargado de propuestas nocturnas que resultan inalcanzables para muchos, "Cantina" es una bocanada de aire fresco que brinda a cualquiera una experiencia gastronómica valiosa, de calidad y memorable, en su día a día. Así, reúne en una misma mesa a la gama variopinta de comensales del siglo XXI, y desglosa en 6 categorías platos de orígenes culturales distantes que comparten como común denominador el "comfort food" para ofrecer un menú variado que tiene "algo para todos y para cada momento".

Guiando toda decisión estética bajo valores claves de la marca como lo son: Ligereza, Versatilidad, Confianza, Honestidad, Juego/Diversión y Atención al Detalle; nace la identidad visual de Cantina. Su logotipo basado tanto en los populares rompecabezas de tobogán y demás juegos infantiles como en las superficies de baldozas típicas de comedores escolares, sintetiza los orígenes espaciales junto al carácter ligero y divertido de la marca mientras que "La Cantina Ilustrada" sirve de recurso para evocar el imaginario colectivo y la relación que todos tenemos desde la infancia con el concepto de estos lugares como espacios seguros, de disfrute y encuentro. Al mismo tiempo, en movimiento, ambos ítems representan la versatilidad de su oferta gastronómica y lo variado de su audiencia ya sea a través de su animación interna como en el caso del logotipo, como a través de patrones lineales y punteados cambiantes. La paleta de colores es sobria con excepción de un único acento ácido que ofrece un contraste y fuerza necesarios. Esta permite que el foco de la marca repose en la oferta gastronómica potenciada gráficamente a través de una combinación tipográfica que junta lo moderno con lo nostálgico, y que acompaña o se superpone al resto de los elementos visuales. Todo esto bajo una transmisión visual clara de la información, ligera y estructural, acorde a la identidad conceptual de la marca que parte de un minimalismo divertido y cercano y, por supuesto, junto al sonido de la campana que señala el receso (la hora de comer); y el jazz que transmite en su ritmo el dinamismo y euforia que puede existir en una cantina escolar, pero de una manera estructurada y limpia. Las decisiones en torno a ciertas aplicaciones físicas de la marca, como uniformes y materiales para la elaboración de los menús, individuales, empaques y demás partieron de igual manera de los valores de la marca y de la espacialidad del local, abriendo así la posibilidad de jugar con ellos dependiendo de la sede del mismo y sus alrededores. Como resultado de ello, por ejemplo, nació de manera orgánica en su audiencia el hábito de dibujar en los individuales mientras espera la comida, apropiándose y re-interpretando así "la cantina ilustrada" de numerosas formas. El resultado ha sido una marca que ha explotado por completo en la escena gastronómica local-nacional desde que abrió sus puertas, expandiendo su presencia a dos sedes adicionales dentro de la ciudad y que es reconocida por su buena comida y experiencia, y su divertida presencia e imagen.

Creamos el sistema gráfico para el espacio público ‘Casco San Pedro’, corazón del municipio de San Pedro Garza García, en Monterrey México. Una plataforma gráfica que abraza vastas expresiones de la marca desde su logotipo, iconografía de espacios emblemáticos, señalética y comunicación.

La alcaldía de San Pedro Garza García - bajo su visión de construir calidad de vida en el espacio público a través de una ciudad vibrante y accesible - buscaba recuperar su centro histórico, con mucha riqueza histórica y cultural pero completamente descuidado en infraestructura, por lo que decidieron transformarla en forma y fondo para convertirlo en un sitio emblemático en México. Para lo cual creamos un rico sistema visual que refleja la unión entre el pasado y la modernidad de su nuevo casco. Una identidad muy intencional en su propósito de revitalizar el corazón de su municipio.

Creamos una identidad que refleja el espíritu del espacio, un espacio vibrante, ordenado y nuevo. Una identidad amigable que conecta y le habla a todas las edades y personalidades, una marca con vigencia que abraza la historia y las posibilidades del futuro por medio de un sistema iconográfico como lenguaje universal. Una paleta de colores que refleja, historia, riqueza y folklore. Y un sistema de navegación en la zona inclusivo, accesible y empático para las diferentes generaciones que coexisten en el ‘Casco San Pedro’.

Localizado en el corazón de la ciudad de Hermosillo, Sonora en México, se encuentra Champ, un pequeño hotel boutique. La calle en la que se localiza se llama Campodónico, el cual es el apellido del reconocido compositor de valses Rodolfo Campodónico, que nació en Hermosillo en 1866. Su trabajo recibió mucho reconocimiento a principios del siglo XX y su apodo era "Champ", de ahí toma el nombre el hotel.

La principal problemática a evadir es no caer en clichés mexicanos, específicamente los desérticos de las regiones áridas del país y aún así ser atractivos para personas extranjeras y los invitados locales. Todos hemos visto brandings con símbolos que usan soles, saguaros, coyotes, etc.

Champ celebra el desierto, la ciudad, el espíritu local y las tradiciones sonorenses. Usando imágenes de viejas postales, fotografías encontradas en sótanos y bazares, su intención es ser lo más acogedor y confortable para sus huéspedes. La paleta de color con colores de-saturados fue inspirada en las regiones áridas del norte de México, donde la vastedad de la tierra y el cielo reinan. La selección tipográfica es retro, debido a que la vieja casa donde se ubica Champ fue construida en los años setenta. La intención del branding era alcanzar un aire orgánico y personal, íntimo, lo opuesto a "pixel-perfect" y digital; que se sintieran mucho las texturas y el carácter acogedor y casual del hotel. Algo cándido, espontáneo; lo opuesto a una producción costosa e imágenes posadas. Casi como un documental. También quise viajar un poco en el tiempo. El branding fue esencial para atraer la atención de inversionistas y brindar presupuesto al proyecto. También atrajo la atención de chefs y expertos en hospitalidad de Arizona, en Estados Unidos, específicamente de las ciudades de Tucson y Phoenix.

ESPAÑOL El briefing era bastante simple: "Queremos crear una marca de cookies estúpidamente rellenos y sabrosos, el resto queda en sus manos". Recuerdo claramente el inicio del proyecto, durante una conversación del equipo, Doi soltó la siguiente frase: "genial, ¿entonces podemos montar esta marca como si fuera para nosotros?". ¡Sí, y eso fue exactamente lo que hicimos! Nos sumergimos en todas las etapas del proyecto: posicionamiento, naming, diseño, arquitectura, web y dirección fotográfica. ENGLISH The brief was very simple: "we want to create a brand of stupidly filling and tasty cookies, the rest is up to you." — I remember at the beginning of the project that, during a team conversation, Doi said the following phrase: "cool, so we can set up this brand as if it were for ourselves?!" Yes, and that's what we did! We delve into all phases of the project: positioning, naming, design, architecture, web and photographic direction.

ESPAÑOL El propósito del diseño no es solo hacer que un proyecto sea estético, sino también posicionamiento, definición de objetivos y estrategia. Por eso, gran parte de este proyecto fue ayudarlos a entenderse y expresarse. Chunky Chunks es un lugar divertido y vibrante. Para ellos, siempre ha sido más sobre que las personas se diviertan que sobre los cookies en sí. Desde la identidad gráfica, el nombre y el estilo de escritura hasta la identidad fotográfica, todo refuerza el sentimiento único que tienen. La tienda siempre está llena; el público que la conoce, siempre regresa. Como resultado, los colaboradores conocen por nombre a las personas que frecuentan el lugar. Con menos de un año, ya han alcanzado la sostenibilidad financiera y ahora han comenzado a expandir las tiendas. ENGLISH The purpose of design is not just to make a project aesthetic, it is also positioning, defining objectives and strategy. Therefore, a large part of this project was helping them understand and express themselves. Chucky Chunks is a fun and pulsating place. For them, it's always been more about people having fun than the cookies themselves. From the graphic identity, name and writing style to the photographic identity, everything reinforces the unique feeling they have. The store is always full; the public that meets it always returns. The result of this is that employees know the people who frequent the place by name. After less than a year, they have already reached financial sustainability and have now started to expand their stores.

ESPAÑOL En cuanto al nombre, sí, fuimos literales. Siempre que alguien prueba por primera vez el cookie, es normal escuchar algo como: "¡wow, está realmente relleno!", y respondemos: "sí, ¡es chunky!". Adoptamos un enfoque inesperado en comparación con los diseños más típicos del segmento: un color poco común y una tipografía inusual y minimalista para una tienda de cookies. Para una estética única, elegimos formas geométricas como una forma divertida y abstracta de representar las cookies. La fotografía muestra lo increíbles que son las cookies y seguramente, junto con la identidad, influye en el cliente para ir a la tienda y probarlas. Algo importante sobre esta marca es que nace con la energía y la planificación para ampliar rápidamente el número de tiendas y, pronto, comenzar el proceso de franquicia. Durante todo el proceso, teníamos un punto que nos incomodaba y generaba un alto grado de incomodidad: ¡Las franquicias son aburridas! A partir de ahí, intentamos crear un diseño que fuera fácilmente replicable y escalable, pero que tuviera la apariencia y el alma de un lugar único. Huyendo de la cara "propagandística" de las franquicias, nos enfocamos en un diseño que se ajustara al estilo de vida y la vida cotidiana de las personas que frecuentarían Chunky. ENGLISH About the name, that's right, we were stupidly literal. Whenever someone tries cookies for the first time, it's normal to hear something like: "damn, it's really filling", and we respond: "yes, it's chunky!". We took an unexpected approach to the most typical designs in the segment: an unusual color and an unusual, minimalist typography for a cookie store. For a unique aesthetic, we chose geometric shapes as a fun, abstract way to represent cookies. The photography shows how incredible the cookies are and certainly, along with the identity, influences the customer to go to the store and try them. One important thing about this brand is that it was born with the energy and planning to quickly expand the number of stores and, soon, begin the franchising process. Throughout the process, we had one point that provoked us and generated a high degree of discomfort: Franchises are boring! We started from there to try to create a design that was at the same time easily replicable and scalable, but that had the face and soul of a unique place. We moved away from the "propagandist" look of franchises and focused on design that fits into the lifestyle and daily lives of people who would frequent Chunky.

"CLASS" y "Rider" crean colaboración que celebra la cultura streetwear en un diálogo brasileño-global. La colaboración de fuerzas entre las marcas da origen a un lanzamiento que combina materiales sofisticados y clásicos, bajo influencias del contraste industrial-operario de la ciudad de Santo André, en el ABC Paulista, cuna del sindicalismo brasileño, con la estética corporativa-urbana de la capital, São Paulo. La campaña integra símbolos y signos de las banderas locales y de las marcas, en una especie de improvisación gráfica contemporánea y sofisticada.

Originaria de Santo André, en el corazón del ABC Paulista, "CLASS", ahora junto a Rider, se posiciona como un símbolo en la intersección de influencias de la contracultura y de un espíritu joven, libre y global. Con su elegancia despojada y dedicación a la improvisación creativa, el modelo "Rider R-Y Mule" lleva consigo un estilo de vida vibrante de las calles, cuyas influencias resuenan en regiones más allá de las fronteras. La campaña se orienta mediante un diálogo local-global, disolviendo y confluyendo expresiones culturales, distribuido en Brasil, Japón y los Emiratos Árabes.

El diseño gráfico une marcas y lenguajes en una misma justaposición de semánticas visuales, jugando con la forma de las palabras, términos y expresiones de "CLASS", "Rider", São Paulo y Santo André. Las formas resultantes crean significados adherentes en diferentes territorios regionales y culturales, tomando prestado del graffiti, las formas de las banderas de las dos ciudades y las marcas "CLASS" y "Rider", © y ® – transportando la contravención del skate al corporativismo del universo del branding. El resultado es impulsado por la improvisación y se integra de nuevo al producto, a la comunicación visual, a la activación-lanzamiento en los "Rider Spaces" (Copan, Centro de São Paulo) y en las piezas de contenido y canales sociales.

Colombia Fintech, la asociación que une a todas las Fintech de Colombia, reconocía la necesidad de evolucionar para seguir siendo el faro de la revolución financiera y tecnológica en el país. El desafío era claro: diseñar una marca que no solo representara la modernidad y la nueva visión del sector sino que también perdurara en el tiempo con una propuesta atemporal y potente. Colombia Fintech no es solo una entidad, sino un conglomerado de submarcas, productos e iniciativas que brindan valor desde diferentes frentes a todas las fintechs que están asociadas. El problema estaba en que eran marcas desasociadas entre ellas y no tenían una arquitectura de marca organizada y estructurada, ya que parecían marcas independientes sin un sistema visual claro. La marca anterior no tenía un sistema visual más allá de un logo, se sentía genérica y repetitiva, tenía una paleta de color monótona y reducida que la hacían ver anticuada y alejada de los valores de innovación y tecnología que como marca intentaba evidenciar.

En Colombia existen más de 322 empresas del sector Fintech (empresas de tecnología financiera) que desde hace relativamente poco tiempo, llevan revolucionando el mercado con propuestas innovadoras, revolucionarias y solucionando tensiones y dolor reales de todos los colombianos. Es una industria que crece cada día y que ha ayudado, no solo al desarrollo económico del país, sino también al desarrollo intelectual de Colombia como una potencia latina en Fintech. El futuro financiero de Colombia cada vez más se encuentra en manos de aquellos visionarios que están dispuestos a adaptarse, innovar y movilizar el cambio. El problema es que lo que antes había sido una revolución visual en contra de los códigos visuales aburridos y tradicionales de la banca tradicional, hoy se estaba volviendo paisaje. Con startups y empresas cayendo en los mismos colores, recursos gráficos y lineamientos. El mundo Fintech se estaba convirtiendo poco a poco en lo que juraba cambiar( al menos a nivel de diseño). Códigos visuales que, a menudo, caen en lo repetitivo y efímero. Incluso códigos que la banca tradicional ya estaba comenzando a usar exhaustivamente.

En un mundo de startups y fintechs sobre saturado de los mismos colores y sin ningún tipo de diferenciación, era momento de volver a lo simple y atemporal. Creando una marca sencilla pero potente que pudiera convivir con más de 300 startups, cada una con sus universos visuales únicos, pero sin representar una competencia sino un apoyo. Nuestro objetivo fue diseñar una identidad que reflejara tanto la innovación inherente al sector Fintech como la solidez y confianza que caracterizan a la industria financiera. Todo un sistema visual versátil y dinámico que permite a cada programa e iniciativa tener un universo de marca diferencial pero sin salirse del mundo de la marca de paraguas. Que permite navegar cada programa de una manera más fácil y abre campo el día de mañana a cualquier iniciativa para entrar al universo visual de una manera fácil. Después del proceso de rebranding de Colombia Fintech, se nos presentó un desafío aún mayor: llevar toda esa esencia y visión a un evento que marcara un antes y un después: el Latam Fintech Market. Un escenario donde no solo se presentaría la nueva imagen, sino donde se convergerían ideas, networking y aprendizaje del ecosistema Fintech de toda América Latina. El Latam Fintech Market no solo se convirtió en el escenario perfecto para revelar la nueva imagen de Colombia Fintech, sino también en una representación viviente de lo que la asociación aspira lograr en el futuro.

Colorado es una panadería/cafétería/pastelería de autor ubicada en Bogotá, de los mismos creadores del restaurante Mesa Franca. Para este proyecto desarrollamos la estrategia de marca y un sistema gráfico que se va "colorando" literalmente, el cual incluyó aplicaciones claves como el menú, la señalética del lugar, aviso de fachada y redes sociales.

Para Colorado tuvimos la fortuna de ser parte del proceso de ideación del concepto del lugar: traer lo mejor de la panadería colombiana al siglo XXI desde una propuesta propia, fresca, donde el ingrediente, la investigación sobre el alimento y sus posibilidades es central. Las panaderías –o el nombre que le den en cada país– son ese lugar frecuente que alimenta algo más que el cuerpo. La panadería y lo que cada cultura hace de ella termina siendo una muestra de los valores y tradiciones más íntimas de un territorio. Colorado debía sentirse como un lugar cómodo, pero refrescante.

El pan en el horno se pone colorado y los personajes que hacen parte del sistema de marca también. Cada uno de ellos representa ingredientes o elementos centrales para el concepto del lugar: una panadería con café y vinos naturales, con maíz, cuajadas y amasijos. Pensamos en las tantas razones que existen para ponernos colorados, la mazorca "entusada", el pan acalorado, el café coqueto, el vino chapetón, el envuelto avergonzado o Doña cuajada que pone colorada de la rabia. Todo esto se complementa con un tratamiento tipográfico sencillo y contundente, al igual que con una paleta de color flexible dentro del espectro de los rojos, naranjas, rosados y marrones.

Una identidad visual para quienes elaboran narrativas visuales. Este proyecto dio como resultado una marca para una empresa cinematográfica con sede en Kiev, especializada en videos musicales y comerciales visualmente impresionantes, con el objetivo de reflejar el compromiso con cada proyecto y la pasión por el poder transformador de la narración. –– A visual identity for those who create visual narratives. This project resulted in a brand for a Kiev-based film company, specializing in visually stunning music videos and commercials, aiming to reflect the commitment to each project and the passion for the transformative power of storytelling.

Nacido en una época en la que el entorno se está destruyendo, Control Freak muestra la fuerza y la esperanza de una generación, la capacidad de crear y renacer. Más que nunca, las mentes creativas involucradas en este proyecto quieren trascender fronteras y arrojar luz sobre el arte y el cine ucranianos. El desafío radica en reflejar la visión multifacética de esos profesionales en una marca que resuene universalmente y a través del tiempo. El espíritu colaborativo y audaz del cliente impulsó un enfoque matizado, navegando por el delicado equilibrio entre el encanto retro y el profesionalismo contemporáneo, elevando la marca a una plataforma donde convergen la narración, el arte y el compromiso. –– Born in a time when the environment is being destroyed, Control Freak shows the strength and hope of a generation, the ability to create and be reborn. More than ever, the creative minds involved in this project want to transcend borders and shed light on Ukrainian art and cinema. The challenge lies in reflecting the multifaceted vision of these professionals in a brand that resonates universally and over time. The client's bold, collaborative spirit drove a nuanced approach, navigating the delicate balance between retro charm and contemporary professionalism, elevating the brand to a platform where storytelling, art and engagement converge.

Imbuida del amor del cliente por la estética retro, la marca surge como un testimonio de proximidad y autenticidad, algo que se puede tocar, sentir y conectar. La paleta de colores, compuesta principalmente de grises desgastados, junto con ricas texturas, rinde homenaje a la sensación tangible y artesanal de la era retro, haciendo referencia al rodaje de películas, como suele hacer Control Freak. Las fuentes simples y objetivas mejoran el reconocimiento, reflejando el deseo del cliente de tener una identidad fácil de recordar. Inspirándonos en logotipos y sellos retro, nuestros gráficos abarcan la versatilidad y ofrecen una gama de versiones de logotipos, lo que da como resultado una marca que refleja profesionalismo con un toque audaz y atrevido. –– Imbued with client's love for retro aesthetics, the brand emerges as a testament to proximity and authenticity, something that can be touched, felt and connected. The color palette, composed primarily of worn grays, along with rich textures, pays homage to the tangible, artisanal feel of the retro era, referencing filmmaking, as Control Freak often does. Simple, objective fonts improve recognition, reflecting the customer's desire for an easy-to-remember identity. Inspired by retro logos and seals, our graphics embrace versatility and offer a range of logo versions, resulting in a brand that reflects professionalism with a bold and bold edge.

The task was to create a new logo for DJ Shushupe, a well-known Peruvian DJ whose name is inspired by the giant Amazon snake of the same name, which is the world's longest snake. Se trataba de creale un nuevo logotipo a la DJ Shushupe, conocida DJ peruana cuyo nombre se inspiró en la serpiente gigante del Amazonas del mismo nombre, que es la serpiente más larga del mundo.

DJ Shushupe is a renowned Peruvian DJ who was the artist responsible for the closing party of the Lima 2019 Pan American Games. DJ Shushupe es una conocida DJ peruana, que fue la artista encargada de la fiesta de clausura de los Juego Panamericanos Lima 2019.

The solution was straightforward; we used the silhouette of the snake to outline the logo, using cursive lettering to simulate the serpent's sinuosity. The snake is coiled at the beginning to form the first "S" of the logo. For this project, we collaborated with a lettering artist, Lucía Nolasco. La solución fue muy directa, utilizamos la silueta de la serpiente para delinear el logotipo, en letra corrida para simular la sinuosidad de la serpiente, que quedó agazapada al inicio para formar la primera “S” del logo. Para este trabajo, dirigimos a una artista de lettering, Lucía Nolasco.

Recently opened in Vila Buarque, central São Paulo, Dōmo is a bar where music, drinks and cuisine receive the same care. A place to listen, drink and eat with quality. Inspired by jazz kissa —created in Japan, which are addresses dedicated to audiophiles, with a high-fidelity sound system—, the musical program highlights musical selections made on vinyl in a room designed to translate the accurate sound system, with acoustic treatment of the walls , ceiling design and positioning of boxes and furniture. Dōmo is a bar with a schedule of DJs and selectors that doesn't have a dance floor. Music accompanies drinks and food, in a space where you can enjoy music and chat at the same time. Both the kitchen and the cocktail bar follow the proposal of respect for ingredients, care with processes and high quality deliveries.

The illustrations have multiple uses: they function as “sub-brands” for institutional use on menus or uniforms and help to personalize the weekly program, whether in social media posts or on the poster that displays the week's DJs. The colored bar ends up transcending the usual applications and not only entering, discreetly, as a signature in photo posts or appearing in signage pictograms, but is incorporated into the bar's own cocktail bar, making Domo's visual system not only help to identify and qualify the bar, but function as a pivotal point in affirming the unique proposal of a place that is extremely confident in its attributes. An identity that manages to combine a high degree of iconicity with a series of playful and flexible layers. All at maximum volume.

Such a particular bar proposal — a bar for listening to music, but without a track, cuisine that rivals the best restaurants in São Paulo, inspiration from a model from Japan without being characterized as an oriental-themed place… — needed a visual identity that was , above all, equally unique. In this way, we took the brief accent, which does not exist in the Portuguese language, as the focal point of the logo, executing it with considerable weight, geometric rigor and chromatic multiplicity. As a counterpoint, the four characters are executed manually, in a stroke that is not firm, precise or “sophisticated”. The combination of originally so distant proposals is brought forward by the use of illustrations, also not firm or precise, of different themes, always topped off by the colored bar.

ESP Para el año 2628 ya no habrá libros, estaremos todos muertos. Estadísticamente la página 26 es la mejor de cada libro y la 28 la peor. Todos los miembros del club de los 27 tenían más de 26 años al morir, pero menos de 28. Ah, y todos los libros de esta editorial se trabajaron en un edificio que lleva por número 2628. Esos números son claramente importantes para los creadores de este proyecto, que nos confiaron la misión de crear su identidad gráfica y diseñar su primera colección de portadas. ENG For the year 2628, there will be no more books; we will all be dead. Statistically, page 26 is the best in every book, and page 28 is the worst. All members of the 27 club were over 26 years old when they died, but less than 28. Oh, and all the books of this publishing house were worked on in a building with number 2628. Those numbers are clearly important to this project's creators, who entrusted us with the mission of creating their graphic identity and designing their first collection of covers.

ESP Las editoriales mexicanas independientes pasan por un momento complicado. Para este proyecto, fundado por escritores para escritores, teníamos el reto de planear la línea gráfica a futuro. Su capacidad de inversión no les permitía adquirir fotografías o ilustraciones para cada título, ni invertir mucho en promoción, pero no querían que sus títulos se perdieran en las librerías. La propuesta se adapta a esa problemática apostando por un branding sólido, sin sacrificar el dar una personalidad diferenciada a cada libro, solucionando con la gama cromática y recursos elementales el problema. Estas portadas llaman la atención en cualquier estante y volverán a la editorial fácil de reconocer. La simplicidad de la fórmula gráfica les permitirá extender la línea a través de un extenso catálogo a futuro. Creemos que este tipo de estrategias pueden ayudar, usando sólo recursos de diseño, a que marcas pequeñas puedan crecer dentro de categorías de negocio complicadas como esta. ENG Mexican independent publishing houses are going through a difficult time. For this project, founded by writers for writers, we had the challenge of planning the graphic line for the future. Their investment capacity did not allow them to acquire photographs or illustrations for each title or invest much in promotion. Still, they did not want their titles to get lost in bookstores. The proposal adapts to this problem by betting on solid branding without sacrificing a differentiated personality to each book, solving the problem with the chromatic range and elementary resources. These covers catch the eye on any shelf and will make the publishing house easy to recognize. The simplicity of the graphic formula will allow them to extend the line through an extensive catalog in the future. We believe that this type of strategy can help, using only design resources, so small brands can grow within complicated business categories like this.

ESP Propusimos un icono que se refiere a la entrada al mundo mágico de los libros y, al mismo tiempo, al edificio desde el que trabaja la editorial, el mítico 2628. Lo trazamos con un look & feel clásico y lo colocamos en un entorno que recuerda portadas de los años sesenta en México, con elementos geométricos básicos, pero combinaciones de color arriesgadas y contemporáneas. Dejamos que sea la gama cromática la que transmita la personalidad de cada obra. Al centro del círculo distintivo de 2628, que rebota en una posición distinta de cada portada, colocamos un fragmento elegido por cada autor, una ventana al corazón del libro. ENG We proposed an icon that refers to the entrance to the magical world of books and, simultaneously, to the building where the publishing house works, the mythical 2628. We drew it with a classic look & feel and placed it in an environment that recalls covers from the sixties in Mexico, with essential geometric elements but daring and contemporary color combinations. We let the color range be the one that transmits the personality of each work. At the center of the distinctive circle of 2628, which bounces in a different position on each cover, we place a fragment chosen by each author, a window to the book's heart.

Desarrollo de nombre para cerveza mexicana elaborada en Alemania, la intención del proyecto fue crear un puente cultural entre ambos paises. Brau es el resultado de unir diferentes conceptos y palabras, por un lado “mexicanizar” “brewer” que es el maestro cervecero, tropicalizando la palabra para que pueda leerse como un oficio, y con un trato cercano, “El Brau”.

Crear un nombre que acompañe y de vida a una cerveza con alma mexicana, pero que se produzca en Alemania. Ser un puente cultural entre ambos países.

Crear una palabra que funcione como puente cultural entre México y Alemania, que pueda pronunciarse en ambos países y pueda lograr una apropiación en ambos paises, tener un "cachito" de México en Alemania.

Elliot Tupac es un artista peruano reconocido por su trabajo en la expresión gráfica popular Latinoamericana. Como letrista y diseñador, creó una identidad compuesta por un lettering (de su autoría) y un ícono que necesitaba ser renovado.

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Para el rediseño de este icono nos inspiramos en la expresión de Elliot como artista. Reconocimos así, a un animal que se repetía en su obra: el colibrí. Ave colorida y libre, como su arte y mensaje. El resultado de nuestro diseño fue un logotipo balanceado, impactante y legible en formatos pequeños. Que fusionaba al colibrí dentro de la estrella simétrica de cinco puntas de su antiguo icono.

Tan único, original y dinámico como sus usuarios, Enviapersonalizados.com es un servicio lanzado en 2023 con la misión de facilitar el envío de regalos 100% personalizados en línea, y ofrecer objetos más elevados e interesantes que las tazas, postales o camisetas de siempre.

Enviapersonalizados.com es una marca hermana de la exitosa enviaflores.com, y busca establecer su propia identidad como servicio.

La identidad visual de Enviapersonalizados.com representa la infinidad de posibilidades de personalización de sus productos. Para ello, desarrollamos un logotipo dinámico que utiliza una diversidad de tipografías y las pone en movimiento para adaptarse a cada usuario. También creamos texturas con barras coloridas animadas para representar el "código único" de las personalidades de todos los usuarios posibles. El resto del lenguaje visual le da coherencia y harmonía a estos elementos cambiantes, para hacer al branding accesible y amigable.

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El Calendario de Adviento de ésika del 2023, una caja de regalo única diseñada para celebrar la temporada navideña con increíbles sorpresas que esconden lo mejor del mundo de belleza. Este calendario de adviento contiene veinticinco siluetas numeradas del 1 al 25 llenas de cosméticos, fragancias y productos para el cuidado de la piel. Diseñado para brindar una experiencia de usuario incomparable, nuestro calendario no solo ofrece una sofisticada exhibición de 360 grados, sino que también se convierte en una pieza decorativa única con forma de árbol de Navidad, ¡ideal para llevar el espíritu navideño al siguiente nivel!

Esta pieza se volvió la estrella de la campaña navideña de ésika, generando un inmenso deseo en el público e impacto positivo en las redes sociales. ¡Nuestra publicación del sorteo del Calendario de Adviento en TikTok logró ser la publicación con más Engagment Rate del 2023 (11.9%), acumulando más de 6,000 interacciones! Además, se lanzó una versión mini que presenta solo tres lados, cada uno de ellos revela el producto más vendido en cada una de nuestras categorías de belleza, lo que nos permitió maximizar el alcance entre nuestra fuerza de ventas con este irresistible regalo.

Elaborado con cartón resistente y papel fino en un vibrante e intenso rojo ésika, con detalles en hot-stamping plateado que incluyen una lluvia de pequeñas estrellas, una exhibición lúdica de números, siluetas para rasgar de productos y el icónico "é" en el borde exterior de cada panel. Su diseño de matriz polar de cinco paneles no solo es una solución modular estéticamente agradable, sino también una maravilla estructural y funcional. ¡Cada detalle te invita a descubrir las sorpresas que hay dentro y a experimentar la ilusión navideña como si fueras un niño!

Las dos universidades más grandes de Chile convocaron a Felicidad Pública para la creación de una campaña y un logo capaz de convocar al total de la ciudadanía para informarse y participar directamente de uno de los hitos más importantes del último tiempo en la historia del país: el proceso constitucional.

Después del estallido social que vivió Chile en 2019, las fuerzas políticas del país comenzaron un largo proceso con varios hitos para entregar soluciones a la ciudadanía. El más importante, sin dudas, fue el proceso constitucional, con dos oportunidades de escritura de para una nueva Constitución. La primera, mediante una Convención Constitucional, y la segunda, mediante un panel de expertos y participación ciudadana.

Felicidad Pública creó la campaña "Si estamos todxs, será de todxs", con un logo estático pero que también tuvo movimiento, simbolizando el libro constitucional que todo Chile en conjunto estaba a punto de escribir. El uso de iconos en las o/a , produce que sea de lectura no binaria e inclusiva.

Festival Cordillera Es el festival de música latina alternativa más importante de la región. Se realiza en Bogotá durante el mes de septiembre. Es un tributo a nuestros orígenes y un esfuerzo para dejar atrás la soledad de América Latina y tomar más relevancia en la industria musical del mundo. Para la versión 2023 estuvimos a cargo de la creación de la identidad visual y la ejecución de todos los puntos de contacto con la audiencia, desde el cartel, redes sociales, merchandising hasta las ejecuciones en la locación.

Bogotá se ha posicionado como uno de las ciudades más importantes para los eventos musicales en América Latina, después de la ciudad de México. Este contexto ha levantado la competitividad, ha obligado a los promotores a buscar más herramientas para diferenciarse y resaltar dentro de la gran cantidad de oferta. Es ahí donde la identidad visual y el diseño gráfico se convierte en una herramienta fundamental para la comunicación y la promoción.

Para el desarrollo gráfico tuvimos muy en cuenta la actualidad latinoamericana reciente, desde los levantamientos sociales, los cambios políticos, las conquistas deportivas y artísticas, el auge económico hasta el atractivo latino en múltiples contextos. Estamos calientes, estamos que ardemos y lo que nos une es la cordillera. Por eso la cordillera está que arde. Esto lo expresamos intensamente a través de un sistema donde la ilustración, la tipografía y el color se juntan para expresar una voz fuerte, atractiva, actual y muy latina. La ilustración nace de la obra del artista colombiano Manuel Hernández Ruiz. Las tipografías Frente Nacional, Aquino e Imperial son inspiradas en la tradición del cartel latino. Y el color expresa nuestra calidez tropical que fluye por las venas de nuestro pueblo.

[PT] FORMS é uma iniciativa da MOTI Foundation e reúne museus, instituições, líderes culturais, artistas, ativistas, educadores e cientistas de todo o mundo para cocriar, prototipar experiências culturais e projetar visões de um mundo do qual queremos fazer parte. [ES] FORMS es una iniciativa de la Fundación MOTI y reúne a museos, instituciones, líderes culturales, artistas, activistas, educadores y científicos de todo el mundo para cocrear, crear prototipos de experiencias culturales y proyectar visiones de un mundo del que queremos ser parte. [EN] FORMS is an initiative by MoTi Foundation, that gathers museums, institutions, cultural leaders, artists, activists, educators and scientists around the globe to co-create, prototype cultural experiences and project visions of a world we imagine living in.

[PT] O FORMS possui uma rede de museus, instituições, líderes culturais, artistas, ativistas, educadores e cientistas que colaboram através de trocas que ocorrem nos gatherings. Esses encontros de imersão e de educação não formal carregam potência para gerar colaborações entre os participantes, reunindo-os para além das fronteiras em torno de interesses e preocupações comuns: explorar como podemos imaginar e incorporar futuros. [ES] FORMS cuenta con una red de museos, instituciones, líderes culturales, artistas, activistas, educadores y científicos que colaboran a través de los intercambios que tienen lugar en los encuentros. Estos encuentros inmersivos de educación no formal tienen el poder de generar colaboraciones entre los participantes, reuniéndolos más allá de las fronteras en torno a intereses y preocupaciones comunes: explorando cómo podemos imaginar y encarnar futuros. [EN] FORMS has a network of museums, institutions, cultural leaders, artists, activists, educators and scientists who collaborate through exchanges that take place at gatherings. These immersion and non-formal education meetings have the power to generate collaborations between participants, bringing them together across borders around common interests and concerns: exploring how we can imagine and embody futures.

[PT] Construímos a identidade visual do FORMS através de uma base conceitual formada por som, cores, materiais e formas. A partir do ferrofluido, uma substância que reage às frequências sonoras e forma novas formas imprevisíveis e conectadas com o ambiente ao qual está sendo exposta, simulamos esse efeito na modelagem 3D. Criamos uma forma institucional neutra que é a base de todas as formas que são geradas posteriormente para cada gathering. Nossa ideia foi desenvolver uma identidade que pudesse evoluir com o passar do tempo e adicionar novas camadas na medida em que o próprio FORMS descobre novas formas de atuar. A identidade institucional é formada pelas cores preto e branco, consolidando um visual mais sóbrio. Para os eventos, que chamamos de gatherings, fizemos uma pesquisa na cultura local para definir qual som e quais cores e formas serão geradas a partir das duas premissas iniciais. Um exemplo disso foi a criação da forma para o gathering que ocorreu no Rio de Janeiro, no Museu do Amanhã, que abordou a diversidade social, ecológica e ancestral que permeia a cidade. Para esse gathering, decidimos seguir com uma trilha sonora criada com batidas de funk, à qual a forma base foi exposta, e para as texturas, definimos a mata atlântica e as rochas que dominam o cenário da cidade. Dessa forma, todos os eventos vão adicionando novas cores e texturas. As cores são adicionadas à paleta do projeto e ajudam a marca a crescer visualmente, conferindo à identidade visual a constante construção e evolução, em diálogo com as narrativas, os espaços físicos e as experiências dos gatherings. [ES] Construimos la identidad visual de FORMS sobre una base conceptual formada por sonido, colores, materiales y formas. Partiendo del ferrofluido, una sustancia que reacciona a las frecuencias sonoras para formar nuevas formas impredecibles relacionadas con el entorno al que se expone, simulamos este efecto en modelado 3D. Creamos una forma institucional neutra que es la base de todas las formas que se generan posteriormente para cada reunión. Nuestra idea era desarrollar una identidad que pudiera evolucionar con el tiempo y añadir nuevas capas a medida que la propia FORMS descubriera nuevas formas de actuar. La identidad institucional se compone de los colores blanco y negro, consolidando un aspecto más sobrio. Para los eventos, que llamamos encuentros, hicimos una investigación en la cultura local para definir qué sonido y qué colores y formas se generarían a partir de las dos premisas iniciales. Un ejemplo de ello fue la creación de la forma del encuentro que tuvo lugar en Río de Janeiro, en el Museo del Mañana, que abordó la diversidad social, ecológica y ancestral que impregna la ciudad. Para este encuentro, optamos por una banda sonora creada con ritmos funk, a la que se expuso la forma base, y para las texturas, definimos la selva atlántica y las rocas que dominan el paisaje de la ciudad. De este modo, cada acontecimiento añade nuevos colores y texturas. Los colores se añaden a la paleta del proyecto y ayudan a la marca a crecer visualmente, dando a la identidad visual una construcción y evolución constantes, en diálogo con las narrativas, los espacios físicos y las experiencias de los encuentros. [EN] We built FORMS' visual identity through a conceptual base formed by sound, colors, materials and shapes. We simulated a 3D modeling effect based on ​​ferrofluid, a substance that reacts to sound frequencies and forms new and unpredictable shapes connected to the environment to which it is being exposed. A neutral institutional form was created that is the basis for all new forms that are subsequently generated for each gathering. Our idea was to build an identity that could evolve over time and add new layers as FORMS itself discovers new ways of acting. The institutional identity black and white color based, consolidating a more sober look. As for the gatherings, we did research into the local culture to define what music, colors and shapes will be generated from the two initial premises. An example was the form made for Rio de Janeiro's gathering that took place at the Museum of Tomorrow, which addressed the social, ecological and ancestral diversity that permeates the city. For this gathering, we decided to go with a funk beats soundtrack, to which our base shape was exposed. As for the textures, we used a landscape that predominates in the city's scenery: the Atlantic forest and its rocks. In this way, all events add new colors and textures. Colors are added to the project's palette and help the brand to grow visually, giving the visual identity constant construction and evolution, in dialogue with the gathering's narratives, physical spaces and experiences.

Creamos toda la planificación estratégica y las identidades visuales y verbales de la marca argentina de productos congelados Frizata. Uno de los puntos destacados fue la definición de un posicionamiento asociado a un perfil de consumidor contemporáneo e innovador. Las entregas rápidas de la empresa, la posibilidad de explorar la variedad de platos listos para comer, las diferentes formas de preparar la comida y las innumerables opciones para combinar ingredientes y crear nuevas recetas se conectan con este perfil: todo es práctico y fácil, tanto para aprovechar más el tiempo como para tener una alimentación saludable y libre de complicaciones.

Nacida en la era digital, la empresa se caracteriza por una relación directa con los consumidores, sin intermediarios: todo se piensa y produce para su bienestar, satisfacción y comodidad. En Frizata, no solo ofrecemos productos congelados, sino una experiencia culinaria que refleja la simplicidad, la innovación y la conexión directa con la vida real.

Este posicionamiento se refleja en los diversos elementos de la identidad de la empresa, que fue concebida de manera integral: se encuentra en su manifiesto, en el logotipo, en la tagline "Saborea la vida real" y en el lenguaje utilizado. También se refleja en la integración entre la identidad visual, con las diversas combinaciones de formas y colores, y el concepto diferenciado que se quiere mostrar, que abarca un amplio abanico de posibilidades para elegir los ingredientes de cada pedido. Realizamos inmersiones en el universo de la marca y llevamos a cabo talleres para definir la estrategia. Llegamos a una identidad verbal fácil y descomplicada que dialoga con el público y refleja el hábito contemporáneo de alimentación que la marca propone. En la última etapa, definimos colores fuertes que se relacionan con los medios físico y digital, y rediseñamos el logotipo, alineando curvas y dándole un equilibrio visual. Creamos patrones y elementos gráficos de apoyo para textos e imágenes. La identidad visual define en códigos cromáticos las opciones de productos que la empresa ofrece, facilitando la compra y diferenciando los alimentos por secciones. La empresa expande su presencia al Brasil con adaptaciones para el uso en ambos países.

Creación de la identidad y universo visual para FUTUR™ y su despliegue en materiales gráficos institucionales, de prospección (inversores, socios y clientes) y comunicación de marca. FUTUR™ es una startup de Hudson Valley, en NY, que nació con la misión de catalizar, facilitar y fortalecer la relación de bienestar entre el planeta y la humanidad a través de un sistema de vivienda sostenible, regenerativo, modular y asequible llamado HÔM – y su variable ZÔM. HÔM y ZÔM fueron diseñados utilizando materiales naturales, no tóxicos y sostenibles, como el hormigón de cáñamo (Hempcrete), la madera recuperada y el metal reciclado que, además de ser energéticamente eficientes, proporcionan una importante reducción de la huella de carbono y permiten sistemas permaculturales y regenerativos, fomentando la manera de afrontar la crisis climática y existencial que estamos viviendo y construir una vida en armonía con la Tierra.

FUTUR™ no lucha contra la naturaleza, sino que colabora con ella. FUTUR™ está aquí para hacer su parte proporcionando una solución audaz pero viable a la urgente crisis ambiental y de vivienda que enfrenta la humanidad. FUTUR™ es una visión holística de una nueva forma de vida que, al habitar la tierra, también contribuye a su regeneración a través de innovadores y accesibles sistemas de vivienda y vínculos comunitarios. La identidad visual de FUTUR™ tiene el objetivo y el reto de traducir gráficamente estos valores y atributos y convertirse, desde el principio, en uno de los principales activos de la marca, creando credibilidad al proyecto y funcionando como agente facilitador y acelerador en la prospección de socios, inversores, clientes, etc.

La identidad visual FUTUR™ nace con el reto de integrar, en un mismo ecosistema, una expresión conceptual, aspiracional y humanizada, con una comunicación informativa, técnica y funcional. Para ello, se desarrollaron elementos gráficos con diferentes objetivos y que convivan de forma armoniosa, integrada y complementaria en un mismo universo. El logotipo de FUTUR™, uno de los elementos principales de la identidad, se inspiró en la combinación de las formas rectas y orgánicas que componen las casas HÔM y ZÔM. Está formado de varios módulos individuales que, cuando se unen, precisamente porque adoptan una relación de interdependencia, crean una estructura estable y única, reforzando el atributo de "comunidad" de la marca. La paleta de colores es una reinterpretación de algunos de los "materiales base" de las casas (Hemp/Limestone/Glass) y, debido a su aspecto menos vibrante, funciona como un elemento de "acogida" y confort de la marca. Aliadas y complementarias a los colores, las imágenes de la naturaleza (tanto intactas como en contacto armónico y/o contemplativo con las personas) se incorporaron como agentes de calentamiento y humanización del universo visual. Por último, las formas gráficas de aspecto suave y minimalista (líneas, cúpulas, etc.), combinadas con una familia tipográfica directa y funcional, actúan como agentes de la expresión técnica de la comunicación.

Diseñamos el nombre para Gagootz, Pizza For All. Gagootz es una nueva pizzería fast casual ubicada en Monterrey, México. Con el nombre y la identidad visual buscamos un estilo inspirado en pizzerías clásicas de NY o Little Italy desde una nueva perspectiva.

Gagootz Pizza for All pertenece a la familia de restaurantes de Grupo Kampai. Este cuenta con un grupo de restaurantes y bares con base en San Pedro, Nuevo León. Entre sus marcas están: Ova, Mirai, Kampai, Sr Tanaka, Sra Tanaka, Kitchoan, Ronin entre otros.

Creamos el nombre, la marca y el lenguaje visual para Gagootz Pizza For All. Buscamos un nombre memorable considerando que el estilo y sabor de la pizza puede homenajear al estilo neoyorkino, encontramos un slang de este mismo lugar que significa loco, buscando alinearnos a la personalidad de esta nueva pizzeria. Su fonética es juguetona y parecida a lo que diría algún tipo de caricatura. Inspirados en el nombre construimos una marca divertida y espontánea, buscando elementos old school que nos remontan a pizzerías de NY o Little italy como el gesto clásico de la mano italiana, los patrones que vemos en los manteles de este tipo de establecimientos o el estilo tipográfico haciendo alusión al ingrediente principal, la masa.

ESPAÑOL Gato Pingado no es el primer café para gatos de Brasil, pero sin duda es el más cool. Reúne cafés especiales de alta calidad, tostadas y pasteles estilo abuela servidos en presentaciones elegantes, dignas de un gato. Por otro lado, hace algo que muy pocos cafés para gatos hacen: permite a los clientes no sólo visitar a los felinos, sino también adoptarlos y darles un hogar amoroso. Todo esto alojado en una acogedora casa reformada en el barrio de Pinheiros en São Paulo. El diseño amplía las barreras físicas de la cafetería, transformándola en una marca de estilo de vida con productos adecuados para gatos y sus humanos y a través de una presencia digital que realza la función social en torno a las estrellas de la casa, los gatos. ENGLISH Gato Pingado is not the first cafe for cats in Brazil, but it is certainly the coolest. It brings together high-quality specialty coffee, toast and grandma-style cakes served in elegant presentations, worthy of a cat. On the other hand, it does something that very few cat cafes do: it allows customers to not only visit the felines, but adopt these kitties and give them a loving home. All of this is housed in a cozy renovated house in the Pinheiros neighborhood in São Paulo. The design expands the physical barriers of the café, transforming it into a lifestyle brand with products suitable for cats and their humans and through a digital presence that enhances the social function around the stars of the house, the cats.

ESPAÑOL El propósito del diseño es el posicionamiento, el establecimiento de objetivos y la estrategia. Por ello, gran parte de este proyecto consistió en ayudarlos a comprenderse y expresarse. Luchan por causas animales, rompiendo prejuicios y dando hogar a gatos abandonados. El lugar fue creado para brindar esta conexión entre humanos y gatos. Por supuesto, la calidad de las bebidas, los alimentos y el medio ambiente contribuyen a esta conexión. El café siempre está lleno y es el cat café con mayor número de seguidores y engagement en SP, siendo un punto turístico para los amantes de los gatos que visitan la ciudad. En menos de un año, ya han proporcionado un hogar a casi 100 gatos, lograron la sostenibilidad financiera y, ahora, iniciaron la expansión digital con la venta de sus propios productos. ENGLISH The purpose of design is positioning, goal setting and strategy. Therefore, a large part of this project consisted of helping them understand and express themselves. They fight for animal causes, breaking prejudices and giving homes to abandoned cats. The place was created to provide this connection between humans and cats. Now of course, the quality of drinks, food and the environment contribute to this connection. The café is always full and is the cat café with the largest number of followers and highest engagement in SP, being a tourist spot for cat lovers who visit the city. In less than a year, they have already provided a home for almost 100 cats, achieved financial sustainability and, now, started digital expansion with the sale of their own products.

ESPAÑOL Un cat café es una cafetería donde poder disfrutar de un buen café acompañado de gatos. Suena simple y lo es, pero eso es lo que lo hace brillante. La idea ya es bastante atractiva y nuestro objetivo era extrapolarla a la comida, la arquitectura, la comunicación y los productos. En los productos vimos la oportunidad de materializar el concepto y transformarlo en una marca de estilo de vida, aumentar el ticket promedio y hacerla reconocida como una marca de productos para gatos que se preocupa por el diseño. Estamos involucrados en todas las partes de la marca, desde el posicionamiento, el naming, el packaging y la arquitectura. Como el concepto en torno a los “gatos” es intrínsecamente lindo, nos aseguramos de que la identidad no se detuviera ahí, agregamos un toque de extrañeza y algunas peculiaridades que le dieron personalidad al proyecto. En la etapa estratégica, el punto principal era transmitir la correcta sensación de un lugar luminoso y relajado para todos. Basándonos en el comportamiento de los gatos me pareció el camino correcto, es decir: somos divertidos, pero no infantiles. El tono humorístico presente en la identidad se acerca a la imaginación humana al interactuar con gatos. El principal objetivo del proyecto siempre ha sido deconstruir los prejuicios contra los gatos abandonados y crear una atmósfera acogedora que permitiera el encuentro entre gatitos y humanos. Seamos honestos, el ambiente de una cafetería es mucho más propicio para esto que la triste realidad en la que se encuentran las ONG que se ocupan de gatos. El Gato Pingado, como la bebida brasileña que dio origen a su nombre, es una mezcla de dos cosas buenas: la leche (los gatos) y el café (los humanos). ENGLISH A cat café is a café where you can enjoy good coffee accompanied by cats. It sounds simple, and it is, but that's what makes it brilliant. The idea is already engaging enough, and our focus was to extrapolate this to food, architecture, communication and products. In the products, we saw the opportunity to materialize the concept and transform it into a lifestyle brand, increase the average ticket and make it recognized as a cat product brand that cares about design. We are involved in all parts of the brand, from positioning, naming, packaging and architecture. As the concept around “cats” is inherently cute, we ensured that the identity didn't stop there, we added a hint of strangeness and some peculiarities that brought personality to the project. In the strategic stage, the main point was to convey the correct feeling of a light, relaxed place for everyone. Based on the behavior of cats seemed the right way to go, that is: we are fun, but not childish. The humorous tone present in the identity is close to the human imagination when interacting with cats. The main objective of the project has always been to deconstruct prejudices against abandoned cats and create a welcoming atmosphere, which would enable kittens and humans to match. Let's be honest, the environment of a coffee shop is much more conducive to this than the sad reality that NGOs that care for cats find themselves in. Gato Pingado, like the Brazilian drink that gave rise to its name, is a mixture of two good things: milk (cats) and coffee (humans).

ESPAÑOL Gato Pingado no es el primer café para gatos de Brasil, pero sin duda es el más cool. Reúne cafés especiales de alta calidad, tostadas y pasteles estilo abuela servidos en presentaciones elegantes, dignas de un gato. Por otro lado, hace algo que muy pocos cafés para gatos hacen: permite a los clientes no sólo visitar a los felinos, sino también adoptarlos y darles un hogar amoroso. Todo esto alojado en una acogedora casa reformada en el barrio de Pinheiros en São Paulo. El diseño amplía las barreras físicas de la cafetería, transformándola en una marca de estilo de vida con productos adecuados para gatos y sus humanos y a través de una presencia digital que realza la función social en torno a las estrellas de la casa, los gatos. ENGLISH Gato Pingado is not the first cafe for cats in Brazil, but it is certainly the coolest. It brings together high-quality specialty coffee, toast and grandma-style cakes served in elegant presentations, worthy of a cat. On the other hand, it does something that very few cat cafes do: it allows customers to not only visit the felines, but adopt these kitties and give them a loving home. All of this is housed in a cozy renovated house in the Pinheiros neighborhood in São Paulo. The design expands the physical barriers of the café, transforming it into a lifestyle brand with products suitable for cats and their humans and through a digital presence that enhances the social function around the stars of the house, the cats.

ESPAÑOL El propósito del diseño es el posicionamiento, el establecimiento de objetivos y la estrategia. Por ello, gran parte de este proyecto consistió en ayudarlos a comprenderse y expresarse. Luchan por causas animales, rompiendo prejuicios y dando hogar a gatos abandonados. El lugar fue creado para brindar esta conexión entre humanos y gatos. Por supuesto, la calidad de las bebidas, los alimentos y el medio ambiente contribuyen a esta conexión. El café siempre está lleno y es el cat café con mayor número de seguidores y engagement en SP, siendo un punto turístico para los amantes de los gatos que visitan la ciudad. En menos de un año, ya han proporcionado un hogar a casi 100 gatos, lograron la sostenibilidad financiera y, ahora, iniciaron la expansión digital con la venta de sus propios productos. ENGLISH The purpose of design is positioning, goal setting and strategy. Therefore, a large part of this project consisted of helping them understand and express themselves. They fight for animal causes, breaking prejudices and giving homes to abandoned cats. The place was created to provide this connection between humans and cats. Now of course, the quality of drinks, food and the environment contribute to this connection. The café is always full and is the cat café with the largest number of followers and highest engagement in SP, being a tourist spot for cat lovers who visit the city. In less than a year, they have already provided a home for almost 100 cats, achieved financial sustainability and, now, started digital expansion with the sale of their own products.

ESPAÑOL Un cat café es una cafetería donde poder disfrutar de un buen café acompañado de gatos. Suena simple y lo es, pero eso es lo que lo hace brillante. La idea ya es bastante atractiva y nuestro objetivo era extrapolarla a la comida, la arquitectura, la comunicación y los productos. En los productos vimos la oportunidad de materializar el concepto y transformarlo en una marca de estilo de vida, aumentar el ticket promedio y hacerla reconocida como una marca de productos para gatos que se preocupa por el diseño. Estamos involucrados en todas las partes de la marca, desde el posicionamiento, el naming, el packaging y la arquitectura. Como el concepto en torno a los “gatos” es intrínsecamente lindo, nos aseguramos de que la identidad no se detuviera ahí, agregamos un toque de extrañeza y algunas peculiaridades que le dieron personalidad al proyecto. En la etapa estratégica, el punto principal era transmitir la correcta sensación de un lugar luminoso y relajado para todos. Basándonos en el comportamiento de los gatos me pareció el camino correcto, es decir: somos divertidos, pero no infantiles. El tono humorístico presente en la identidad se acerca a la imaginación humana al interactuar con gatos. El principal objetivo del proyecto siempre ha sido deconstruir los prejuicios contra los gatos abandonados y crear una atmósfera acogedora que permitiera el encuentro entre gatitos y humanos. Seamos honestos, el ambiente de una cafetería es mucho más propicio para esto que la triste realidad en la que se encuentran las ONG que se ocupan de gatos. El Gato Pingado, como la bebida brasileña que dio origen a su nombre, es una mezcla de dos cosas buenas: la leche (los gatos) y el café (los humanos). ENGLISH A cat café is a café where you can enjoy good coffee accompanied by cats. It sounds simple, and it is, but that's what makes it brilliant. The idea is already engaging enough, and our focus was to extrapolate this to food, architecture, communication and products. In the products, we saw the opportunity to materialize the concept and transform it into a lifestyle brand, increase the average ticket and make it recognized as a cat product brand that cares about design. We are involved in all parts of the brand, from positioning, naming, packaging and architecture. As the concept around “cats” is inherently cute, we ensured that the identity didn't stop there, we added a hint of strangeness and some peculiarities that brought personality to the project. In the strategic stage, the main point was to convey the correct feeling of a light, relaxed place for everyone. Based on the behavior of cats seemed the right way to go, that is: we are fun, but not childish. The humorous tone present in the identity is close to the human imagination when interacting with cats. The main objective of the project has always been to deconstruct prejudices against abandoned cats and create a welcoming atmosphere, which would enable kittens and humans to match. Let's be honest, the environment of a coffee shop is much more conducive to this than the sad reality that NGOs that care for cats find themselves in. Gato Pingado, like the Brazilian drink that gave rise to its name, is a mixture of two good things: milk (cats) and coffee (humans).

Genuíno Films is a high-impact audiovisual production company with a creative, technical, and cultural focus. Offering multidisciplinary services ranging from documentaries to music videos, and encompassing feature films and advertising videos. Their productions bring together visuals, soundtracks, and voices in unique, surprising, sensitive, and expressive films capable of immortalizing memorable stories. The visual identity was created to convey flexibility and transformation, reflecting the company's new professional phase. The new symbol, composed of three rectangular blocks, connects with its history and provides an authentic perspective on various subjects, expanding into a flexible grid system present in all graphic materials. Genuíno Films es una productora audiovisual de alto impacto creativo, técnico y cultural. Con entregas multidisciplinarias que van desde documentales hasta videoclips, pasando por largometrajes y videos publicitarios. Sus producciones reúnen imágenes, bandas sonoras y voces en películas únicas, sorprendentes, sensibles y expresivas, capaces de inmortalizar historias memorables. La identidad visual fue creada para transmitir flexibilidad y transformación, reflejando el nuevo momento profesional de la empresa. El nuevo símbolo, compuesto por tres bloques rectangulares, se conecta con su historia y ofrece una perspectiva auténtica sobre diversos temas, expandiéndose hacia un sistema de cuadrícula flexible presente en todos los materiales gráficos.

Genuíno Films operates with the purpose of making cinema a transformative force for people, places, and society. Their projects bring together and mobilize artists and teams of professionals from different fields, driving the audiovisual context in Brazil and delivering memorable projects. Their visual expression encompasses the various realms in which the brand operates, whether in cinema, institutional productions, fashion, or advertising. With a unique and structured message, the brand manages to connect in a sensitive and effective way with its clients and project partners. Genuíno Films opera con el propósito de convertir el cine en una fuerza transformadora para personas, lugares y la sociedad. Sus proyectos reúnen y movilizan a artistas y equipos de profesionales de diferentes áreas, impulsando el contexto audiovisual en Brasil y entregando proyectos memorables. Su expresión visual abarca los diversos universos en los que la marca opera, ya sea en el cine, en producciones institucionales, moda o publicidad. Con un mensaje único y estructurado, la marca logra conectarse de manera sensible y efectiva con sus clientes y socios de proyecto.

When working with audiovisual content, the brand aimed to reflect flexibility and transformation in visual expressions. The three rectangular blocks from the previous version now symbolize a window to the world, a timeline, a film reel, or the gesture of a praxinoscope, offering an authentic perspective on various subjects. In addition to the main symbol, there are multiple alternative signatures, enhancing versatility in brand application. Elements of the visual universe were inspired by film reels, with frames and repetitions used subjectively, creating a growing grid directly connected to the shapes of the logo. Al trabajar con contenido audiovisual, la marca buscaba reflejar flexibilidad y transformación en las expresiones visuales. Los tres bloques rectangulares de la versión anterior ahora simbolizan una ventana al mundo, una línea de tiempo, una bobina de película o el gesto de un praxinoscopio, ofreciendo una perspectiva auténtica sobre diversos temas. Además del símbolo principal, existen múltiples firmas alternativas, aumentando la versatilidad en la aplicación de la marca. Los elementos del universo visual se inspiraron en las bobinas de películas, con fotogramas y repeticiones utilizados de manera subjetiva, creando una cuadrícula creciente conectada directamente con las formas del logotipo.

Identidad visual y para la Conmemoración de los 50 años del Golpe de Estado en Chile (1973-2023).

El país estaba muy dividido y se debía encontrar una imagen que tuviese contenido político pero se sintiese cercana y reconciliadora. Presentaba también un gran desafío de implementación ya que la identidad debía ser aplicada por terceros a los mas diversos medios y sustratos, por lo cual la solución debía ser simple. La flor se convirtió en un símbolo de unión y con mirada futura, convirtiéndose en un símbolo de reconciliación aceptado por la gran mayoría de los chilenos.

No era fácil encontrar una única imagen que permitiera contar la compleja historia. La identidad debía funcionar en condiciones impredecibles, ser memorable por cierto, pero lo más importante es que debía unir al país en un momento tan doloroso. También debía reflejar la postura del Gobierno del Presidente Boric que se resumía en la frase: DEMOCRACIA ES MEMORIA Y FUTURO. La flor - que a primera vista parece sencilla - esconde en su génesis algo más profundo que una mera decoración: regalamos flores para celebrar el nacimiento, dejamos flores a nuestros muertos, plantamos flores para construir un futuro. El logotipo de la Conmemoración es una flor hecha de lágrimas y sangre, de colores opuestos que se entrelazan - dialogan - para unirse en ese futuro que todos soñamos. Por otro lado el sistema de campaña fue compuesto por una tipografía especialmente desarrollada para el proyecto llamada CINCUENTA, inspirada en la tradición del cartelismo político chileno pero que mezcla ángulos agudos y formas redondeadas, haciendo alusión a la yuxtaposición de visiones sobre el período. El logotipo, la tipografía, una cuidada selección de imágenes históricas y contemporáneas + una restringida paleta cromática hizo de la implementación de la campaña un éxito en los distintos medios: desde su aplicación en el diseño de estampillas hasta la construcción de un memorial frente al Palacio de la Moneda, diseñado también por nuestro estudio.

El Instituto Mexicano del Cannabis es un proyecto que busca promover el uso consciente del cannabis, creando un consumo responsable.

Hacer conciencia sobre el uso del cannabis.

Creamos una historia para dar origen al proyecto, que fue fundado por Sana María, sacerdotisa de la hierba sagrada: el cannabis. Durante su recorrido místico, hicimos tres isotipos que representan cada uno de los momentos clave de su vida hasta llegar a la fundación del Instituto Mexicano del Cannabis. La marca nos habla de los beneficios del cannabis, su uso medicinal y el cultivo consciente de la planta, con una narrativa inspirada en los personajes místicos de nuestra cultura.

Inteligencia Financiera surgió como un portal de Itaú, una de las mayores marcas de América Latina, ofreciendo contenido y noticias sobre inversiones. Sin embargo, para destacarse en un mercado saturado por medios de "Hard News" con un aspecto cliché, era necesario diferenciarse creando una identidad propia para generar reconocimiento de la marca. El design también necesitaba ser amigable, sin saturación visual ni la urgencia del mercado editorial, con el fin de conectarse con el público y permitir el dinamismo digital adaptándose a diversos canales, facilitando el acercamiento a un lenguaje seguido por creadores de contenido sin comprometer la credibilidad editorial de la marca.

El mercado de marcas editoriales sobre inversiones es un océano lleno de logotipos estandarizados y clichés, con nombres descriptivos, colores sobrios y sin elementos propios relevantes y reconocibles. Con tanto enfoque en "Hard News", es difícil encontrar un lugar destacado en la relación con el mercado y los consumidores. Inteligencia Financiera, mientras tanto, poseía un logotipo complejo y tradicional, con limitaciones de performance y aplicabilidad. Además, su nombre no se destacaba de los demás al ser representado en una sigla. El desafío estaba en reforzar nuestra personalidad inteligente, acercándonos más a Itaú y a su público.

Frente a la necesidad de diferenciación en un mercado financiero saturado, la estrategia que buscamos fue aportar más claridad al conjunto, con elecciones visuales más objetivas y consistentes. El símbolo se desarrolló pensando en la sigla IF como manera de preservar el reconocimiento, aportando más precisión en una cuadrícula geométrica que trae aspectos visuales relacionados con datos financieros. Toda la estructura de la cuadrícula funciona como un módulo que guía composiciones y gráficos, expandiendo las posibilidades de comunicación con dinamismo y flexibilidad. La tipografía elegida para el logotipo reduce ruidos y mejora el rendimiento en un entorno altamente digitalizado. Las ilustraciones, siempre con un toque de humor y aspecto periodístico, hacen la conexión con el público. La solución en su conjunto no solo generó reconocimiento de marca, sino que también reforzó la credibilidad editorial.

Jaberi Dance Theatre is a team of artists, activists, and researchers brought together to collaborate and uncover stories inspired by contemporary global issues. Their vision is defined by the interface of performance, politics, people and places. Jaberi Dance Theatre es un equipo de artistas, activistas e investigadores reunidos para colaborar y descubrir historias inspiradas en problemas globales contemporáneos. Su visión está definida por la interfaz entre desempeño, política, personas y lugares.

JDT’s mission to use art and theatre to uncover stories inspired by contemporary global issues resonates deeply with the work with do at our studio. La misión de JDT de utilizar el arte y el teatro para descubrir historias inspiradas en problemas globales contemporáneos resuena profundamente con el trabajo de nuestro estudio.

To showcase this, we created a new brand centred around typography that moves in a quiet and elegant way to allow the viewer to reflect and concentrate on Jaberi Dance Theatre’s work and powerful photography by Ian Patterson. The new brand functions across a range of promotional collateral including stationery, brochures, posters, and a website. Para mostrar esto, creamos una nueva marca centrada en la tipografía que se mueve de una manera silenciosa y elegante para permitir al espectador reflexionar y concentrarse en el trabajo de Jaberi Dance Theatre y la poderosa fotografía de Ian Patterson. La nueva marca funciona en una variedad de materiales promocionales que incluye papelería, folletos, carteles y un sitio web.

Visual Identity project for contemporary restaurant from chef Bruno Katz, based in rio de janeiro . The food is inspired by asian cuisine mixed with local references. The spot has a casual and young atmosphere.

Katz-su is an asian restaurant different form the regular asian restaurant we have in rio de janeiro. Aiming to create a cozy and casual spot with excellent product for and audience thirsty for freshness and originality

Just like the menu, the restaurant's identity is inspired by a variety of asian graphics combined with local references. Resulting in a humorous graphic universe that alludes to asian culture without using cliches.

La Clásica es un restaurante situado en Cali, Colombia, que tiene como objetivo revivir la gastronomía callejera local en un entorno adaptado a las nuevas generaciones. Este concepto se complementa con cócteles potentes, frappés azucarados y un ambiente musical latino y reggaetón para promover el jolgorio cultural y la unión social. El concepto de nuestra marca incluye comunicación visual y verbal basada en la cultura popular colombiana, utilizando frases típicas y elementos gráficos inspirados en los autobuses intermunicipales. El jaguar es el elemento característico de nuestra marca, con el logotipo diseñado utilizando una tipografía script personalizada.

En un contexto de culturas emergentes, nuestro enfoque es rescatar constantemente la tradición de nuestros antepasados en la juventud actual, utilizando un lenguaje contemporáneo y urbano, característico de los artistas destacados en la música latino pop.

En el desafío era combinar tres elementos: la gastronomía callejera tradicional colombiana, la cultura juvenil local y la tradición de la cultura popular colombiana, logramos este equilibrio utilizando colores vibrantes, elementos distintivos de la gráfica popular de los autobuses intermunicipales colombianos, el jaguar como un identificador propio de los Andes y la selva amazónica, y letras script decorativas y pesadas en honor a los rotuladores de brush lettering de la costa caribe colombiana. En términos de frases, utilizamos una retórica que parece como si las canciones de reggaetón estuvieran cantando a la comida frita colombiana.

La heladera nace de una historia que se repite cada fin de semana, una historia de curiosidad y amor profundo por la cocina y la repostería que comparten madre e hija. Juntas han creado innumerables recetas, pero hubo una en especial, la más memorable y trascendente, la elaboración del helado artesanal, preparado con especial detalle en el proceso, combinan los insumos más frescos y naturales con el toque único de Las Elviras, el nombre que ambas comparten y que las hace aún más excepcionales. Capturamos una esencia muy poderosa, el compartir a través de un helado, el amor y dedicación que lleva como sello La Heladera, el cálido cariño de un fin de semana y un espacio en el congelador, donde lo bueno se conserva. Inspirados por esta idea, adoptamos la última frase como eslogan de nuestra marca.

El arte del helado en la ciudad de Arequipa ha sido transmitido de generación en generación, destacándose especialmente con la presencia de la marca Artika, con más de dos décadas en el mercado. Esta firma ha logrado posicionarse como la pionera en la venta de helados y la más querida y respetada por el poblador arequipeño. Además es importante destacar el postre frío más emblemático de la región: el queso helado, ocupa un lugar especial en el mercado arequipeño. Los maestros heladeros, respetuosos de las tradiciones, mantienen una dedicación inquebrantable en los procesos de elaboración, apoyando así el avance de los talentos locales. En la actualidad, en Arequipa, se observa una diversificación de marcas de heladerías establecidas y emprendimientos artesanales, en gran parte gracias a su capacidad para perdurar a lo largo del tiempo. Es importante mencionar que muchos de estos establecimientos son liderados por dueños de mayor edad, cuya experiencia y pasión por el helado han contribuido al arraigo de estas deliciosas tradiciones en la comunidad arequipeña.

Las Elviras: Madre e hija, deciden emprender y empiezan a producir helados desde un pequeño taller en Arequipa. Ella hacen desde las compras hasta el etiquetado final de cada envase, uno por uno. Teniendo una capacidad de recursos - económicos y de producción - limitada, optamos por un branding sencillo, a un solo color pero que resulte memorable e identificable. El objetivo era tener un diseño que sea fácil de imprimir al tratarse de tirajes pequeños y, también, que sea fácil de colocar uno por uno. La selección de los colores, blanco crema con azul, responden al minimalismo y sencillez de una marca artesanal que no alza la voz para demostrar su singularidad. Esto, acompañado de íconos diseñados específicamente para identificar cada sabor, hace que la marca mantenga una coherencia en su estilo austero, mientras aporta un toque de color que hace que no pase desapercibido.

Lambrequim (Lambrequín) es un sello cultural de Ponta Grossa (Paraná, Brasil) dedicado a la producción de libros, CDs y otros productos culturales en tiradas pequeñas. Promueve la escena cultural local reuniendo artistas con producción contemporánea y en diferentes lenguajes. El nombre elegido hace referencia a una conocida pieza arquitectónica decorativa del siglo XIX. Los lambrequines son recortes de madera colgantes que se utiliza en las portadas de casas y edificios. Su origen es europea, llegando a Brasil con los inmigrantes. Siguen presentes en el paisaje urbano de la región sur de Brasil, son celebrados como un ícono histórico y cultural. El brief se refiere a la creación del logotipo para aplicar a productos y piezas promocionales.

El contexto cultural se presenta en el campo de descripción del proyecto..

El logotipo tiene la forma de un lambrequín. Su aspecto visual subvierte la carga histórica del nombre con formas sintéticas, colores sólidos y una disposición de letras poco convencional. Sin embargo, su particularidad radica en ir más allá de un simple signo estático identificador de marca. En diálogo con su objeto de inspiración, se multiplica para componer diferentes composiciones. Los grafismos resultantes aparecen en piezas promocionales. El clímax está en los productos: se forman colas de lambrequines a lo largo de los lomos de los libros y los costados de los CDs. El resultado es una narrativa de marca única, simple, expresiva y funcional que brilla en sus principales puntos de contacto. En resumen, la herencia cultural es utilizada para inspirar la creación de nuevas formas artísticas.

An identifier for the photographer Leonor Corredor de Lohle that she can use as a symbol in her different applications such as photos, reproductions and publications. ////////// Un identificador para la fotógrafa Leonor Corredor de Lohle que pueda usar como símbolo en sus distintas aplicaciones como fotos, reproducciones y publicaciones.

A symbol that allows to “brand’ her photos and publications in a discreet way. ////////// Un símbolo que permita «marcar» sus fotos y publicaciones de una manera discreta.

To synthesize the client's profession into a symbol in a direct manner that allows for dual interpretation, combining the initials of her name, L C L, with her primary tool of work. The symbol is complemented by the logo typed with the Latino Gothic typeface from Latinotype, which, in its variable font, contrasts the name client with the profession client. ////////// Sintetizar en un símbolo el oficio de la clienta, de una forma directa que permita las dos lecturas, las iniciales de su nombre L C L y su principal herramienta de trabajo. El símbolo es complementado por el logotipo compuesto en la tipografía Latino Gothic de Latinotype la cual en su fuente variable permite contrastar su nombre y su oficio.

Manjar Leite es una marca de pastelería y repostería peruana que ofrece desde hace más de diez años ingredientes para postres. La marca ofrecía sus productos únicamente en el mercado B2B, donde funcionaba muy bien, debido a una conveniente ecuación de valor de buena calidad a precio justo. Sin embargo, cuando Manjar Leite decide ampliar su mercado y dirigirse también al consumidor final, identifica que la percepción de su marca no era la esperada, los consumidores la asociaban como una marca de bajo costo “barata” y no la tomaban en consideración al momento de la compra. Cuando asumimos el proyecto trazamos como objetivo principal elevar el valor percibido de la marca y para eso era necesario hacer un cambio integral revisando desde la estrategia hasta el mínimo touchpoint. Lideramos el proyecto de rebranding, buscando crear una nueva identidad visual que transmita la personalidad y valores de marca, así como evidenciar los atributos clave del producto.

Manjar Leite estaba posicionada como una marca económica, su principal atributo era el precio, minimizando atributos clave como sabor y calidad. Para el diseño de la estrategia realizamos una investigación de la marca y sus competidores, comprobando que Manjar Leite sí cuenta con productos de alta calidad, por ello era necesario cambiar la percepción de sus atributos principales. Además, identificamos que la categoría de pastelería y repostería es una categoría silenciosa, es decir que no realiza ningún tipo de comunicación y publicidad. Es por ello, que su principal recurso para atraer e impactar al público es su identidad visual. He allí la importancia de tener una imagen de marca atractiva y vigente. Manjar Leite hasta ese momento permanecía con su primer logotipo, creado hace más de una década, el cual no reflejaba la personalidad moderna de la marca. Asimismo, sus empaques no resaltaban entre sus competidores, puesto que todos eran muy similares y seguían los mismos patrones de diseño, logos tipográficos, con colores tierra y una foto del producto terminado.

Nuestro trabajo con Manjar Leite empezó definiendo la estrategia de marca, partimos estableciendo su posicionamiento: “el partner ideal para la preparación de postres caseros y negocios pasteleros gracias a su amplio portafolio en productos de repostería y pastelería fina”. A su vez, aprovechamos la juventud y poco conocimiento de la marca para establecer una personalidad alegre y divertida que la diferencie de sus competidores, con el fin de lograr cercanía con sus potenciales clientes. Seguidamente, iniciamos con la creación de la identidad visual. Para diseñar el logotipo de Manjar Leite empezamos realizando bocetos a mano, buscando transmitir la frescura de la marca, compusimos una tipografía en bold con letras redondeadas, donde el punto sobre la "i" se transforma en una delicada gota de leche, logrando así un logotipo juguetón y dinámico. La paleta de colores la conformamos por el azul clásico de la marca, blanco y un tono rojizo anaranjado, mezclados con suaves colores pasteles que transmiten una sensación cálida y moderna. Complementamos la identidad desarrollando un sistema de identidad robusto que comprende paleta de colores, tipografía, iconografía y elementos gráficos de soporte.

Mayawell es una marca de bebidas con sede en Austin, con el orgullo de ser completamente mexicana y de poner sus raíces en pleno reconocimiento. No es simplemente una soda convencional; se trata de un tributo a la riqueza de la herencia mexicana, una festividad de su cultura y una dedicación al bienestar, manifestándose como una opción fresca y simplemente fantástica. Sus bebidas prebióticas cuidadosamente elaboradas combinan la inulina Active Agave™ obtenida de manera sostenible con sabrosos ingredientes botánicos para mejorar la salud intestinal y mantener un sabor delicioso. A diferencia de las sodas tradicionales cargadas de azúcar, stevia y otros ingredientes desagradables, Mayawell es una alternativa natural y orgánica que te hará desear uno más sin sentir ninguna culpa al respecto. El resultado es una bebida nítida y refrescante que tus papilas gustativas, y tu intestino, te agradecerán.

El objetivo principal del rebranding de Mayawell fue mostrar la identidad mexicana detrás de la marca de manera auténtica y respetuosa, encontrando un equilibrio que celebre la herencia mexicana sin caer en estereotipos o apropiación cultural. Así mismo, había que equilibrar elementos visuales tradicionales con un enfoque contemporáneo, evitando caer en clichés o parecer desactualizada. En un mercado saturado de bebidas que llaman al consumidor a elegirlas, el branding de Mayawell debía ser distintivo y memorable, destacando sus características únicas, encontrando una representación visual que comunique tanto la salud como la deliciosa experiencia de sus productos.

El objetivo principal del rebranding fue reflejar la herencia mexicana detrás de la marca y sus ingredientes. Por esto, nuestras primeras referencias fueron basadas en una mezcla de tipografías de la mitad del siglo XX y códices prehispánicos para la ilustración. Para la selección tipográfica usamos un motivo gráfico utilizado en todo México donde fuentes condensadas son agregadas en composiciones rectangulares cerradas. Esto fue la base para el logotipo y nuestro acercamiento al layout de los elementos en la marca. Este estilo condensado también nos permitió un mayor posicionamiento y tamaño en la lata, asegurándonos de que el nombre de la marca sea lo primero que capte la atención. Las ilustraciones fueron creadas para cada sabor representando animales y elementos comúnmente utilizados en los códices prehispánicos mezclados con las frutas de cada sabor. En su creación nos aseguramos de que el estilo fuera contemporáneo e inspirado visualmente en nuestras referencias, más no una réplica exacta.

MUR es un laboratorio creativo especializado en la conceptualización, diseño, pintura e intervención de espacios, con representación en Bogotá, Ámsterdam, Berlín y Londres desde el año 2014. Está compuesto por un grupo multidisciplinario de artistas y diseñadoras que, a través del diálogo entre estos dos campos de conocimiento, proponen nuevas conexiones que transforman la cotidianidad de quienes habitan o experimentan un espacio. Generando así, un nuevo diálogo con el entorno. En busca de promover la intervención pictórica de espacios, dar a conocer la marca y consolidarse en el mercado, MUR necesitaba una estructuración estratégica y el desarrollo de un sistema visual simple, potente y coherente. Este enfoque les permitiría mostrar la calidad de su trabajo, conectando de manera efectiva con el público objetivo y clientes potenciales.

Bogotá, al igual que otras ciudades de Latinoamérica, ha experimentado una evolución constante en diseño, arte, arquitectura e innovación. Esta transformación ha motivado a diversos emprendimientos a invertir en el desarrollo de marcas, reconociendo su valor e importancia. Posteriormente, estos emprendimientos crecen, se expanden y adquieren espacios que desean intervenir con elementos distintivos de la marca, generando así recordación en su público objetivo. En el sector de muralistas de fachadas y espacios, se encuentran diseñadores, artistas y grafiteros dedicados a esta labor, aunque tradicionalmente se limitaban a plasmar la imagen entregada por el cliente. Sin embargo, MUR siempre se ha destacado por su proceso compuesto por varias etapas y la intervención artística basada en la pintura y el arte, lo que le da un valor agregado y diferencial al servicio que presta esta marca. El trabajo interdisciplinario entre diseñadores y artistas, la técnica y la rigurosidad en cada etapa del proceso son elementos que hacen de MUR un referente en la intervención de espacios en cada una de las ciudades donde tiene presencia.

Al intervenir un lugar, MUR no solo tiene en cuenta el concepto y el color, sino también la forma y estructura de cada espacio. La idea surge al considerar tres rectángulos (ya que "MUR" tiene tres letras) como el espacio a intervenir. Sobre estos rectángulos, se introdujeron diversas formas geométricas en positivo y negativo para formar las letras que componen la palabra MUR, dando origen al nuevo logotipo de la marca. El resultado permite que cada letra se convierta en un módulo con el cual se puede generar una retícula, posibilitando así la creación de nuevas piezas de comunicación visual. El logotipo también ofrece la posibilidad de intervenir cada letra con imágenes, texturas, colores, entre otros elementos. Con este desarrollo visual, se logró comunicar el gran diferencial de la marca: la intervención pictórica de espacios. Asimismo, se creó un sistema visual versátil que le permite a la marca comunicar de manera fácil y eficaz, destacando su capacidad para transformar cualquier entorno.

El Museu A Casa do Objeto Brasileiro es un espacio de referencia en el conocimiento artesanal, creado para proteger, difundir y valorar sus tradiciones y técnicas, que busca actualizarlas en el contexto de la contemporaneidad, promoviendo un diálogo constante entre el pasado, presente y futuro de estos saberes. El Museu A Casa opera en la ciudad de São Paulo, fomentando la producción artesanal brasileña a través de exposiciones, proyectos, programación cultural, conexiones y asociaciones culturales e institucionales. En 2023, surgió la necesidad de diseñar un nuevo sistema de identidad visual que abordara la complejidad de la institución y su actuación múltiple. Desarrollamos una nueva marca y sus derivados, desde productos para la tienda física, señalización y fachada, material para redes sociales y sitio web, hasta ilustraciones e iconos que representan las diferentes áreas de acción de A Casa.

Para A Casa, los proyectos con comunidades artesanas son la esencia del trabajo que promueven. Cada proyecto busca fortalecer la cadena productiva del arte popular nacional mediante el estímulo a las creaciones locales, que generan visibilidad y contribuyen positivamente a la generación de ingresos y al desarrollo sostenible de las comunidades que participan en la iniciativa. Las acciones suelen tener lugar en territorios conocidos tradicionalmente por preservar una técnica o conocimiento artesanal específico. Se privilegian las materias primas locales en la confección de piezas y objetos que cuentan un poco de la historia del lugar y de las personas que los crean. Se hace un énfasis importante en el rescate, registro, valorización y difusión del patrimonio inmaterial imbuido en las tradiciones, así como un espacio para la búsqueda de nuevos caminos y diversificación creativa, con miras a ampliar su potencial de comercialización. En este sentido, la actualización del sistema de identidad visual de A Casa fue bastante desafiante, ya que debía considerar un ecosistema tan complejo en el que se encuentran y retroalimentan la tradición y la contemporaneidad, la materialidad y las nuevas tecnologías, la artesanía y el diseño.

Ante la percepción de que sería imposible abarcar la pluralidad de la artesanía brasileña, pero en el intento de reflejar, al menos en parte, su diversidad, se creó una familia de ilustraciones originales en tinta china, basadas tanto en objetos pertenecientes al acervo del museo o elementos que integraron sus exposiciones, como en materiales o en la materia prima que algunas técnicas involucran. Sus múltiples técnicas y soportes - diferentes tramas de tejido y cestería, tipologías de bordado, trenzados de paja, siluetas de objetos de cerámica - prestaron a las ilustraciones la singularidad de sus contornos. Los dibujos hechos a mano fueron digitalizados y se convirtieron en la base de la identidad visual, y, en el entorno digital, pudimos trabajar estas imágenes componiendo estampados variados que pueblan buena parte de las piezas. También se seleccionaron 6 ilustraciones principales para los íconos que representan cada una de las áreas del museo: exposiciones, programación cultural, tienda, proyectos, premio (Prêmio Objeto Brasileiro, premiación bianual organizada por A Casa que tuvo su 8ª edición en 2022) y acervo. La tipografía utilizada en las palabras "A CASA" es personalizada, a partir de modificaciones en letras de la fuente Antipol; y la tipografía utilizada en el complemento "museu (...) do objeto brasileiro" es June, una fuente variable diseñada por la diseñadora y tipógrafa argentina Fernanda Cozzi. A diferencia de la marca anterior, existía también el deseo, por parte del museo, de dar protagonismo a las palabras "A CASA", ya que así es como el museo es conocido popularmente y se identifica en las redes sociales. La paleta, que combina tonos terrosos con colores más sintéticos y vibrantes, refleja también la postura de A Casa de unir tradición y contemporaneidad, vitalidad y opacidad. El sistema completo - conjunto de ilustraciones, tipografía y patrón cromático - nos proporcionó una amplia gama de combinaciones entre los elementos y posibilidades de aplicación, ya sea haciendo referencia a producciones emblemáticas o trabajando con gráficos más abstractos inspirados libremente en la visualidad de esos objetos.

Mushroom Compadres es un proyecto dedicado al cultivo y venta de hongos especializados y funcionales para uso gastronómico y medicinal en el oeste de Algarve, Portugal. Su objetivo es proporcionar a las personas productos deliciosos y de alta calidad para su consumo, mejorando su bienestar físico y mental a través de la naturaleza.

Inicialmente, el proyecto de cultivo de hongos formaba parte de la oferta de la empresa matriz "Fazenda Compadres", que se dedica a la agricultura regenerativa en el suroeste de Portugal. Sin embargo, una parte del equipo -que son amantes de las setas- tuvo la idea de crear un proyecto independiente dedicado únicamente a ofrecer setas especiales. Con estas ideas en mente, el estudio propuso crear una marca de hongos que representara los valores, la pasión y la buena onda de los propietarios.

La idea era alejarse de la estética algo neutral y limpia de los productos orgánicos y diseñar una identidad menos convencional, más honesta y peculiar. El resultado combina una versión fresca, amable y divertida de los fundadores con el carácter natural y especial de sus productos, convirtiendo a Mushroom Compadres en una marca que invita a las personas de manera amigable a probar y conocer sobre el mundo de las setas.

m-v-f awards & festival is the main award for music videos in Brazil. The project exists with the aim of celebrating music videos and highlighting their importance and influence on popular culture and creative expressions.

This year's visual identity captures the dynamic essence of the festival and serves as a captivating invitation to join in the celebration of music and creativity.

We developed the visual identity for all social media communication, vignettes, and the communication of the festival itself, backdrop, trophies, also including the award and artist performance videos. The graphic design project embodies the vibrant spirit and dynamic essence of the event. We've crafted a visual experience that pulsates with movement and bursts of gradient colors, mirroring the diverse sounds and rhythms showcased at the festival. The design seamlessly integrates fluid lines and shifting hues, evoking a sense of continuous motion and energy that resonates with music and culture.

Located in the Higienópolis neighborhood, in São Paulo, the beauty salon NaBahia (“at Bahia”) takes its name from the homonymous street where it is located, rua Bahia (“Bahia Street”). The reason for choosing its name, however, is not limited to the mention of the street: it also reflects the owners' desire to express the hall's link with Brazilian identity. (“Bahia” is a region in the northeast of the country maked by its african heritage)

Each of these elements could be used individually or combined and recombined in multiple chromatic possibilities and mosaics, guaranteeing the flexibility necessary for the good performance of the visual identity in its most diverse manifestations, physical or virtual. An identity that reinvents the codes of a segment, for a beauty salon that remains sophisticated without being ashamed to express its Brazilianness.

This Brazilian identity, however, needed to be combined with the visual codes of the sophisticated beauty salon segment, whose communication takes place in the opposite way, generally based on a minimalist line in black and white. Thus, to highlight that even adopting a different path in the segment, NaBahia still asserted itself as a beauty salon, we started with the graphic execution of elements linked to the salon environment — utensils for cutting, treating and drying hair — outlined only in its ultra-synthetic contours, executed manually, with colors and lines that unequivocally refer to the values ​​of Brazilian identity desired by the NaBahia team.

MUTA es un ecosistema tecnológico que inspira la relación consciente con la tierra a través del reciclaje y la educación. MUTA propone la misión de renovar patrones de acción que fomenten la sostenibilidad, la economía circular.

En la actualidad, la gestión de residuos en el planeta enfrenta desafíos significativos debido al aumento de la población, el crecimiento económico y el consumo desmedido. A medida que la urbanización y la industrialización continúan, la cantidad de residuos generados sigue aumentando, lo que ejerce una presión cada vez mayor sobre los sistemas de gestión de residuos existentes. La falta de infraestructura adecuada, la escasa conciencia ambiental y los patrones de consumo insostenibles contribuyen a la acumulación de desechos, lo que plantea graves riesgos para la salud pública, el medio ambiente y la biodiversidad. En respuesta a estos desafíos, se están implementando iniciativas globales y locales para promover la reducción, reutilización, reciclaje y gestión adecuada de los residuos, con el objetivo de avanzar hacia una economía circular y sostenible

Diseñamos un logotipo basado en cuatro formas básicas que simbolizan los distintos estados de una misma unidad, que se convierten, cada una, en todas las demás, dando otro estado a las cosas dignas de otra oportunidad. Esto, bajo el concepto “nuevas formas de consciencia”

Rebranding y packaging para la marca francesa de hard seltzer "Ôbe".

La marca francesa de hard seltzer Ôbe se estaba preparando para lanzarse en el mercado brasileño cuando se dieron cuenta de que era muy necesaria una actualización de la marca para colocarla entre su nuevo público objetivo. En Francia, Ôbe se hizo reconocida como una bebida adecuada para fiestas universitarias: ligera, fácil de beber y cómoda de llevar en una mano. En Brasil, su nuevo objetivo eran los mejores bares de cócteles de Río de Janeiro, y apuntaban a un segmento un poco más antiguo: entusiastas de las bebidas, que estaban interesados en conocer los ingredientes y mezclaban Ôbe con otros sabores para hacer nuevos cócteles.

Originalmente una bebida adecuada para estudiantes universitarios, Ôbe tenía como objetivo llegar a un público objetivo de mayor edad y más refinado al ingresar al mercado brasileño. Este fue el principal objetivo al abordar la actualización de la marca, manteniendo al mismo tiempo una estética joven, fresca y diferente a la de otros jugadores brasileños de hard seltzer. Cuando estudiamos a estos competidores, quedó claro que para destacar debíamos aprovechar el espacio que quedaba en el mercado en cuanto al diseño de envases. La mayoría de los jugadores usaban diseños complejos llenos de elementos, así que fuimos por el otro lado y apuntamos a crear una marca que fuera fácilmente reconocible por sus colores llamativos, su logotipo impactante y su lenguaje minimalista. El logotipo fue creado teniendo en cuenta el origen de la marca, aportando características presentes en el subconsciente colectivo cuando se trata de una estética típicamente francesa: líneas delicadas, serifas marcadas y curvas elegantes. El logo se puede aplicar sobre diferentes fondos, tanto lisos como fotográficos, siempre que se mantenga un buen contraste. Y fue cuidadosamente diseñado para una buena lectura, incluso en tamaños pequeños. Aparte de las principales combinaciones relacionadas con sabores, los colores de marca también se pueden mezclar en otras aplicaciones cuando no se trata de productos específicos. Optamos por una tipografía clásica de líneas rectas y curvas suaves, transmitiendo juventud. Carbona, de Plau Design, fue elegida como tipografía principal de la marca. Es una fuente sans serif geométrica, con un diseño amigable que transmite confianza y encanto al mismo tiempo.

Parkette es una boutique en Hamilton, Canadá, que ofrece ropa, juguetes, accesorios, libros, artículos para el hogar y mucho más. El nombre hace referencia a un término canadiense que describe a un tipo de plazoleta con área de juegos para niños y nos pidieron el desarrollo de su identidad de marca.

Parkette es un local en un área de Hamilton, Canada poco explotada en términos comerciales, entonces había que realizar algo llamativo para lograr que la gente que pasara en auto frenara para explorar el local.

Nuestra misión al definir la identidad de Parkette era capturar la esencia de su principio rector: "Diversión por siempre". Nuestro logotipo, es una mascota/ícono que representa el corazón de la marca. Encarna el espíritu de Parkette, sirviendo como un símbolo de alegría y creatividad, que te invita a moldear y reinterpretar a tu gusto.
 Además, desarrollamos una paleta de colores vibrantes y una serie de ilustraciones que acompañan al espíritu de Parkette.

En la emblemática colonia Juárez, en el corazón de la Ciudad de México, surge Pazzesca, una pizzería que redefine el concepto tradicional de la pizza italiana. Este rincón se establece en una de las zonas más dinámicas de la ciudad, rodeada de un entorno gastronómico y comercial en constante crecimiento. En Pazzesca, la experiencia gastronómica va más allá de saborear exquisitas pizzas, busca transportar a los comensales directamente al bullicio de las calles de Bérgamo, Italia.

La historia de Pazzesca está tejida con hilos de pasión y perfección. Su fundador, Alan Niggeler, dejó su ciudad natal de Bergamo, en Lombardía, Italia, con un sueño que germinaría años más tarde en tierras mexicanas. Con meticulosidad y paciencia, Alan cultivó su arte hasta concebir la pizza que da vida y esencia a Pazzesca. La experiencia gastronómica que propone Pazzesca captura a la perfección la esencia de Italia en cada detalle y bocado. Su identidad visual refuerza esta propuesta, creando un espacio donde lo clásico y lo contemporáneo coexisten en armonía, brindando a los comensales una experiencia única y memorable. El conjunto de la identidad visual ha logrado plasmar el espíritu apasionado y la calidad excepcional de Pazzesca, convirtiéndolo en un referente en el panorama gastronómico de la Ciudad de México.

La identidad visual de Pazzesca, como su nombre lo indica, sorprende y encanta. El logotipo destaca por su tipografía de carácter script, con trazos angulados que evocan la sensación de frenesí y aventura que los comensales experimentan al probar uno de sus platillos. Aunque las letras tienen un carácter atrevido y efervescente, los colores utilizados infunden una sensación de equilibrio y sofisticación. El azul inyecta una chispa eléctrica y jovial a la identidad en su totalidad, mientras que el verde nos sumerge en el fresco y auténtico universo de ingredientes orgánicos y de alta calidad. Se ha creado un sistema gráfico recatado y elegante en el que el logotipo brilla con intensidad. El diseño, sin complicaciones, prioriza la claridad y la legibilidad, optando por una combinación tipográfica entre una sans y una serif. De esta manera, cada detalle, desde el menú hasta las cajas de pizza, pasando por los uniformes del personal, refleja la misión de Pazzesca: deleitar, sorprender y conectar con sus comensales en una experiencia inolvidable.

Pepe Palermo es una colección de vinos enlatados originarios de Zacatecas por López Rosso Cava, centrándose en un enfoque más portátil y accesible pero a la vez distinguido, para el consumo de vino. En la armoniosa fusión de México e Italia, desarrollamos un nombre e identidad que encapsulan con gracia la accesibilidad y simplicidad de una lata de aluminio, al tiempo que mantienen la esencia sofisticada inherente al vino.

El vino es un componente esencial de la tradición italiana. Años de cultura se pueden resumir en una simple copa de vino. Queremos que la gente de México vea beber vino como algo accesible, buscando establecernos como mexicanos sin olvidar las raíces de la bebida.

Elaboramos meticulosamente un nombre e identidad atractivos y distinguidos, inspirándonos en diversas culturas. Tomando dos características representativas de estas dos culturas; el rotulo mexicano y las fachadas italianas, creamos esta mezcla entre la cultura de barrio mexicano y el mundo colonial europeo.

We worked with Perfumehead, a Los Angeles-based luxury fragrance brand, from its initial conception phase to its launch today. Debuting with a line of 7 fragrances inspired by the city of LA and developed by some of the best French perfumers, Perfumehead is a brand with an uncompromising commitment to craft. Trabajamos con Perfumehead, una marca de fragancias de lujo con sede en Los Ángeles, desde su fase de concepción inicial hasta su lanzamiento. Perfumehead debutó con una línea de 7 fragancias inspiradas en la ciudad de Los Ángeles y desarrollada por algunos de los mejores perfumistas franceses, y es una marca con un compromiso inquebrantable con la artesanía.

The first line of products debuted at the legendary Violet Grey – the LA based beauty mecca – and included super-concentrated extraits de parfums, each with their own unique story and brand. The full launch was at Bergdorf Goodman in New York and Holt Renfrew in Canada. La primera línea de productos debutó en la legendaria Violet Grey, la meca de la belleza con sede en Los Ángeles, e incluía extractos de perfumes muy concentrados, cada uno con su propia historia y marca únicas. El lanzamiento completo tuvo lugar en Bergdorf Goodman en Nueva York y Holt Renfrew en Canadá.

The wordmark is inspired by typography inspired by the iconic LA Chateau Marmont and diffuses spatially evoking how fragrance behaves in air. The logo is a P head, to refrence back to its name. The brand is unmistakably luxurious and unexpectedly contemporary. Underline worked with Perfumehead on every aspect of the brand including brand positioning, visual identity, packaging, website and visual style. El logotipo está basado en una tipografía inspirada en el icónico Le Chateau Marmont que se difunde espacialmente evocando cómo se comporta la fragancia en el aire. El logo es una cabeza P, en referencia a su nombre. La marca es inconfundiblemente lujosa e inesperadamente contemporánea. Underline trabajó con Perfumehead en todos los aspectos de la marca, incluido el posicionamiento de la marca, la identidad visual, el empaque, el sitio web y el estilo visual.

We worked with Perfumehead, a Los Angeles-based luxury fragrance brand, from its initial conception phase to its launch today. Debuting with a line of 7 fragrances inspired by the city of LA and developed by some of the best French perfumers, Perfumehead is a brand with an uncompromising commitment to craft. Trabajamos con Perfumehead, una marca de fragancias de lujo con sede en Los Ángeles, desde su fase de concepción inicial hasta su lanzamiento. Perfumehead debutó con una línea de 7 fragancias inspiradas en la ciudad de Los Ángeles y desarrollada por algunos de los mejores perfumistas franceses, y es una marca con un compromiso inquebrantable con la artesanía.

The first line of products debuted at the legendary Violet Grey – the LA based beauty mecca – and included super-concentrated extraits de parfums, each with their own unique story and brand. The full launch was at Bergdorf Goodman in New York and Holt Renfrew in Canada. La primera línea de productos debutó en la legendaria Violet Grey, la meca de la belleza con sede en Los Ángeles, e incluía extractos de perfumes muy concentrados, cada uno con su propia historia y marca únicas. El lanzamiento completo tuvo lugar en Bergdorf Goodman en Nueva York y Holt Renfrew en Canadá.

The wordmark is inspired by typography inspired by the iconic LA Chateau Marmont and diffuses spatially evoking how fragrance behaves in air. The logo is a P head, to refrence back to its name. The brand is unmistakably luxurious and unexpectedly contemporary. Underline worked with Perfumehead on every aspect of the brand including brand positioning, visual identity, packaging, website and visual style. El logotipo está basado en una tipografía inspirada en el icónico Le Chateau Marmont que se difunde espacialmente evocando cómo se comporta la fragancia en el aire. El logo es una cabeza P, en referencia a su nombre. La marca es inconfundiblemente lujosa e inesperadamente contemporánea. Underline trabajó con Perfumehead en todos los aspectos de la marca, incluido el posicionamiento de la marca, la identidad visual, el empaque, el sitio web y el estilo visual.

PGato Community es el nombre de una iniciativa en Estados Unidos para continuar con el legado de Martha, una plataforma para ayudar a personas necesitadas por medio de donaciones y al mismo tiempo, comenzar un movimiento que invita a las personas a encontrar algo más grande que ellos mismos: un grupo, un equipo, una comunidad.

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Buscamos que el distintivo de marca fuera simple y atractivo, que pudiera existir en en toda clase de merchandising, principalmente ropa y arte. Diseñamos la ropa y accesorios tomando en cuenta una personalidad de marca amigable, solidaria y moderna.

Popjoi destaca como una empresa B2B especializada en la creación de sabores para la industria de las palomitas. A través de tecnologías innovadoras, logra recrear una amplia gama de sabores, desde los más simples como mantequilla, jalapeño y caramelo hasta los más complejos como Takis fuego, leche condensada y Skittles, fusionando la más alta tecnología en pastas, aceites y sazonadores de la industria alimentaria para ofrecer una experiencia de sabor única.

Popjoi se posiciona con fuerza y solidez en el mundo de los saborizantes B2B, desafiando la norma de un sector caracterizado por marcas grises y sin personalidad. Manteniéndose como la principal desarrolladora de sabores para palomitas en América, con presencia en países como Estados Unidos, México y Colombia.

En nuestro proceso de rebranding, nos propusimos forjar una identidad vibrante y enérgica que capturara la diversión asociada con las palomitas de maíz. Modernizamos el estilo condensado del logotipo anterior, incorporando elementos que simulan el estallido de una palomita, como la letra 'O' y el interior de la misma, que funciona como una ventana al delicioso mundo del sabor. Creamos un sistema gráfico y de etiquetado versátil que permite la incorporación de cualquier elemento. Popjoi está constantemente colaborando con marcas, películas o eventos especiales, abriendo la puerta a un sinfín de sabores y combinaciones únicas. Inspirándonos en elementos clásicos de los empaques de granos de maíz, desarrollamos una identidad que utiliza tramados verticales y textos dinámicos. Los colores encendidos y saturados no solo identifican cada sabor, sino que también añaden vitalidad a la marca. Diseñamos logotipos específicos para cada unidad de negocio, adaptando los wordmarks a las características de cada producto, como el polvo, los aceites y los granos de maíz.

The Richmond Hill Public Library (RHPL) is committed to helping each and every person in Richmond Hill improve their lives and adapt to change. They are champions of community, guardians of social equity, and defenders of diverse perspectives La Richmond Hill Public Library (RHPL) está comprometida a ayudar a todas y cada una de las personas en Richmond Hill a mejorar sus vidas y adaptarse a todos los cambios. Son campeones de la comunidad, guardianes de la equidad social y defensores de diversas perspectivas.

The Richmond Hill Public Library is home to a very diverse community, and the brand had to feel everyone welcomed. La comunidad de Richmond Hill es muy diversa y la marca debe hacer sentir que todas las personas son bienvenidas a la biblioteca.

We developed a new brand for Richmond Hill Public Library, inspired by the library as a meeting place for the community, and Richmond Hill’s rich history as the former rose capital of Canada. Desarrollamos una nueva marca para la Richmond Hill Public Library, inspirada en la biblioteca como lugar de encuentro para la comunidad y en la historia de Richmond Hill como la antigua capital de rosas de Canadá.

The cafe, located in the Sumaré neighborhood in São Paulo, borrows its name from the Italian resort city, birthplace of Frederico Fellini.

The flexibility based on typographic matrices also allows the brand to adapt, without the need for auxiliary elements, to the most diverse applications and objectives, from digital media to the shop’s signage; from private label coffees to take-away material.

In this sense, the visual identity takes as its starting point a graphic language from old local signs, with their chromatic palette and art-deco accents that refer to a resort that enjoyed its heyday in the first half of the 20th century. But, to avoid emulating a nostalgic place, this starting point is just a starting point that is rearticulated in a free, asymmetrical and flexible structure that brings Rimini Café, without a doubt, into the present time.

Proyecto de Branding para una nueva cervecería con origen en Campinas (Brasil) y alma en las calles. Ruera representa la pasión por la inquietud, la experimentación y por estar afuera, de bar en bar, de calle en calle, con buenos tragos y buenas historias para contar por ahí. [EN] Branding project for a new brewery born in Campinas (SP) with a soul rooted in the streets. Ruera embodies a passion for restlessness, experimentation, and being out there - from bar to bar, from street to street, offering delightful sips and captivating tales to share.

[ES] Entendido como evocador, con claridad de pronunciación y facilidad de escritura, el nombre causa curiosidad al evocar una conexión con la calle (Rua - Portugués), expresando de forma embrionaria la esencia de la marca. Por su autenticidad, el nombre Ruera no enfrentó dificultades de registro de la marca en las clases referentes al negocio. Además de las facilidades legales, el nombre también presentó la posibilidad de propiedad en línea en los puntos de contacto más relevantes para la marca, como el dominio (www.ruera.com.br) y el usuario en Instagram (@ruera). [EN] Recognized for its evocative nature, clear pronunciation, and easy writing, the name sparks curiosity by establishing a connection with the street (Rua - Portuguese), already encapsulating the essence of the brand at its embryonic stage. Thanks to its authenticity, the name Ruera encountered no challenges in registering the brand across relevant business classes. Beyond its legal ease, the name also offered the opportunity for online ownership in key brand touchpoints, including the domain (www.ruera.com.br) and the Instagram handle (@ruera).

[ES] La estrategia posiciona a la marca como una cerveza de vivencias con sed de nuevas historias. El nombre Ruera, a su vez, es el primer capítulo público de una narrativa contada por la marca. Se creó un neologismo en el cual la palabra "Ruera" se deriva del término "rueiro", que se define como alguien que disfruta estar en la calle, que tiene experiencias y contacto con mucha gente, que nunca está quieto y explora nuevas vivencias. Por lo tanto, una cerveza "Ruera" representa la pasión por la inquietud, la experimentación, las vivencias y por estar en la calle en contacto con diferentes personas, "siendo parte de todos". Ruera se declara de las calles, de la gente, de los intercambios y de la multitud. La construcción verbal sostiene, a través del nombre y otros recursos propietarios, el posicionamiento de la marca. [EN] The strategy positions the brand as a beer that craves experiences and thirsts for new stories. The name Ruera, in turn, marks the first public chapter of a narrative crafted by the brand. A neologism was coined in which the term "Ruera" is derived from "rueiro", defined as someone who delights in being on the street, experiencing life, and connecting with a diverse array of people — never still, always exploring new encounters. Consequently, a 'Ruera' beer epitomizes a passion for restlessness, experimentation, varied experiences, and embracing street life with diverse interactions, making it for everyone. Ruera proclaims its essence from the streets, the people, the exchanges, and the crowd. The verbal construction, facilitated through the name and other proprietary elements, upholds the brand's distinctive positioning.

A Sala 106 ® é um escritório de arquitetura e interiores que trabalha, junto com cada família, para construir lares exclusivos e que exaltam, a todo instante, a beleza da experiência.

O projeto de rebranding da Paula Zelazo Arquitetura para Sala 106 ® Arquitetura e Personalidade surgiu da necessidade de reposicionar a marca, evoluindo de uma imagem centrada em uma figura individual para a representação de um escritório de arquitetura mais abrangente. A mudança de nome reflete a transição para uma identidade coletiva, destacando a ênfase na personalização presente em todas as etapas dos projetos. O contexto cultural envolve a dinâmica do mercado de arquitetura e design de interiores, influenciado por tendências estéticas e estilos de vida contemporâneos. A problemática enfrentada estava na desvinculação da marca de uma figura específica, demandando uma abordagem estratégica para comunicar a nova proposta e valores do escritório. A solução, Sala 106 ® Arquitetura e Personalidade, encapsula o comprometimento do escritório com a individualidade de cada projeto. O conceito reflete a colaboração próxima com as famílias, a construção de lares exclusivos e a celebração contínua da beleza da experiência, demonstrando uma abordagem única e autêntica em cada empreendimento.

O nome "Sala 106 ®" foi estrategicamente concebido durante o processo de rebranding da Paula Zelazo Arquitetura. A escolha desse nome tem suas raízes na localização da sala do primeiro escritório, identificada pelo número 106. Além de evocar a lembrança da fundação do escritório, o emprego da palavra "sala" carrega consigo uma rica teia de significados. Ela representa não apenas um espaço físico, mas também simboliza um ambiente acolhedor, projetado para acomodar, criar, receber e compartilhar experiências. Dessa forma, a escolha do nome não apenas homenageia a origem do escritório, mas também incorpora um conceito versátil e simbólico, refletindo a diversidade de atividades e interações que acontecem dentro de uma sala.

Salón Cosa es un espacio de exhibición que reúne las propuestas más destacadas y experimentales del arte y diseño contemporáneo en la semana del arte en México, uno de los eventos más importantes del arte a nivel Latinoamérica. En un espacio dedicado no solo a la exhibición, sino también a la inclusión de nuevos talentos con sede en las principales ciudades del país: Ciudad de México y Monterrey.

La semana del arte es un evento anual en el que personas de todo el mundo se reúnen para ver las nuevas (y no tan nuevas) propuestas de arte y diseño en México. Dada la sobresaturación de eventos y ferias que conviven durante esa semana, destacar visualmente es fundamental. Salón Cosa se diferencia de la mayoría de las exhibiciones que componen el evento por su curaduría atrevida y propositiva; aspira a ser la exhibición más divertida de la semana del arte, orientada principalmente hacia un público joven interesado en descubrir nuevas propuestas y artistas. Es un lugar donde se exhiben piezas que, como esta tipografía, van más allá de su funcionalidad y se sitúan en la frontera entre el arte y el diseño.

Inspirados en la arquitectura funcional y brutalista que caracteriza a estas metrópolis, hemos desarrollado una propuesta visual robusta y distintiva. En ediciones anteriores del Salón, ha existido un personaje que se presenta como el protagonista principal de la identidad, con la capacidad de moverse e intervenir la identidad a su gusto. En esta ocasión, el personaje se fusiona con las letras de nuestro sistema, agregando sus característicos ojos y silueta al cuerpo de las letras. Resultando en un sistema compuesto por una tipografía variable, con la capacidad de adaptarse a cualquier formato. La identidad aprovecha la versatilidad de la fuente y la utiliza como contenedores de información e imágenes. A través de una paleta de colores compuesta por tonos mesurados como crema, rosa y café, generamos una atmósfera cálida que invita y contrasta junto a la oferta de la semana del arte, posicionándose como el espacio de exhibición con mayor propuesta y experimentación. Retomando la tipografía sans serif de ediciones anteriores, generamos acomodos de textos sobrios que se sitúan estratégicamente en los artes, evitando así sobrecargar los formatos debido a la expresividad de nuestra tipografía variable. Logrando una identidad colorida, balanceada y dinámica que refleja el espíritu propositivo y vibrante del Salón.

Servicios de Arqueología; SEDASAR cumplía con más de 11 años dedicada a la gestión de intervenciones arqueológicas en proyectos de inversión. Y como parte de su desarrollo requerían una identidad de revelará la relevancia de la empresa en su rubro.

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Para tal propósito se diseñó una identidad inspirada en las expresiones gráficas de las culturas precolombinas. Buscando reflejarlas en piezas impresas con sus colores, texturas y acabados. Se logró así una marca estructurada con mucho techo para crecer, que además brinda homenaje a la arqueología peruana.

SITE Santa Fe es un "Space for contemporary art", en sus inicios en los años 90´s comenzó como una bienal. Pionera en propuestas de vanguardia de la escena norteamericana. Manteniendo esta actitud se convirtieron en un eje neurálgico entre la comunidad artística internacional y la comunidad local en Nuevo México. La actitud del museo opera en su fuerte carga conceptual e interés por la contingencia, no es casualidad que este año lleven al primer artista nativo americano a ser el encargado del pabellón de Estados Unidos en 60th La Biennale di Venezia. Con la renovación del edificio a mediado de los 2000´s, hubo un cambio de logotipo pero nunca una propuesta de sistema gráfico. Además de no tener una colección permanente, la identidad de SSF quedó en un vacío.

La identidad previa no poseía un sistema gráfico y el único elemento distintivo pasó a ser el edificio, esto generó problemas prácticos de comunicación, tanto interna como externa y también mucha distancia con la comunidad local, que sentía que era un espacio de privilegio, muy lejano a lo que SITE Santa Fe es. PARA VER EL CASE COMPLETO RECOMENDAMOS VER EL LINK DE SITIO WEB DEL PROYECTO

A través de este proyecto el museo busca generar mayor visibilidad, reforzar el vínculo con la comunidad local y seguir siendo un actor de vanguardia en la escena artística global. En un trabajo en conjunto con András Szanto LLC como aliado estratégico, y junto al equipo interno de SITE, en Felicidad Pública fuimos invitados a hacer el rebranding y también el desarrollo de un sistema gráfico que toca múltiples instancias clave como la experiencia del usuario en su visita, trabajo de señalética, la experiencia física, el desarrollo web, merch, stationery, printed elements y redes sociales entre otros. Los tres bloques aluden a la ductilidad del espacio, un espacio qué contiene pero que ve su mayor atributo en la posibilidad de cambio y de su propia reinvención para siempre ser una institución que acoge con amabilidad y tolerancia. La simplicidad de los cubos superior e inferior se complementa con el movimiento y constante ritmo del bloque del medio, que puede actuar de forma llena como en versión de contornos. La aplicación tipográfica alude a la atemporalidad y flexibilidad del espacio, el uso de Akkurat LL reside en su neutralidad que produce el ambiente preciso para centrarse en lo más importante para SITE Santa Fe: el arte. El uso de color proviene del contexto local, Nuevo México está rodeado de atardeceres fascinantes y colores tierra que no podían ser obviados a la hora de buscar tonos amables de conectarse con la comunidad, que a veces podía sentir este espacio como demasiado de vanguardia. La suma de este proyecto es la re-presentación de este Space, que es muchos a la vez y en que la rectitud de sus líneas conviven con la flexibilidad de las obras de arte, los cuales en conjunto, reciben y contienen con cariño a todxs : trabajadores, estudiantes, comunidad de Santa Fe, artistas y curadores que quieran ser parte.

Con más de medio siglo, Stam se ha convertido en un referente nacional en cerraduras, candados y otras soluciones. En un sector tradicional, su rebranding marcó el paso de una cultura centrada en el producto a una cultura enfocada en la marca, abarcando todo su ecosistema. Tras un estudio con sus públicos clave, se observaron brechas en sus relaciones con las marcas: un público saturado por ofertas confusas y centradas en el precio. Así, el propósito "Abrir espacios para nuevas historias" impulsó el cambio, otorgando carisma a la marca sin perder su reconocimiento y rescatando la conexión afectiva desde la infancia de los consumidores. Stam fue más allá, orientando la experiencia de marca para guiar al público en el mundo de la ferretería, aclarando las diferentes ofertas y productos, y creando nuevas historias.

En un mercado técnico, repleto de ofertas y productos que más generan dudas que aclaran, ayudar a los consumidores era una consigna. Era necesario crear diferenciación y una propuesta de valor clara frente a competidores centrados en la guerra de precios. Como una marca con tradición, Stam enfrentaba el desafío de transmitir su personalidad carismática al adaptarse a las diferentes propuestas de valor de su cartera de productos, así como tener un fácil grabado en los diferentes materiales con los que se fabrican las llaves, cerraduras, candados y otros productos. Sin embargo, el verdadero salto fue pasar de una marca meramente funcional a una que valora el diseño de sus productos, Al transformarse, Stam convirtió a las cerraduras y candados en objetos estéticos y refinados.

Marcando la declaración de propósito de Stam "Abrir espacios para nuevas historias", el logotipo fue rediseñado para otorgar más área de protección y fluidez en el trazo. En el universo visual, el desafío era dar cauce al propósito y también comunicar tres diferentes categorías de producto: Standard, Design y Performance. La marca Stam incorpora diferentes firmas que cuentan historias al utilizar distintos elementos visuales: En Standard, formas arquitectónicas y sólidas. En Design, un patrón técnico en cuadrícula. En Performance, una marca de acero, literalmente. La fotografía de productos adoptó un enfoque gráfico y estimulante, con acabados destacados por la iluminación, el movimiento de productos en ángulos y perspectivas únicas. La paleta de colores, dominada por el naranja y matices de gris, transmite al mismo tiempo cercanía y seriedad, aportando potencia y versatilidad al lenguaje visual.

Sumaúma is a digital ambiental journalism platform from the Amazon rainforest. Facing the climatic emergency, the journal amplifies the voices of those who fight for nature, introducing itself as an alternative to traditional journalism. Its presence is bold and proud, not afraid to feature amazonic colors and indigenous patterns. As an independent journal that aims to spread its content globally, its main way of communication with its readers is through social media, meaning each article is turned into a series of images. For that reason, the visual identity was very centered around its logo and social media content. In this context, a digital platform was developed to help Sumaúma’s communications team to create social media content in a quick, simple and intuitive way, while also carrying the diversity of the visual identity.

Sumaúma proudly presents itself as an alternative to traditional journalism, not afraid to feature bold colors and indigenous patterns, while dealing with serious and complex topics. This was important to consolidate Sumaúma’s presence within the digital space, turning it into a reference of environmental journalism. While the journal discusses the Amazon, the visual identity plays an important role in ensuring that these topics are seen in a contemporary and digital light, bringing them closer to the readers that normally do not have direct contact with the rainforest. The templates platform allows for customizations that give each article its own tone of voice, according to what emotion it wishes to convey. While each article is different from the last, the platform’s standardization makes sure the visual identity is still present and recognizable. The journal aims to show not only the hardships of fighting for the forests, but also nature’s abundant beauty. The visual identity carries this diversity of stories that make up Sumaúma, presenting the Amazon as more than a forest, but a living being that fights for its survival.

Sumaúma is an indigenous name for the Kapok tree. The logo’s form takes inspiration from the tree’s large roots, inheriting its impactful presence, but also from indigenous patterns, carrying the voice of the people of the Amazon. The colors are also inspired by the forest, but they go beyond the expected green and ochres to also include blues, reds and grays. As a representative of the forest, Sumaúma’s logo was designed as a living being: each letter is capable of expanding while the others adapt to accommodate it, establishing a mutualistic relationship. It doesn’t exist as a single version, but rather as various shapes and colors, a decision aimed to celebrate the diversity of the forests and their people. The logo gains life through its parameterization, easily transforming itself into new shapes, be it through images, animations, or patterns. The templates platform was developed to easily and intuitively create these images in different formats, such as posts and stories. While it allows for a great customization of content creation, it also serves as a way to ensure that the diversity contained in the visual identity can be replicated at its fullest. This means logo variations, image placement, color choosing, and layout changes to accommodate multiple formats and text sizes.

SUNO, el restaurante de la cadena de hoteles Tierra Viva, buscaba trasladar su cultura, costumbres y valor agregado a su identidad gráfica y eso fue lo que hicimos.

El reto pasaba por desarrollar una marca desde el concepto, naming y logo, hasta las cartas y todos los elementos del restaurante. Siendo Perú un destino culinario, SUNO tenía la vara bien alta.

Tomamos los diferenciales de Tierra Viva, para crear un nombre alineado al misticismo del hotel y a la relación del sol con la comida que nos proporciona la tierra. Así cada plato se convertía en una experiencia.

Tanta, una marca con más de 20 años en el mercado decidió renovarse. A pesar de estar muy bien posicionada, la marca necesitaba plasmar los valores que había desarrollado a lo largo de los años en una identidad sólida que celebre la sazón peruana, su generosidad y cercanía con la gente. - Tanta, a brand with over 20 years in the game, decided it was time for a facelift. Despite being well-established, the brand needed to encapsulate the values it had developed over the years in a solid identity that celebrates Peruvian flavors, generosity, and closeness with the people.

Tanta al ser un restaurante que ha estado tanto tiempo en la mesa de todos los peruanos forma parte de nuestra identidad. Evolucionar esta marca significa representar la diversidad de la cocina peruana de una forma más contemporánea sin perder la conexión creada durante años con el consumidor. - Tanta, being a restaurant that has been on every Peruvian's table for such a long time, is a part of our identity. Evolving this brand means portraying the diversity of Peruvian cuisine in a more contemporary way without losing the connection built with consumers over the years.

Partimos por identificar las características visuales de la marca, aquellas que mejor se vinculaban con el consumidor. Luego las interpretamos con una mirada más actual, vibrante y divertida. Nos inspiramos en la identidad peruana para generar patrones y una paleta de colores que celebre los sabores, diversidad y cercanía que siempre tuvo la marca. El resultado es una identidad que evolucionó respetando su historia y que conecta no solo con los de siempre, sino también con los que están por venir. - We started by identifying the visual characteristics of the brand, the ones that resonated best with consumers. Then, we interpreted them with a more current, vibrant, and fun perspective. Drawing inspiration from the Peruvian identity, we created patterns and a color palette that celebrates the flavors, diversity, and closeness that the brand has always embodied. The result is an identity that evolved while respecting its history and connects not only with the longtime fans but also with those yet to come."

La Tarta que arrasa en España, llegó al Perú. Pero en la tierra de la buena comida iban a necesitar un poco de ayuda para destacar. Una nueva identidad que presente por todo lo alto a la tarta más famosa de la península. Así que decidimos enfocarnos solo en dos cosas: Que sea bien amarilla y que hable como buena española (¡joé!). - The cake that's taking Spain by storm has now arrived in Peru. However, in this culinary haven, it needed a little extra boost to shine. We crafted a new identity to proudly present the most renowned cake from the peninsula. Our focus boiled down to two key elements: make it vibrant yellow and have it speak like a true Spanish (¡joé!).

El consumo de tarta de queso ha llegado con fuerza a latinoamérica. Al ser nosotros los pioneros en Perú, quisimos reforzar su origen y cultura para introducir en el mercado un producto nuevo para ellos. - The delicious Basque Cheesecake has made a strong impact in Latin America. As the pioneers in Perú, we wanted to emphasize its origin and culture to introduce a new product to the Peruvian palate."

Un vasco y una peruana traen al mercado la famosa tarta de queso española. Creamos una identidad inspirada en las diferencias del habla española a la de latinoamérica. Diseñamos juegos tipográficos que visualicen la forma poética de su habla y nos enfocamos en seguir un tono de comunicación elegante, pero lúdico. - A Basque and a Peruvian bring the famous Spanish cheesecake to the market. We created an identity inspired by the differences in Spanish language between Spain and Latin America. We designed typographic elements that visualize the poetic nuances of their speech and focused on maintaining an elegant yet playful tone of communication.

Visual identity for Theatro Municipal de São Paulo (Municipal Theater of São Paulo), one of the most iconic institutions in São Paulo — based in one of its most iconic buildings — is the stage for some of the city's most important artistic companies: Orquestra Sinfônica Municipal, Ballet da Cidade de São Paulo and Coral da Cidade de São Paulo, among others . Therefore, the variety of shows offered by the theater is extremely broad: they range from traditional operas, such as Aida by Verdi, to contemporary dance shows based on sounds from the outskirts of São Paulo. The graphic identity system should, therefore, avoid adopting any graphic path that would make the perception of the theater lean towards just one kind of show, one kind of audience.

The flexibility of this manual stroke made it possible for the identity of each show to adapt to the intensity and tone of each one, being able to communicate everything from soft, classic frequencies to more vibrant and youthful beats, without compromising the integrity of the whole. Furthermore, it showed the flexibility necessary to maintain the uniqueness of communication in the promotional material created for more than 100 shows of the most diverse types, aimed at the most diverse audiences.

The solution found was to prioritize the photographic image and, by mixing it with a manual trace — a free gesture executed with a brush or crayon —, amplify the sounds and movements of the photograph, thus reproducing, in the graphic territory, the emotions common to all languages. and shows around music and dance.

TOLC, a space opened at the end of 2023 and located in the Pompeia neighborhood, in São Paulo, presents itself as a meeting point where visitors can find wines, coffees, books, magazines and other things. But most of all, they can find a place to talk. A meeting point. The chosen name itself plays with this: a free transliteration into Portuguese of the English phoneme TALK.

An essentially typographic identity system whose dynamism is based on the generating principle of the alphabet's verbal language: the graphic transcription of spoken language.

In this sense, the visual identity could take no other path than graphically express the multiple conversations that take place at TOLC. Thus, from the letter O comes forth, at each manifestation of the brand, a great chatter whose content can be either eminently institutional — “coffees”, “wines”, “books” — or based on specific subjects: opening hours, address, coffee composition, wines on the menu… Static or in motion, you can say anything you want.

With 25 years of history, Trem do Samba is now the biggest samba event in the world outside the carnival period. The free event promotes the appreciation of collective memory and the preservation of the great open-air living museum that is Grande Madureira, the birthplace of samba in Rio de Janeiro. Samba, in addition to being a musical expression, is a rhythm that carries history and resistance. It is also a guardian of culture, like the griôs - a term that has its roots in African culture and refers to a master who passes on the traditions of a people. In 2023, the 'Trem do Samba' Festival chose the theme 'Lords and Ladies of Memory', reinforcing the importance of the rhythm's ancestry for the perpetuation of its culture and presence on stages, in 'rodas' and on the streets. In the visual project we developed, graphics and patterns express the rhythm, the illustrated feet symbolize diversity and connect past, present and future, while the train guides the elements on a harmonious path.

The 'Trem do Samba' is a large festival that has occupied the streets of Rio de Janeiro's north zone on National Samba Day for 28 years. In 2023, the event brought the theme 'Lords and Ladies of Memory', rescuing the roots of the rhythm and its history. The choice of this theme highlights the vital and continuous role of samba in the fabric of Brazilian culture, giving legitimate and necessary prominence to its ancestry.

In creating the visual identity for the 28th edition of the 'Trem do Samba' festival, our challenge was to combine popularity and sophistication to convey the essence of the rhythm and the movement inspired by train tracks in its communication. Territory, memory, ancestry and redemption were the guiding words and, based on these, we immersed ourselves in the repertoire of renowned names in Rio de Janeiro samba and the rhythm's connection with New Orleans jazz. The visual proposal we created based on this research is marked by graphics and patterns that reflect the festivity and diversity inherent in the theme. The typography, with its variety of thicknesses, has a strong presence in the compositions, interweaving information and illustrations in a synergistic way. The color palette, cheerful and sophisticated, captures the culture of samba, blending vibrant and sober tones harmoniously. The result is a visual identity and a new signature that artistically represents the universe of samba and establishes a connection with the central theme of the project, reinforcing the importance of the 'Lords and Ladies of Memory' in preserving the cultural heritage of this musical expression.

Tucurinca, una marca con un amplio recorrido y mucha experiencia en el mundo mobiliario, se ha encargado de ofrecer diseño de alta calidad junto a una identidad propia del caribe colombiano. La marca vio la necesidad de hacer un rebranding en su identidad gráfica, pues con la que había salido al aire hace muchos años, no fue pensada bajo los lineamientos y la visión de Tucurinca y su desarrollo como empresa internacional. Entender a la marca, su presente y más importante, su futuro alrededor del mundo fue el objetivo principal de la nueva identidad; crear una marca que trasciende fronteras, llevando en alto la bandera de la costa caribeña colombiana con el estandarte de ser “The Original Caribe Brand".

Tucurinca poco a poco se ha posicionado como una marca insignia de mobiliario artesanal inspirada en las típicas sillas del caribe colombiano, pero que con su look and feel y visión de negocio, también ha sabido integrarse a otros espacios del interior del país, ampliando su catálogo de productos sin perder su esencia. Sus productos se venden en Colombia, Estados Unidos y desde hace unos años, tienen gran popularidad en Europa. El gran poder del producto, no era coherente con la gráfica e identidad de marca que usaban; por esto nos buscaron, pues necesitaban una nueva identidad, cargada de poder y color caribe, pero junto a un desarrollo gráfico con un lenguaje mucho más internacional.

Muchas marcas actuales suelen hacer trabajos de rebranding, eliminando muchos elementos que puede que sean muy importantes para la concepción de la marca en sí. Aunque queríamos que Tucurinca se posicionara en un lugar mucho más versátil, más global y que se acoplara a diferentes espacios, no queríamos renunciar a un valor que la marca siempre ha tenido como protagonista, y que para nosotros era el punto central de esta identidad: los tejidos y sus colores. Por esta razón, hicimos una marca sofisticada, limpia y versátil, pero junto a un desarrollo gráfico que exalta los colores de nuestro caribe y con formas que realzan el trabajo de los tejedores artesanos de Colombia. Este proyecto fue un camino increíble, en el que junto a la co-dirección creativa de Luis Díaz Alejandro y viajes a la hermosa ciudad de Santa Marta, logramos llegar a una identidad de marca fantástica, consistente, relevante e impactante.

VAMMO tiene la ambición de acelerar la transición hacia la energía eléctrica en América Latina, impactar la cultura de la movilidad y transformar realidades. Nuestro desafío fue materializar esta visión en una propuesta de valor clara, relevante y diferenciadora. A partir del concepto de "battery anxiety", VAMMO ofrece cambios rápidos de batería en estaciones propias, impulsando la movilidad eléctrica con un fuerte diferencial en el mercado. Además, VAMMO asume el papel de ser un punto de encuentro para una comunidad que busca un sentido de pertenencia, un "oasis" en medio del caos diario.

El objetivo de este reposicionamiento es difundir los valores de la marca, aumentar la atracción de los motoboys hacia una nueva forma de movilidad, construir una comunidad y, en consecuencia, regenerar a los individuos y a la sociedad. El principal resultado del reposicionamiento de la marca es la evolución hacia una identidad con la cual el público objetivo se identifique, la creación de una comunidad que genere un sentido de pertenencia, el fortalecimiento de la movilidad eléctrica, el empoderamiento del motoboy y, en consecuencia, la mejora de la sociedad. Son muchos objetivos, pero VAMMO está sólo empezando. Con esta actualización, la marca está lista para los desafíos.

La identidad visual se resume en la expresión de movimiento, trascendiendo los códigos convencionales del sector y reflejando la electricidad de la batería. El logotipo creado va más allá de un símbolo, traduciendo visualmente la potencia con un tono urbano y tecnológico. La interconexión del doble "m" expresa el movimiento constante. La paleta de colores vibrantes y neón refleja la potencia irradiando energía. Las ilustraciones fueron desarrolladas especialmente para la marca, permitiendo contar historias de una forma lúdica, haciendo la experiencia más amigable. Además, los íconos en línea de contorno continua mantienen nuestra idea de movimiento, y los gráficos se expanden a partir del propio logotipo, creando un sistema versátil y fácilmente reconocible para los diferentes canales de la marca.

VAMMO tiene la ambición de acelerar la transición hacia la energía eléctrica en América Latina, impactar la cultura de la movilidad y transformar realidades. Nuestro desafío fue materializar esta visión en una propuesta de valor clara, relevante y diferenciadora. A partir del concepto de "battery anxiety", VAMMO ofrece cambios rápidos de batería en estaciones propias, impulsando la movilidad eléctrica con un fuerte diferencial en el mercado. Además, VAMMO asume el papel de ser un punto de encuentro para una comunidad que busca un sentido de pertenencia, un "oasis" en medio del caos diario.

El objetivo de este reposicionamiento es difundir los valores de la marca, aumentar la atracción de los motoboys hacia una nueva forma de movilidad, construir una comunidad y, en consecuencia, regenerar a los individuos y a la sociedad. El principal resultado del reposicionamiento de la marca es la evolución hacia una identidad con la cual el público objetivo se identifique, la creación de una comunidad que genere un sentido de pertenencia, el fortalecimiento de la movilidad eléctrica, el empoderamiento del motoboy y, en consecuencia, la mejora de la sociedad. Son muchos objetivos, pero VAMMO está sólo empezando. Con esta actualización, la marca está lista para los desafíos.

El nombre es el primer activo verbal con el que el público tiene contacto. En un segmento que refleja movimiento, humanización y comunidad, encontramos la palabra perfecta para unir y representar estos conceptos: VAMMO. Es un neologismo sugerente, derivado de la palabra "vamos", que trae un lenguaje familiar, que escuchamos en la calle. Los dos M's fueron pensados para crear una cinética en la identidad visual, al mismo tiempo que generan más propiedad para la palabra en sí. Aquí, hacemos una invitación: en favor de la unión de nuestros colaboradores y en dirección a lo que la marca cree.

Hola Hola!, Bien Bien y tu? Virreina (vicereine) is a dual space for exhibition and artistic exploration that operates simultaneously on the computer and in the countryside, addressing the relationship between the rural and the virtual realm in contemporary artistic practices.

Virreina provides a virtual space for reflection, research and exploration around the possibilities of exhibition, circulation and production of individual or collaborative projects, while immersing ourselves in the Colombian countryside. More and more the countryside loses visibility and importance for the world, being one of the most relevant bases of the society, with Virreina we seek to re-observe these spaces to generate new links and to remember its value. One of the challenges of this project was to connect this relationship with a modern and symbolic graphic system that will connect in both contexts and allowing the brand to express itself with freedom at any cultural environment.

A custom logo was made to re-interpret the way the letters are drawn and to communicate the constant change in the way of approaching artistic practices by bouncing from two different spaces. To communicate the relationship between the two kingdoms , a visual system was developed that would work as a portal where from both spaces make reference to the opposite space, using transparent textures, chroma colors, blurry missing type and and 3D techniques.

We Tot es una pequeña tienda familiar con sede en Mérida, México que destaca por sus encantadores muebles y accesorios para niños hechos a mano. Los estándares de producción de la marca son tan loables como sus diseños de calidad tradicional: todo lo que se ofrece, desde cunas, camas para niños pequeños y literas hasta almohadas, alfombras y animales de peluche irresistiblemente originales, se fabrican de manera sostenible utilizando prácticas de comercio justo. También están confeccionados a mano con materiales como madera de origen responsable.


Hoy en día, los padres tienen como prioridad la creación de entornos seguros y enriquecedores para sus hijos, valorando la calidad, el diseño y la sostenibilidad en los productos que seleccionan. Esta tendencia hacia la personalización y la individualidad en el diseño infantil refleja una creciente conciencia sobre el impacto ambiental de los productos. Sin embargo, a pesar de la creciente demanda de muebles infantiles, muchas marcas no logran satisfacer las expectativas en términos de calidad e innovación. El mercado está saturado de opciones convencionales y poco inspiradoras. En este panorama, We Tot se destaca como una marca adorable que sobresale en todos los aspectos, ofreciendo soluciones que combinan calidad, diseño innovador y sostenibilidad.


El obietivo primordial de la identidad de marca fue transmitir su filosofía y resaltar la excelencia de sus productos de origen responsable, diseñados exclusivamente para niños. Para lograr este cometido, se optó por una paleta de colores neutra y tipografías simples. Esta paleta, compuesta por tonos suaves y cálidos, evita los colores llamativos para sumergir al espectador en una atmósfera de tranquilidad y confort. La inspiración de la marca se remonta al cuento clásico "Ricitos de Oro" centrado en el entrañable personaie de "We Tot" el osito más pequeño, y sus mueblecitos animados, los cuales cobran vida a través de encantadoras ilustraciones.


Wisliana es una chef brasileña, especializada en nutrición y cocina basada en vegetales por la Universidad Cornell y el Institute of Culinary Education (ICE) en Nueva York. A través de un ciclo de profundización y especialización técnica, la chef se consolida difundiendo la alimentación vegetal como un hábito posible para todos, mediante la divulgación de recetas saludables, accesibles y descomplicadas, popularizando y desmitificando no solo la alimentación vegana sino también el propio acto de cocinar, tanto en sus redes sociales como en su comunidad propia, con cursos y talleres online. El proyecto de identidad visual busca articular visualmente la semántica de la cocina profesional internacional y la cocina popular brasileña, comunicando la accesibilidad del tema tratado sin perder el fundamento técnico y formativo que posee la chef. Además, los elementos visuales fueron diseñados para transmitir la sensación e intensidad del sabor de los platos e ingredientes, acercando la vista, el olfato, el tacto y el gusto, construyendo así un sistema gráfico sinestésico y apetitoso.

Con la crisis climática empeorando día a día, adoptar una dieta basada en vegetales/vegana o, al menos, reducir el consumo de carne en la alimentación se ha convertido en un tema de relevancia global. Después de todo, la producción de carne de res es actualmente la principal causa de los cambios climáticos. Sin embargo, según investigaciones del MIT (Instituto de Tecnología de Massachusetts), uno de los mayores obstáculos para este cambio en la rutina es la percepción, o la forma en que se aborda el tema. La idea de privación, culpabilidad, inaccesibilidad o la noción de que los vegetales son insípidos o hechos como ingredientes secundarios son algunos de los obstáculos mencionados para que los vegetales se conviertan en protagonistas del plato. Lo que propone la chef Wisliana es precisamente eliminar estos obstáculos y presentar la cocina vegana como verdaderamente apetitosa, fácil y accesible. Por lo tanto, la creación de la identidad visual de su marca desempeña un papel fundamental en este proceso, al proponer una imagen actualizada, seductora y completamente fuera de lo convencional de lo que se ha convertido en la norma en la cocina vegana.

Una paleta de colores, a veces vibrantes y otras terrosas, evoca diferentes tonalidades vegetales, contrastando energéticamente entre sí. Las familias tipográficas utilizadas en títulos y destacados tienen formas análogas a las herramientas de cocina, con ángulos redondeados y agudos, anchos irregulares y contraformas orgánicamente redondeadas, como cucharas y cuchillos. Estas familias se disponen en composiciones tipográficas, combinadas con caracteres ornamentales de la tradicional Bodoni, con arabescos y motivos florales y vegetales, dando a las palabras formas más figurativas y expresivas. Patrones geométricos escalables interpretan cortes clásicos de la cocina francesa, haciendo referencia al Mise en place, el proceso de preparación de ingredientes. La racionalidad de los cortes se combina con texturas vegetales, recortadas mediante sellos hechos con ingredientes frescos, exploradas en diferentes colores y escalas de aplicación, evocando la tensión creativa entre la rigurosidad y la experimentación. El proyecto también se refleja en la dirección de arte de las imágenes, fotografiadas por Patricia Giufrida, que retratan el proceso culinario y el universo visual de la comunicación. El enfoque se desplaza entre los ingredientes, la preparación, el emplatado y la mesa puesta, expresados en imágenes candentes y cristalinas pero también imperfectas, con rastros del movimiento de cocinar, texturas y colores vibrantes.

ZeyZey es espacio cultural y de eventos en Miami. Un lugar vibrante de sonido y color, immersivo y expansivo, donde las músicas de diferentes regiones y géneros se encuentran. ZeyZey busca explorar conexiones cultural, espirituales, emocionales y generacionales, expandiendo los universos sonoros a través de una interesante rotación musical. Su nombre significa felicidad en Iku, una lengua de los indígenas Arhuacos ubicados en la zona de la Sierra Nevada de Santa Marta en Colombia. ZeyZey abrió sus puertas en 2023 como una alternativa cultural y de entretenimiento en la ciudad.

ZeyZey es un ecosistema que busca amplificar diferentes voces, consciente de la diversidad cultural y las diferentes raíces latinoamericanas que convergen en Miami. Diversos orígenes y puntos de encuentro se unen en una plataforma y un espacio pensados para reconocer la comunidad alrededor de la música y el entretenimiento. Miami es una ciudad que respira diversidad, pero sorprendentemente carece de espacios culturales más alternativos. ZeyZey busca generar otras lecturas, expandir el universo y crear otras comunidades en la ciudad. ZeyZey es música viva.

La identidad visual está diseñada utilizando diferentes elementos: tipografía, color, e imagen, que se entremezclan buscando un sistema flexible y dinámico. Con una fuerte inspiración en portadas de álbumes de músicas latinoamericanas, serigrafía y cartelismo, con psicodelia tropical, buscamos generar una identidad vibrante y diversa. ZeyZey es expresión tipográfica, utilizamos un sistema que alterna fuentes tipográficas condensadas, expandidas, curvas, rectilíneas, y terminaciones excéntricas. El logo está diseñado partiendo la fuente tipográfica Pimpit, de la casa tipográfica francesa BB Bureau, la cual parte de la premisa de romper códigos tradicionales tipográficas y buscar la diversión. Nosotros lo amplificamos con movimiento, emulando las frecuencias de un ecualización. Este proyecto lo hemos pensado desde la restricción, siempre utilizando un número limitado de recursos por pieza, tratando de alternarlos, buscando hacer referencia a los antiguos talleres de tipografía y serigrafía, y las limitaciones técnicas (y de disponibilidad de recursos) de su trabajo. La paleta de color es diversa y vibrante, buscando mucho contraste y combinaciones fuera de nuestro control. Estas se complementan con imágenes pensadas como clip-art, apoyos visuales al mensaje principal de cada cartel o pieza gráfica, retomando la referencia al cartelismo latinoamericano del siglo xx. ZeyZey es un híbrido de estilos y referencias, busca ser un vivo reflejo de Miami, entiende sus universos visuales y los proyecta a través de su propia autenticidad.

Liderada por Ana Clara Watanabe – directora creativa y estilista – un nombre destacado de la moda contemporánea brasileña, ❙●●●WTNB渡辺 nace como una marca-laboratorio que explora formas, texturas y materiales en prendas de vestir y muebles. Con la sostenibilidad como pilar principal, sus creaciones provienen del reutilización de materia prima textil o reciclaje, presentando nuevas propuestas de ajuste y utilización de sus insumos.

Ana Clara Watanabe ha estado recorriendo un camino consistente en la moda brasileña: lideró Anacê, una marca de moda autoral con participación en la SPFW, fue responsable del estilo de Insider, una etiqueta de ropa deportiva con tejidos tecnológicos, y decide, en 2023, emprender, impulsada principalmente por los aprendizajes y las urgencias relacionadas con la industria textil. En la actualidad, en Brasil, se recicla solo el 20% de los residuos que produce, lo que equivale a 4 millones de toneladas de residuos de esta categoría en el país cada año (datos de Abrelpe, 2022). A partir de este contexto, surge WTNB, una marca de upcycling y también a medida, con prendas creadas siempre a partir de sobras y pérdidas de tejidos, y con piezas seleccionadas en tiendas de segunda mano y bazares, que se transforman, preservando su historia pero también conectándose con el hoy.

El proyecto de identidad visual de la marca planifica y acerca la semántica y códigos visuales de lenguajes gráficos geométricos, caracteres latinos y kanjis-ideogramas japoneses. Su símbolo remonta una conexión histórica entre las banderas de Brasil, Japón y la ciudad interiorana de Pindamonhangaba, tierra natal de la fundadoram diseñadora y directora creativa – como un gesto de referencia, resignificación y reaprovechamiento de signos, sus culturas y actitud estéticas. El resultado es una marca contemporánea se funda en un diálogo global, pero aún así, profundamente conectada con historias y tradiciones locales.

Agrotoken es la primera infraestructura global de tokenización de Agrocommodities. Crearon la primera infraestructura para la tokenización de materias primas en el sector agrícola.

Agrotoken acudió a nosotros con una tarea desafiante: diseñar y desarrollar una aplicación móvil de alta calidad y fácil de usar para plataformas iOS y Android que permitiera a los agricultores realizar transacciones y supervisar el estado de sus tokens (AT) con un plazo ajustado de tres meses debido a un acuerdo comercial con VISA. Además de la app, se nos encargó el diseño de tarjetas de crédito físicas y digitales. El objetivo clave en el momento del lanzamiento de la app era que un agricultor fuera y utilizara la app para comprar una taza de café en una tienda famosa, lo que significaba el éxito de la integración de la app en las transacciones cotidianas.

Nuestro equipo diseño y desarrolló una aplicación con una experiencia de usuario memorable, que invita a descubrir nuevas posibilidades y que refleja correctamente el espíritu de la marca Agrotoken en un entorno diferente. El equipo se centró en los pequeños detalles de la aplicación para garantizar que tuviera una personalidad distintiva, interacciones, íconos e ilustraciones a medida.

Akira Cine, es un espacio virtual donde el cine y el arte se fusionan en un portafolio digital lleno de talento e historias. Más que un portafolio, es una ventana al universo de una marca que destaca tanto en el ámbito comercial como en el cine. Aquí, no sólo exhibimos talentos individuales, sino que creamos un espacio donde los visitantes se sumergen en una experiencia única, recorriendo proyectos y descubriendo historias cinematográficas.

En un contexto cultural donde se valora tanto lo colectivo como lo individual, Akira Cine emerge como un puente. Destacamos la importancia de crear productos digitales valiosos que no solo conecten con la marca, sino que también ofrezcan una experiencia de navegación que resonará en cada usuario.

Nuestra meta era clara: un sitio web repleto de videos sin sacrificar su rendimiento. Además queríamos ofrecer formas únicas de explorar y consumir el contenido. Así que, implementamos exploraciones e interacciones innovadoras, desplazamientos horizontales y verticales que llevan la experiencia de usuario a otro nivel. La esencia de la marca se refleja en cada rincón del sitio. Nos esforzamos por integrar la estética única del cliente, preservando su marca e identidad en cada pixel. Cada detalle, desde la paleta de colores hasta la disposición de los videos, está cuidadosamente diseñado para destacar su esencia.

El equipo de Arte y Educación llega con la premisa de concebir una experiencia web que en primer lugar permita integrar a diferentes audiencias, tanto niños como adultos, a la interpretación de las obras analizadas. También busca reproducir de mejor manera la obra en sí y su contexto histórico así como brindar información de diferentes intérpretes de arte para dar lugar a la reflexión.

Arte y Educación es una asociación civil sin fines de lucro cuyo objetivo es transformar la educación a través del arte contemporáneo, ajustándola a las necesidades del siglo XXI. Es una plataforma de libre acceso que apoya a docentes, estudiantes y artistas hispanohablantes a aprehender e incluir en sus prácticas las ideas y metodologías que manejan el arte y artistas contemporáneos.

Para este proyecto hemos diseñado y desarrollado un sitio web que busca mejorar la experiencia de cómo se consumen las obras en un museo, agregando información e interpretaciones que permitan generar una lectura diferente de la obra y su contexto invitando a diferentes audiencias a la reflexion de forma crítica (adultos y niños). Enfocándonos en áreas específicas de la pintura, proporcionamos explicaciones detalladas. Además, ofrecemos la posibilidad de utilizar relatos de diversos intérpretes para un análisis integral de la obra, incluso en tiempo real en museos a través de dispositivos móviles. En esta primera entrega, nos centramos en “El Resurgimiento de la Patria” (1898) del pintor uruguayo Juan Manuel Blanes.

Bryhel, a leading cosmetic laboratory catering to renowned beauty brands worldwide, approached us with the goal of elevating their digital presence and brand. Recognizing that their website serves as the primary source for sales, they sought to position themselves as more than mere manufacturers. Instead, they aimed to be perceived as trusted business partners on par with their clients in the beauty and skincare industry. The objective was to convey a sense of professionalism and sophisticated design, all while adhering to legal constraints that prevented the showcasing of their work for past and present clients. We had to strategize, design and develop both the website and content that would live in it.

How businesses buy is very different than the way consumers buy. Business to business sales take a lot more time, research and assessment than direct to consumer sales. However, businesses are made out of people who encounter with digital experiences every day, just like consumers, and have the same high expectations when it comes to consuming digital content… no matter what type of content it is. That's why today, more that ever, it is crucial for B2B businesses like white label manufacturers to elevate their brand image and have a powerful digital presence.

We created Bryhel's website with the intention of conveying both professionalism and a lively, feminine flair to connect with their buyers. This distinctive approach sets them apart, particularly within their industry. Unlike many manufacturers, Bryhel recognizes the significance of their digital image. The powerful animations, graceful transitions, and the distinctive 3D renders of the bottles and textures, all contribute to the desired "wow-effect" that the team at Bryhel and ours were seeking. Their professional and distinctive image has helped increase sales and brand memorability.

Ambiente digital para CICLOPE, un festival con sede en Berlín que exhibe el trabajo de creadores de cortometrajes, comerciales y videos musicalse. "El Premio CICLOPE es el referente máximo del oficio, una destacada exhibición y celebración de lo mejor del año en comerciales, videos musicales y cortometrajes. Cada año, un panel de expertos premia las mejores obras del año, estableciendo un estándar dorado en aproximadamente 30 categorías, que incluyen Dirección, Cinematografía, Diseño de Producción, Edición, Efectos Visuales, Animación, Música y muchas más."

La esencia del Festival CICLOPE implica adentrarse en la diversidad y el impacto que este evento tiene en el mundo audiovisual. Más allá de ser simplemente un festival, CICLOPE se distingue por dar voz al 'craft', a aquellas personas que trabajan en el mundo audiovisual, trascendiendo roles convencionales de directores y productores. Su enfoque es alternativo, ofreciendo un espacio donde todos –sin importar su identidad– se sientan representados. En más de 10 años han forjado una sólida comunidad global de artistas y amantes del oficio; que incluye a miles de productores, creativos, directores y especialistas de todo el mundo, interactuando tanto en el espacio digital como en el físico a lo largo del año. El festival ha logrado posicionarse en la escena audiovisual, atrayendo a nuevos participantes en cada edición. Entre los presentadores destacados de ediciones anteriores se encuentran el director ganador del premio de la Academia, Spike Lee; el artista y director David LaChapelle; la ganadora del premio Oscar en diseño de producción, Hannah Beachler; la directora Floria Sigismondi; el escritor y director Roman Coppola; y la leyenda creativa Sir John Hegarty.

En este proyecto partimos de la identidad visual diseñada por el Estudio Patria, buscando expandir el sistema gráfico. En este sitio web le dimos todo el protagonismo al material audiovisual, buscando transiciones capaces de vibrar y contrastar con la información. También exploramos la interacción con el usuario mediante diferentes elementos que reaccionan a la navegación, con el objetivo de comunicar la esencia del festival. Le apostamos a micro-interacciones que pudieran ampliar el sistema, dando vida a elementos con el movimiento que puede generar un sitio web. El reto era buscar un sitio capaz de enmarcar el trabajo de los participantes y a su vez servir como una invitación llamativa al evento mismo, creando la primera instancia del festival para los espectadores.

GenCup 2023 es una innovadora serie de carteles generativos para celebrar la Copa Mundial Femenina 2023, que explora una fusión única de diseño gráfico, fútbol y datos.

El proyecto se inspira en la pasión universal por el fútbol y en el mundo basado en los datos en el que vivimos. Al combinar estos elementos, el proyecto crea una experiencia única y atractiva para todos los públicos. El uso del arte generativo también añade un giro contemporáneo a la representación tradicional de los deportes, haciéndola accesible a un público más amplio y abriendo nuevas posibilidades de expresión creativa. Además, el énfasis del proyecto en el uso de datos del mundo real pone de relieve la importancia de comprender e interpretar el mundo que nos rodea de nuevas formas.

Gencup pretende explorar los límites del diseño gráfico donde el proyecto gráfico es una secuencia de reglas que, expuesta al azar de los acontecimientos de las 22 jugadoras sobre el terreno de juego, crea un artefacto único como homenaje al Fútbol Femenino y al recuerdo de ese partido. También ofrece una nueva perspectiva no sólo del diseño, sino también de la intersección entre el deporte y la tecnología. Utilizando la API de la FIFA y un algoritmo de JavaScript, los carteles se generan automáticamente con la información de los partidos, traduciendo las estadísticas en una experiencia visual. Enlazados en el sitio web del proyecto y en Instagram, los resultados más impactantes también se imprimen en 42x59cm fine-art sobre papel Photo Rag de 308g. El proyecto ofrece un viaje visual en tres niveles de profundidad: Primero: La percepción de los datos antes de cualquier análisis lógico, aquí el espectador ve formas y colores que representan la emoción del partido. Segundo: Al recordar los acontecimientos del partido, es posible identificar ciertas formas y hacer una lectura más profunda. Tercero: Conociendo todas las formas y significados, los carteles tienen ahora también la función de informar y contar los detalles del partido.

"You have been called, you will be transmuted into energy.” In 1969, after being persecuted and arrested by the military dictatorship, Gilberto Gil envisioned and sang a possible future. From the union of the scientific with the esoteric and the limitation of matter with the emptiness of prison, the song “Futurível” was born. Now, more than 50 years later, we can materialize what Gil sang. Gil Futurível is the digital immortalization of the singer and composer in 'his second humanoid stage', who took his first step in an itinerant virtual experience, where everyone can come face to face with the artist and part of his work.

Amid the boom in virtual experiences and projects that explored the metaverse, Gilberto Gil would turn 80 in 2022. The artist had already reflected on technological advancement, its access and its effects on human life over the more than 60 years of career; as he did with "Futurível" in 1969, "Quero Saber" in 1976, "Parabolicamará" in 1992 and "Pela Internet" in 1996. With this history of intellectual provocation, we decided to give life to his "second humanoid stage", like the Gilberto Gil himself sang in "Futurível", 50 years ago. Once again, placing the artist ahead of time and purposing a reflection on society with technological innovation.

Creation of an itinerant virtual experience, present at innovation festivals and cultural institutions in Brazil, such as NFT.Rio, Rio Innovation Week, Bienal de Arte Digital and Instituto Oi Futuro. After wearing virtual reality glasses, people could browse works by Gilberto Gil that reflected on technological innovations, see manuscripts of his compositions and come face to face with the artist. In addition to the virtual experience and as another connection between the artist and technological innovations, a collection of Gil Futurível NFTs was created: 3D printed busts as gifts. This experience was the first step of Gil Futurível, the artist's "second humanoid stage". There are new creations underway to continue the project, extending the digital life of Gil Futurível and it's possible interactions.

Híbrido, donde la creatividad se fusiona con la tecnología para dar vida al fascinante universo de Maria Camila Calle, una visionaria productora y directora de Arte de la ciudad de Medellín. El dorado, el blanco y negro son los puntos de inicio para destacar una marca que fue creada por Diego Velásquez de Margot Studio donde adoptamos las mejores prácticas en usabilidad, animaciones y transiciones para que el sitio tuviera un lenguaje propio y un espacio para cada parte de la historia.

Híbrido aborda la compleja tarea de trasladar el medio audiovisual a un espacio digital expandido. Cada producto presentado se conecta de manera armoniosa con encuadres y tonalidades, contribuyendo a una narrativa que cobra sentido a medida que exploramos los trabajos a lo largo del tiempo.

La solución encontrada es una verdadera obra de magia digital. El sitio no solo muestra el portafolio de Maria Camila Calle; lo sumerge en un mundo de videos que actúan como ventanas a experiencias únicas. Este showcase interactivo e inmersivo nos invita a explorar cada detalle sin sacrificar rendimiento de la página, convirtiéndose en una vitrina que despierta los sentidos y permite saborear cada aspecto del talento y la creatividad de la productora.

itu – A new digital-first bank for Itaú Chile. itu is a 100% digital banking venture launched by Itaú Chile designed to make people's lives easier. itu guarantees well-informed financial management in a simplified journey, where it is possible to do everything needed on the app, faster and more securely. For the project, Work & Co led the design phases based on three pillars of experience: simplicity, education and sincerity. With 100% digital onboarding and a virtual card, in just a few clicks, the new customer can start using their account and make transactions immediately. itu starts as a checking account with faster transactions. In a centralized space to facilitate money management - the Chanchitu section - customers are encouraged to organize themselves to better plan and achieve their goals. What until then was commonly done in Chile using two or more accounts in different banks or spreadsheets, Chanchitu - which received its name as a reference to "chanchito", that means "little pig" in Spanish - does by separating the money into a safe box that can be named whatever the customer wants. With transparency to help the customer make decisions itu is always honest in a simple and clear design. itu is available on Google Play and AppStore

Chile's digital market innovative and it's users are appreciative of impactful experiences. But local business has yet to catch up with the level of maturity of it's potential clients, specially in the financial services market. This has led to intensified competition among companies, driving the need for unique strategies that elevate their digital products from merely useful to highly desirable. itu emerges as Itaú's innovative answer to this trend - a bank designed to be entirely digital, exceptionally user-friendly, and precisely aligned with the preferences of Itaú's new generation of customers in Chile. What Work & Co did: - Product strategy and vision - Discovery & user research - Visual and conceptual branding - Product concepting and detail design

The Itaú's new digital bank in Chile was created to connect with a younger audience and the growing local demand for new, well-crafted digital experiences. Although itu is a mass product, it was designed to adapt to the different needs and preferences of each person. Its Framework model is dynamic and customizable, which shortens the path to the most important functionalities to each user in their individual context. Market differentiation – Chilean banks generally lack distinctiveness in their user experience. Against this backdrop, itu stands out with its uniquely simple and meticulously designed interfaces. Empathic approach – itu avoids the industry’s complex jargon and uses language that is straightforward, customer-friendly, and brings a human touch to financial conversations. Personalized experience – itu’s experience, though designed for millions, is adaptable to cater user’s specific needs and scenarios, accommodating everyone from young adults to small business owners. Education through guidance - While interacting with itu, users are offered contextual guidance that boosts their confidence in managing daily financial decisions. It’s not about the usual format of financial education content, but simply showing the right information at the right time.

Kwai is a global short video platform with a particular focus on the Brazilian market. Every day, over 30 million internet users in Brazil record and share their lives on Kwai, spending over 70 minutes on average per day. Born in a nation with great vigour and diversity, the Brazillians tend to develop an optimistic nature and free mind, who enjoy life, love to express themselves and desire to be seen. At Kwai, we believe that everyone deserves the right to connect to our platform, to see and to be seen, regardless of who they are and where they live. With this belief, Kwai launched the EOY (End of Year) project at the end of 2023 when New Year's Eve was celebrated. Centered around the theme, "Kwai shines because of you", the project aimed to display users' highlights, celebrating the moments and ways they shined throughout the year. To be more specific, for the EOY project, we created two types of annual reports tailored to users' habits on Kwai throughout the year, which are Annual Photo Album and Annual Memories. The Annual Photo Album is a review of users' works in their local albums or on the Kwai platform which are reorganised according to a story line and packaged with the concept of "shiny moment". The Annual Memories is a review of users' behavioural data of consumption, production, and interactions on Kwai which are reorganised based on Brazillian New Year's Eve party scenarios and packaged with the concept of "shiny party". Through this project, we helped users discover, revisit and celebrate their shiny moments of the past year, by which we strive to convey the message that one can shine by embracing themselves instead of being somebody else. The campaign lasted for 8 days, with 4.98 million works produced in Brazil and 3.45 million Brazillians participated. We hope to build an inclusive community where everyone feels empowered to embrace themselves. In the future, Kwai will continue conveying the message “Make Everyone Shine”.

Kwai is a global short video platform with a particular focus on the Brazilian market. Every day, over 30 million internet users in Brazil record and share their lives on Kwai, spending over 70 minutes on average per day. Born in a nation with great vigour and diversity, the Brazillians tend to develop an optimistic nature and free mind, who enjoy life, love to express themselves and desire to be seen. At Kwai, we believe that everyone deserves the right to connect to our platform, to see and to be seen, regardless of who they are and where they live. With this belief, Kwai launched the EOY (End of Year) project at the end of 2023 when New Year's Eve was celebrated. Centered around the theme, "Kwai shines because of you", the project aimed to display users' highlights, celebrating the moments and ways they shined throughout the year.

To be more specific, for the EOY project, we created two types of annual reports tailored to users' habits on Kwai throughout the year, which are Annual Photo Album and Annual Memories. The Annual Photo Album is a review of users' works in their local albums or on the Kwai platform which are reorganised according to a story line and packaged with the concept of "shiny moment". The Annual Memories is a review of users' behavioural data of consumption, production, and interactions on Kwai which are reorganised based on Brazillian New Year's Eve party scenarios and packaged with the concept of "shiny party". Through this project, we helped users discover, revisit and celebrate their shiny moments of the past year, by which we strive to convey the message that one can shine by embracing themselves instead of being somebody else.